Da venerdì 5 gennaio è disponibile “Chiamami Di Notte“, il nuovo EP di Tommy Dali per Island Records/Universal Music Italy.

“Chiamami di Notte” è il racconto dell’inizio e della fine di una relazione grazie ad un viaggio introspettivo che si articola tra influenze pop, rap e RnB. Premendo play sull’EP, Tommy Dali trascina l’ascoltatore nell’incontro di riflessioni, dubbi, paure, speranze.

Nelle tracce inoltre, emerge vivido il desiderio, come racconta lui stesso, che questo EP diventi un faro, un punto di riferimento per far sentire compreso, ascoltato, chiunque si senta solo e chiunque non sia ancora riuscito a scorgere il proprio posto nel mondo.

Chi meglio di TOMMY DALI poteva raccontarci questo progetto? Noi di Honiro Journal lo abbiamo intervistato!

“Chiamami Di Notte”, se potessi chiamare il tuo pubblico per raccontargli questo album, qual è la prima cosa che diresti?

Di non smettere mai di credere di uscire dal buio, perché questo EP nasce da questo. Direi che la notte sei solo con te stesso, ma l’alba arriva, sempre.

Nel tuo profilo Instagram si può vedere un post in cui guardi la tua immagine riflessa in uno specchio su cui sono scritte diverse parole, “perché”, “ti amo”, “scusa”… oggi, spesso, lo specchio viene usato per rispecchiare l’apparenza, l’esteriorità. Ascoltando il tuo progetto invece si capisce chiaramente come questa metafora sia improntata su un aspetto molto più interiore. In questo EP, lo specchio rappresenta un viaggio introspettivo?

Si, in “perché”, nel visual, lo specchio è come se rappresentasse un periodo della mia vita, in cui mi guardava male, perché non volevo abbastanza bene a me stesso, adesso è diverso, mi guarda molto meglio.

I palloncini raffigurati nella cover dell’EP mi hanno trasmesso un’idea di libertà, ma anche un sentimento di nostalgia, quasi il desiderio di voler tornare bambini. A livello artistico, cos’è per te la libertà? C’è un aspetto della spensieratezza di quando eri più piccolo che cerchi di mantenere vivo ancora tuttora nella tua musica o, più in generale, nella tua vita?

A livello artistico per me la libertà è la possibilità di poter far ascoltare la propria voce, di poter affrontare gli argomenti che vuoi affrontare, di scrivere di quello che vuoi scrivere. I palloncini rappresentano lei, che sarebbe ancora stretta tra le mie mani se non fosse stato per gli errori che ho fatto, ma so che è volata via, chissà i palloncini dove vanno quando si allontanano, magari si rincontrano, magari no. A volte la spensieratezza ci viene tolta troppo presto, devo sistemare ancora tante cose per esserlo, devo ancora ritrovarla, ma è fondamentale per essere in pace con se stessi.

Il visual di “Parlami di Te” si apre con un’immagine molto bella, ovvero tu che regali dei fiori ad una ragazza. Spesso, all’interno di una relazione, i piccoli gesti vengono ritenuti scontati, nonostante molte volte siano invece fondamentali. Quanto sono importanti per te e quanto influenzano ciò che poi racconti in musica?

I piccoli gesti sono sicuramente importanti in una relazione, io a volte purtroppo spesso l’ho fatto per farmi perdonare qualcosa… È come se i fiori che le regalo fossero l’ultimo ricordo che le lascio, prima di vederla andare via.

“E non scordarti di me”
Qual è un segno che vorresti che rimanesse nel tempo a chi ascolta questo EP? Un messaggio di cui i tuoi ascoltatori non si dimenticassero?

Vorrei che questo EP, diventasse un faro per chi combatte ogni giorno una guerra con se stesso, in quella comunità non ho smesso di sognarmi su un palco neanche per un secondo. Le scale per me sono ancora tante ma le scaleremo tutte.

In occasione dell’uscita di “Chiamami di Notte” racconti inoltre che speri, con la tua musica, di aiutare chiunque si sia sentito solo, senza un posto nel mondo. Solitamente la solitudine viene sempre etichettata come un sentimento negativo, secondo te si può invece trovare un aspetto positivo di questa emozione? Attraverso la musica sei riuscito a darle un nuovo significato?

Sicuramente stare bene da soli, con se stessi, è fondamentale, e la musica mi aiuta “ogni minuto” in questo, come la traccia nell’EP. Questo per me è l’unico aspetto positivo della solitudine, che impari a convivere con te stesso e a cavartela. Ci sono stati periodi in cui lo sono stato, una persona può sentirsi così anche circondato da un mare di persone, mi fido di poca gente, se non di quella che conosco da sempre, alcuni sono con me ancora oggi, altri no, forse è il prezzo da pagare.

Ti andrebbe di anticiparci qualcosa riguardo il futuro? Dai nuovi progetti ci dobbiamo aspettare un’impronta stilistica simile a quella che abbiamo ascoltato in questo EP? Chiamami di Notte rappresenta il primo tassello di un mosaico più grande?
Sicuramente con la mia crescita ci sarà anche un’evoluzione musicale, sono ai primi pezzi del mio mosaico dentro la mia testa, e dentro ho un mondo da scoprire, quindi questo EP porterà a qualcosa di più grande, è una promessa. Nel mio futuro prossimo non vedo l’ora di perdere la voce ai live con tutti voi!

Prima di concludere un’intervista, solitamente domando sempre se c’è qualcosa (riguardo questo album, te stesso, la tua musica…) che non ti ho chiesto ma che ci tieni particolarmente a far sapere ai nostri lettori
Che è “tutto ok” anche se non è “tutto ok” per niente, perché non piove all’infinito.

L'articolo TOMMY DALI ci racconta il suo EP “CHIAMAMI DI NOTTE”: “Vorrei che questo EP fosse un faro per chi ogni giorno combatte contro se stesso” proviene da Honiro.it.

Dopo aver aperto concerti di artisti come Diodato e Max Gazzè e dopo un intenso percorso di performance live, è disponibile dal 14 dicembre su tutti i digital stores “LOGICO”(Macro Beats/distribuito da Artist First) il singolo d’esordio di PAOLA PIZZINO.

Disponibile anche in versione unplugged, “LOGICO” è un brano che si disegna tra la consapevolezza di voler abbandonare ciò che non è più razionale e la speranza di trovare riparo nel futuro.

Chi meglio di PAOLA PIZZINO poteva raccontarci questo brano? Noi di Honiro Journal l’abbiamo intervistata!

Essendo il tuo primo brano, non posso non chiederti da dove abbia preso vita l’ispirazione per questo titolo

La canzone si chiama “Logico” ma, in realtà, nel ritornello io dico “non c’è niente di logico” e forse è proprio in questo che risiede l’intero senso del brano. Infatti, se da sempre, nella vita, cerco di mantenermi più logica possibile, estremamente razionale nelle mie relazioni interpersonali, poi nella realtà esiste anche una mia parte irrazionale, illogica. Questo ossimoro nel titolo quindi, ripensandoci, è nato proprio spontaneamente.

Questo singolo rappresenta il tuo esordio ma sappiamo che, in realtà, tu hai alle spalle già molte performance dal vivo. Essendo reduci da un periodo in cui, purtroppo, durante la pandemia gli artisti emergenti hanno potuto esordire solo in digitale, cosa differenzia invece l’esordio di chi ha potuto prima esibirsi live? Che bagaglio di emozioni ha chi esordisce direttamente dal vivo?

È una domanda importante. Spesso mi è stato chiesto “come ti senti ora che è uscito il singolo?” e la mia risposta a questa domanda è che sono veramente felice, soprattutto perché finalmente tutte le persone che durante i live mi chiedevano dove potessero ascoltare i pezzi ora li potranno trovare anche in digitale. Il mio esordio quindi, per me, ha significato rispondere a questa domanda del mio pubblico. Onestamente però, allo stesso tempo, quando si parla di stream, di digital stores, avverto quanto mi manchi un po’ quella concretezza, quell’aspetto a cui i live mi avevano abituata maggiormente. Spero quindi vivamente che questi numeri si trasformino in un’esperienza dal vivo sempre più importante e sempre più bella.

Mi è piaciuto molto “LOGICO” versione unplugged perché, metaforicamente, oltre che un brano in acustico, mi è proprio sembrata la ricerca di un’autenticità particolare. Quanto è importante per te, nella musica ma anche nella vita in generale, avere il coraggio di mostrare la propria vera essenza?

Sono una persona a cui, da sempre, è piaciuto impegnarsi in tantissime cose, allo stesso tempo cerco sempre di essere credibile in tutto ciò che faccio. Credo che il segreto per essere autentici, paradossalmente, sia proprio non pensarci, non costruire nulla. Anche nel mondo musicale, ho sempre detto che per me tutto ciò che ruota attorno ai singoli ha un’importanza minore, è la concretezza che mi importa, esattamente come credo che, nella vita di tutti i giorni, sia la personalità ad essere il fulcro. Credo sia inutile costruire qualcosa che nella realtà non esiste, piuttosto conviene essere sinceri fin dall’inizio, imparando anche a spogliarsi dei filtri per essere credibili.

“Dopodiché’ riprendo la vita che dico di volere, di meritare, così mi lascio andare, così ti lascio andare”. In che modo credi si possa comprendere, come racconti tu in questo brano, che amare una persona, a volte significhi proprio lasciarla andare?

Penso che logico racconti una storia che non era destinata a sopravvivere al tempo. Ancora oggi voglio bene a questa persona, siamo ancora in contatto e credo che sia stata proprio la nostra sincerità a portarci a compiere la scelta di lasciarci, la nostra decisione di guardarci negli occhi e raccontarci cosa, secondo noi, non funzionasse più. Lui ha dato le sue ragioni, io le mie, e credo che logico sia esattamente la narrazione della mia versione: io con lui ho avuto difficoltà a sentirmi me stessa, e quindi anche a lasciarmi andare. In questo singolo credo si possa anche scorgere una sfumatura di rabbia, ma anche il desiderio di essere felici e di andare avanti. Rispetto e fiducia credo siano stati gli elementi chiave per comprendere che lasciarsi andare fosse la soluzione migliore per dimostrare di volersi bene davvero.

“Riempie un album di foto che mi dice chi sono io”. Quanto secondo te è difficile al giorno d’oggi trovare la propria identità, sia nel mondo musicale sia nella vita di tutti i giorni?

L’album che cito all’interno del singolo, effettivamente esisteva davvero. Avevo iniziato a raccogliere le fotografie di tutto ciò che consideravo un mio difetto e avevo intitolato questo album “accettati”. A distanza di anni, sempre come racconto nel brano, l’ho eliminato. Solo però dopo questo processo, solo dopo l’aver accettato i miei difetti, ho iniziato a trovare una mia identità, ad essere semplicemente me stessa, ho quindi iniziato a pensare che in qualsiasi occasione, sia nel mondo musicale, sia nella vita di tutti i giorni, non avrei mai voluto costruirmi un personaggio.

Nella cover del brano possiamo notare questa bruciatura, la carta quasi mangiata dal fuoco. Ti va di raccontarci come è nata l’idea dell’artwork?

Ci siamo mantenuti il più possibile minimal, sia io sia Macro Marco sia Alberto DeSeta che è il creatore dell’artwork. Siamo persone con questa determinata impronta anche nella vita, siamo fan della semplicità, “less is more”, come si dice. Quando mi hanno proposto questa cover ho detto subito di sì, con questa particolarità della sigaretta spenta sul titolo del brano che io ho interpretato come quel dettaglio che forse rende meno perfetto il tutto ma sicuramente più autentico.

Essendo questo singolo solo il primo passo di un viaggio appena cominciato, ti va di anticiparci qualcosa sui tuoi progetti futuri, sui tuoi obiettivi?

Non vedo l’ora di quello che sarà, siamo in fase di trasformazione, abbiamo già altri progetti pronti e sicuramente farò uscire alcuni degli altri brani che ho sempre suonato live. Spero di arrivare a tanti!

L'articolo PAOLA PIZZINO CI RACCONTA IL SUO SINGOLO “LOGICO”: “A VOLTE LASCIARE ANDARE SIGNIFICA AMARE DAVVERO” proviene da Honiro.it.

Tutti noi abbiamo un passato che spesso ci torna in mente, quei ricordi che non siamo disposti a dimenticare, quella persona che ora vive nel nostro “ieri” ma che speriamo, prima o poi, di rincontrare, magari anche per caso, attraversando la strada o camminando su un marciapiede in un pomeriggio apparentemente come gli altri. 

Allo stesso tempo, tutti noi siamo quotidianamente accompagnati dai sogni, dall’immagine di quello che sarà il nostro futuro, e tutti siamo impegnati, ogni giorno, nel vivere il nostro presente. Arricchito da una sfumatura più sentimentale, e raccontato tramite la metafora di una storia d’amore, potremmo dire che sia questo il concept da cui prende vita “Ieri, Oggi, Domani” il nuovo singolo di Francesco Kairòs disponibile su tutti i ditigal stores per Similax Records e Believe Italia.

Francesco Kairòs, già co-autore di brani di Annalisa, Arisa, Ludwig, Anna Tatangelo e altri, torna con un brano avvolto di speranza e consapevolezza che ci trascina alla scoperta della cifra stilistica del suo universo musicale.

Chi meglio di lui poteva raccontarci “ieri, oggi, domani”? Noi di Honiro Journal lo abbiamo intervistato!

Spesso ci ritroviamo immersi nei ricordi o negli obiettivi che vogliamo raggiungere nel futuro, a volte, paradossalmente, dimenticandoci di vivere il presente. Come pensi potremmo imparare a capire quanto sia prezioso l’oggi?

Sicuramente ciò che è stato ieri, quindi metaforicamente il passato, delinea una traccia. Sapere da dove veniamo e dove vogliamo arrivare, quindi il futuro, è un concetto che ho sviscerato non solo in questo singolo, ma anche nei miei progetti precedenti. Personalmente rifletto spesso sul passato per riuscire a captare dalle esperienze trascorse degli strumenti o degli insegnamenti da poter utilizzare per migliorare il presente e il futuro, credo infatti che quest’ultimo non sempre si possa prevedere, ma di sicuro si possa costruire. Il brano è caratterizzato proprio dal concetto appena citato, raccontato con un taglio molto più relazionale e sentimentale.

All’interno del brano si possono scorgere molte sfumature di vita quotidiana, come il rivolgere un semplice “ciao” a qualcuno a cui vogliamo bene. Quanto la quotidianità, il tuo vissuto e in generale le esperienze che hai sperimentato in prima persona influenzano la tua musica?

La quota autobiografica è sempre molto presente nei miei brani, la quotidianità e il mio vissuto sono senza dubbio tra le principali fonti d’ispirazione per i miei progetti artistici. Credo che la musica non debba avere l’arroganza di voler spiegare agli altri cosa sia la vita o come dovrebbero viverla. Preferisco possieda quella sensibilità che permetta, tramite quest’arte, di raccontare esperienze vissute in prima persona. I piccoli gesti quotidiani, che possono essere un semplice saluto o il percorrere un tratto di strada insieme, nascondono un significato molto più ampio, molto spesso infatti utilizzo queste immagini nei miei brani in modo metaforico, per suscitare emozioni specifiche.

Tra le strofe di “Ieri, Oggi, Domani” si può anche ascoltare un “come stai?”. Anche questo probabilmente rappresenta un piccolo gesto che però, in periodi frenetici come il giorno d’oggi in cui si è un po’ persa l’abitudine di interessarsi agli altri, risulta un’accortezza preziosa. Come stai in questo momento della tua carriera?

Sto bene, grazie. Questo mio progetto arriva dopo tanti anni di dietro le quinte, di autorato e di scrittura per terzi. Il desiderio che mi ha portato a dar vita ad una dimensione musicale completamente mia deriva dalla necessità di stare bene, di essere felice ed emotivamente coinvolto nei messaggi che voglio trasmettere. Questo singolo è quindi a tutti gli effetti un ritorno all’essenza della musica, volevo metaforicamente tornare a quella passione, spontaneità e urgenza espressiva di quando ho cominciato a scrivere. Credo che le canzoni siano come delle fotografie, magari sono un perfetto ritratto di un periodo della propria vita ma dopo anni ci si accorge che attualmente quel racconto non ci non ci rappresenti più, nonostante questo però, rimane pur sempre un tassello fondamentale di quel rullino che è la propria vita.

Questo singolo trasmette proprio l’idea del tempo che passa, del susseguirsi di giorni e forse anche dell’imprevedibilità e le sorprese della vita. In tutto questo mutamento e in tutti questi cambiamenti, c’è una caratteristica, un fondamentale o un aspetto della tua musica che sai che, nonostante trascorrano gli anni, rimarrà per sempre simbolo della tua identità artistica?

Bella domanda, credo di riuscire a distinguere perfettamente le varie fasi che hanno attraversato la mia carriera musicale e i miei relativi cambiamenti personali o periodi di vita. Onestamente però, non mi sono mai soffermato sul pensare se, tutti questi passaggi emotivi e artistici, potessero essere legati da un fil rouge. Sicuramente tra il Francesco che anni fa ha iniziato rappando e muovendo i primi passi nel panorama musicale e il Francesco di ora, possiamo identificare come comune denominatore l’impronta riflessiva. Penso di non aver mai scritto testi particolarmente leggeri quindi, nonostante il mio approccio alla scrittura sia cambiato nel corso degli anni, credo che la quota conscious rimarrà sempre parte della mia personalità musicale.

Ti va di anticiparci qualcosa riguardo il tuo domani? Cosa dobbiamo aspettarci dal futuro?

Sto già lavorando al nuovo brano, che vedrà la sua pubblicazione con l’inizio del nuovo anno. Sicuramente c’è anche la volontà di dedicarmi ed iniziare a lavorare anche ad un progetto artistico più grande. Per ora sono felicissimo di comunicare tramite la musica, credo sia questo l’aspetto più importante.

Solitamente prima di concludere le interviste domando sempre se c’è qualcosa che non ti ho chiesto che ci tieni particolarmente che i nostri lettori sappiamo su di te, sulla tua musica, sui tuoi progetti… 

Anticipo che da Roma arriveranno presto molti nuovi progetti, sia da parte mia sia da parte degli artisti, producer e team con cui collaboro e con cui condivido la stessa visione stilistica.

L'articolo FRANCESCO KAIRÒS CI RACCONTA “IERI, OGGI, DOMANI”: “Questo singolo vuole essere un ritorno all’essenza della mia musica” proviene da Honiro.it.

“Falafel Nostalgia” è questo il titolo del nuovo album di Friz per Vulcano, un disco composto da dieci tracce, mood e sound completamente diversi tra loro che però, insieme, danno vita ad un progetto unico nel suo genere. Il rapper ha infatti deciso di unire il suo background di matrice principalmente urban con molte altre influenze stilistiche che hanno portato alla stesura dei brani come fossero un vero e proprio flusso di coscienza. Non manca di certo la parte emotiva, che si articola tra nostalgia, riflessività e speranza per il domani. 

Chi meglio di Friz poteva raccontarci questo album? Noi di Honiro Journal lo abbiamo intervistato!

Volendo partire proprio dal titolo di questo progetto, cos’è per te la nostalgia? Come la vivi? Come mai l’esigenza e il desiderio di volerla raccontare in un album?

Sicuramente all’interno del disco e di ogni singolo brano è molto presente questo colore, questa nostalgia che citi. Poi devo dire che, secondo me, l’accostamento di queste due parole richiamino, sotto alcuni punti di vista, un immaginario quasi cinematografico. Il titolo del progetto inoltre vuole racchiudere l’intera atmosfera dell’album.

Nel comunicato stampa si legge che con questo album continui a reinterpretare la tua esperienza, tra ambizione e desiderio di fuggire da alcune imposizioni. Come credi si possa ritrovare un aspetto importante come l’ambizione al giorno d’oggi in cui, potremmo dire, si è un po’ persa?

Bella domanda, onestamente credo non sia facile. Penso che si debba capire anche cosa ognuno di noi intenda come ambizione, secondo me esistono diversi tipi di ambizione, perché in fondo ognuno di noi ha obiettivi soggettivi e differenti. In questo caso, l’ambizione nel pubblicare un disco credo sia il riuscire ad esaudire il desiderio di comunicare un messaggio ben preciso, e magari anche di far in modo che l’ascoltatore entri in empatia con le tracce. La mia scrittura è molto personale, cerco spesso di parlare di ciò che percepisco o che vedo, ovviamente questo aspetto è accostato alla dote terapeutica della musica e alla spensieratezza del processo creativo.

“Se avessi avuto un po’ più numeri e meno poesia… magari sarei un grande”. Credi che i numeri stiano oscurando la poesia della musica?

Mi dispiace dirlo, ma purtroppo credo che in alcuni casi sia vero. Penso che la musica sia lo specchio della società e del periodo che stiamo vivendo perciò lo trovo, non dico naturale, ma comunque amaramente coerente con questo presente. Questa mia frase potrebbe anche avvolgere altre situazioni al di là degli stream, è sicuramente una riflessione che ho fatto ad alta voce.

Il disco si articola tra rap, hip hop, diverse sfumature urban e RnB. Da dove arriva la volontà di mischiare tutte queste influenze?

Questa impronta stilistica arriva e cresce man mano, ho scritto molti brani prima di selezionare quelli che poi sarebbero andati a comporre l’album. All’interno del disco ci sono dieci tracce, tutte diverse tra loro ma anche tutte legate da uno stesso flusso di coscienza. Ho scelto di spaziare così tanto tra i generi perché volevo che questo progetto restituisse un’immagine completa della mia personalità artistica e della mia musica. Il mio background arriva sicuramente dal rap ma mi piace anche molto il jazz e molti altri stili e influenze.

“Perdiamo l’essenza immersi nella società dell’apparenza” è una frase molto bella contenuta all’interno di quest’album. Come pensi potremmo tentare di far tornare l’essenza al primo posto?

Ci credo molto in questa frase, purtroppo penso che sia sotto gli occhi di tutti il fatto che siamo immersi in una società che punta moltissimo sull’apparenza, anche tramite i social. E’ difficile rispondere, sicuramente però lavorare su noi stessi e sulla quotidianità può aiutare, anche magari iniziando a creare musica non per l’aspettativa legata ai numeri, alle cifre e alla classifica.

L'articolo FRIZ CI RACCONTA IL SUO ALBUM “FALAFEL NOSTALGIA”: “desideravo racchiudere tutte le sfumature del mio universo artistico in un unico progetto” proviene da Honiro.it.

Luna, artista simbolo della Generazione Z, è tornata il 21 luglio con “Farfalla”, il suo nuovo singolo. Una combinazione di energia e determinazione caratterizzata da un mood estivo e frizzante, un trascinante inno alla vitalità, al buon umore e a quella spensieratezza che forse, nella vita di tutti i giorni, troppo spesso tendiamo a dimenticare.

Il singolo rappresenta il terzo tassello della sua rinascita artistica con Island Records, iniziata con la pubblicazione dei brani “K.O” e  “ABC”.

Chi meglio di Luna poteva raccontarci “Farfalla” e, più in generale, il suo percorso? Noi di Honiro Journal l’abbiamo intervistata!

Luna, in occasione della pubblicazione di questo brano, su Instagram scrivi “farfalla, il mio nuovo singolo, la nuova me dopo la metamorfosi”. Inizialmente molte volte il cambiamento spaventa, soprattutto quando si è giovani, ma spesso proprio questo passo porta poi a percorrere proprio la strada che si voleva intraprendere. Finora quali sono state le soddisfazioni che ti ha portato questa metamorfosi?

La soddisfazione più grande che mi ha portato questa metamorfosi è sicuramente aver capito chi io sia veramente a livello artistico, è un momento in cui mi sento molto a mio agio musicalmente, penso che questo singolo descriva benissimo il mio mood, sia per quanto riguarda il testo sia per quanto riguarda, più in generale, proprio le vibes. Allo stesso tempo, c’è stata anche una metamorfosi personale perché sicuramente ho scoperto nuovi aspetti di me stessa. Onestamente è vero, il cambiamento spaventa, soprattutto quando è un grande cambiamento. Penso che la cosa più difficile sia stato proprio il percorso che ha portato a questa metamorfosi ma sono felice di esserne uscita avendo compreso molte sfumature di me, credo sia un risultato importante.

Il brano è un inno a vivere la vita con leggerezza e a lasciarsi andare senza avere rimorsi di alcun tipo.  Cos’è per te la leggerezza, cosa la caratterizza?

Se dovessi trovare un aspetto della mia vita per identificarla, sarebbe sicuramente la musica. L’essere produttiva mi fa sentire leggera. Questo brano vuole essere un inno alla spensieratezza e, contemporaneamente, un racconto della mia persona, del mio essere così determinata. Nel singolo sono presenti due frasi in particolare che descrivono proprio questo, “se non sbaglio da sola non sbaglio quasi mai” e “se mi dici di non farlo di sicuro lo farò”, vogliono essere un racconto di come io segua la mia strada, a volte anche andando controcorrente. Penso che anche questo aspetto si leghi alla leggerezza: la libertà di scegliere ciò che si ritiene essere giusto.

Hai citato la frase “se non sbaglio da sola non mi sbaglio quasi mai”, in questo mondo che spesso si focalizza molto sulla ricerca della perfezione, quanto invece è importante vivere in modo libero il poter sbagliare?

Se non sbagliassimo mai non impareremmo mai nulla. Per quanto riguarda me stessa, sicuramente penso di aver imparato proprio dagli errori. Non si può negare che ci sia un velo di dispiacere quando si sbaglia, ma è proprio in quel momento che scatta quel qualcosa che ti induce a cambiare.

“non sono più una bambina, non prendermi in giro, non è tutto rosa e fiori” c’è un aspetto della spensieratezza di quando eri piccola che cerchi di mantenere ancora vivo, nella tua musica o anche più in generale?

Assolutamente si, sono veramente legata a molti aspetti che hanno caratterizzato la mia infanzia o la mia prima adolescenza. Penso che il timore di crescere si superi rendendosi conto che diventare grandi non significhi doversi lasciarsi tutto alle spalle. Ora ho 21 anni, ma sono felice di mantenere ancora vivi i sogni caratteristici di quel fanciullino che ognuno di noi possiede.

Luna, in “Farfalla” affermi anche “Che la normalità mi ammazza”. Quale pensi possa essere un aspetto della normalità che sta stretto alla tua generazione, alla Generazione Z?

Probabilmente la visione che hanno gli adulti di noi ragazzi, credo sia un aspetto che stia stretto a molti.

“Farfalla” è prodotto da Big Fish, quali sono gli aspetti che vi hanno portato ad avere una collaborazione così duratura nel tempo?

Io e Big Fish siamo veramente due persone molto diverse, ma penso che un punto d’incontro importante sia senza dubbio condividere le stesse idee a livello artistico. Per quanto riguarda i singoli abbiamo sempre voluto sperimentare e ci troviamo d’accordo su molti aspetti nel campo musicale, credo sia questo il segreto!

“Ho un mare di domande, troppi vuoti da colmare” racconti in “K.O.”, ultimamente si è spesso alla ricerca di colmare subito tutto ciò che rimane vuoto, pensi che, invece, esista un lato positivo dei vuoti che non abbiamo ancora colmato?

Assolutamente si, molte volte sono proprio le incognite a spingerci a conoscere di più noi stessi, ognuno ha i propri vuoti da colmare. Personalmente, avere dei punti interrogativi è proprio ciò che mi fa mettere in dubbio e ricalcolare tutto, mi porta a guardare con occhio più oggettivo e critico la situazione. Per quanto, a volte, possa apparentemente sembrare qualcosa di confusionario, di negativo, credo sia importante invece cogliere anche sempre gli aspetti positivi, vedere il bicchiere mezzo pieno.

In “ABC” parli di fondamentali, di basi, dell’ABC, appunto. Quali sono i fondamentali di questo tuo nuovo percorso? Gli aspetti che legheranno tutti i progetti di questa tua rinascita artistica?

Sicuramente la costanza. Mi impegnerò per pubblicare il più possibile e, allo stesso tempo, voglio mettere del vero, tutta la mia autenticità in ogni singolo pezzo. Con questo singolo credo di aver trovato me stessa ed essere pronta ad intraprendere un percorso mirato proprio a questo: trasportare in musica le mie idee al 100%, a livello di testo, pensieri, realizzazione.

Volendo nuovamente citare i tuoi brani, “brindiamo alla vita alziamo i calici”, se ti dovessi fare un augurio per il futuro, una cosa in particolare per cui brindare?

La cosa più vera che mi possa augurare, oltre al raggiungere gli obiettivi che desidero realizzare, è sicuramente la speranza di raggiungerli assieme a ciò che reputo l’aspetto più importante della mia vita, ovvero le persone giuste. Ho capito come questo cambi e migliori completamente tutto.

L'articolo LUNA ci racconta il suo nuovo singolo “FARFALLA”: “Con questo brano ho trovato me stessa” proviene da Honiro.it.

Dal 16 giugno è disponibile su tutti i digital stores “DIMMI” il singolo della cantautrice romana LUDOVIQUE. Prodotto ma Mr. Brux e co-scritto da Martina May e Francesco Sponta, il brano rappresenta il simbolo della rinascita artistica di LUDOVIQUE, dipingendo in musica un’esperienza da lei realmente vissuta.

Chi meglio dell’artista poteva raccontarci questo singolo? Noi di Honiro Journal l’abbiamo intervistata!

Volendo iniziare questa intervista parlando proprio del titolo del brano, quando si ascolta il singolo, “DIMMI” sembra un desiderio, una richiesta, dimmi cosa pensi, dimmi le tue idee, parlami. Quanto è importante per te, in una relazione, nella musica o più in generale, la comunicazione?

E’ veramente fondamentale. Mi ritengo una persona particolarmente diretta e mi fa piacere comunicare con chi ho davanti, sapere cosa pensano le persone. Tramite la musica ho voluto quindi raccontare quanto mi faccia soffrire quando chi ho accanto, che sia un parente, un amico o un amore, non comunica. Questo singolo infatti, ha rappresentato per me il posare su carta un mio sfogo personale, l’ho scritto assieme a Martina May e Francesco Sponta, co-autori con cui condivido un forte legame di amicizia oltre che lavorativo. Proprio per questo motivo il testo del singolo ha preso vita come fosse una conversazione molto spontanea con i propri amici, il brano è proprio la ricerca di un confronto, il racconto del desiderio di sapere le cose come stanno.

“Quando stiamo insieme, pensa a farmi stare bene”. Quali sono, secondo te Ludovique, gli aspetti principali che ci fanno comprendere di sentirci veramente bene con una persona?

Nel singolo parlo della storia e del percorso di un amore al capolinea. Con questa frase quindi, volevo raccontare la fase finale della relazione. Ero stanca e mi accorgevo sempre più di come il nostro rapporto non stesse intraprendendo una vera e propria strada. Ciò che mi convinceva a rimanere con questa persona era il fatto che, in alcuni momenti in cui stavamo insieme, stavamo veramente bene. Se dovessi rispondere a questa domanda facendo riferimento alla mia esperienza personale, io mi reputo, proprio per la natura del mio carattere, una persona di indole buona, generosa, sensibile, ciò che mi ha fatto comprendere che ci fosse un legame forte era il fatto che, con lui, condividessi anche la passione per la musica, che è l’aspetto della mia vita che, personalmente, credo più vicino alla mia essenza. È stata la prima volta in cui è successo che io veramente dedicassi la mia anima a qualcuno.

“La ragione per cui noi non ci lasciamo in pace, e che ci spinge a continuare” dove possiamo trovare un motivo per andare avanti, per non lasciare svanire tutto ciò che abbiamo costruito? Che sia nell’ottica di una relazione, di un’amicizia, di una passione, di un obiettivo in generale?

Nella canzone racconto come io mi sia trovata in quello che molti chiamerebbero un “triangolo amoroso”, una situazione sentimentale che non mi piaceva. Allo stesso tempo però, ero veramente innamorata di lui e quindi era difficile per me, emotivamente, allontanarmi da un momento all’altro. Non mi ero mai trovata in una dinamica simile e quindi inizialmente avevo deciso di non voler lasciare andare la persona che amavo. Poi però, ho imparato a scegliermi, ho capito come io avessi messo in secondo piano il mio bene per rimanere attaccata al sentimento che provavo. Con questa decisione in realtà, all’inizio non ci si sente meglio, ma poi, quando ci si accorge di aver scelto la propria felicità veramente si rinasce.

Ludovique, a proposito di questo, tu stessa racconti che il brano sia stato per te una vera e propria rinascita artistica. Da cosa deriva l’esigenza di rinascere, e come si può avere il coraggio alcune volte di fare questa scelta?

Ho sempre amato la musica, ma tempo fa mi è capitato di sentirmi persa, di non essere convinta del percorso che stavo intraprendendo. Il momento in cui ho scritto questa canzone ha rappresentato per me una vera e propria rinascita perché il brano è il simbolo del mio sblocco emotivo e artistico. Credo che gli avvenimenti che inizialmente pensiamo come “negativi” o “scoraggianti” possano in realtà essere un arricchimento personale. Ovviamente non avrei mai voluto vivere la sensazione di avvertirmi persa, o il dubbio che non sarei riuscita a trovare la strada giusta, ma proprio questo mi ha poi aiutato a creare quella che adesso è la mia identità stilistica, che è quindi nata grazie ad un momento difficile. Alla fine, spesso, è dalle esperienze tutt’altro che semplici che inizia una nuovo viaggio, quindi ho imparato a vivere questi momenti come una motivazione ed una carica, pensando sempre che magari mi stiano trasmettendo un insegnamento che, con il tempo, capirò essere stato importante per me.

L'articolo LUDOVIQUE racconta il suo singolo “DIMMI”: “Questo brano rappresenta la mia rinascita” proviene da Honiro.it.

“Ammore Malamente”, il nuovo album di Peppe Soks disponibile da oggi in versione fisica e su tutti i digital stores, rappresenta l’evoluzione musicale dell’artista campano attraverso i suoi dieci anni di passione per la musica.

Il disco è caratterizzato da un sound che spazia dalla trap all’hip hop con produzioni incisive e distintive curate da Nathys, Janax, Darry Bryan, Raimo, Vtr, Nardi, Finesse e okgiorgio che trasportano l’ascoltatore all’interno di un viaggio sonoro fatto di rime, suoni e voci che si uniscono tra loro perfettamente. 

Nel disco l’artista racconta sé stesso, la sua crescita musicale e artistica ma anche l’amore per il sud Italia, elemento che caratterizza da sempre la musica di Peppe Soks.  Un album introspettivo e versatile, dalla scrittura intensa e autentica in cui descrive spaccati di vita quotidiana raccontando i luoghi da cui proviene e storie vissute in prima persona, definendo un proprio universo musicale inconfondibile. 

Chi meglio di Peppe Soks poteva raccontarci questo progetto? Noi di Honiro Journal lo abbiamo intervistato!

Il titolo di un progetto rappresenta spesso proprio il biglietto da visita di quest’ultimo. Ti andrebbe di raccontarci come mai proprio “AMMORE MALAMENTE”?

Il pubblico mi conosce per i miei brani d’amore, allo stesso tempo però, anche per i miei pezzi street. Questo titolo quindi, per prima cosa, ho pensato potesse essere il giusto nesso per far incontrare queste due mie sfumature artistiche. Solitamente inoltre, lascio libero il pubblico di interpretare molti aspetti dei miei progetti nel modo che più preferisce, “AMMORE MALAMENTE” quindi, può essere interpretato in più modi, come una relazione che finisce, un vizio che ci affascina ma che, allo stesso tempo, ci fa anche male, oppure può essere legato alle proprie origini. Penso che chi, come me, è particolarmente legato al sud Italia sappia che questo senso di appartenenza presenti diverse sfumature, si ha la fortuna di vivere in un posto veramente bellissimo ma, alcune volte, offre meno opportunità rispetto ad altre realtà.

“è iniziato un po’ per gioco, e a momenti anche adesso è così” racconti nel reel che hai postato su Instagram in occasione dell’annuncio dell’album. Quanto è importante per te mantenere nella tua musica quella parte di gioco, di spontaneità e anche di autenticità di quando hai iniziato?

Lo ritengo un aspetto molto importante, soprattutto perché credo che per costruire un percorso sia importante avere solide fondamenta. Fortunatamente quella che era la mia passione, essendo ora una carriera, si è trasformata nel mio lavoro, ma nonostante questo credo che se si perdesse la spontaneità, l’amore e la spensieratezza di fare musica non ci sarebbe più il sentimento che la caratterizza. Penso sia fondamentale ricordarsi di quei momenti, che sono appunto anche raffigurati e raccontati nel video, in cui da piccoli prendevamo un treno per andare a Roma o a Milano senza meta, solamente per incontrare persone che amavano il rap, che condividevano la nostra stessa passione.

Quando avevo circa quindici anni mi ricordo inoltre che, assieme ai miei amici, partecipavamo proprio ai contest di Honiro, al One Shot Game, partivamo da Salerno per prendere parte a queste opportunità, ho un ricordo davvero molto bello del primo approccio con il rap, e penso che proprio questo trascorso mi abbia aiutato tanto.

“abbiamo scelto di scrivere la storia, la storia nostra, e non di farcela raccontare da qualcun altro. Non siamo mai stati spettatori ma gli attori principali del nostro destino” aggiungi poi, proprio in quel reel. Alcune volte, soprattutto ultimamente, è difficile trovare quella passione che porta ad essere i protagonisti del proprio destino. Qual è stata la spinta che ti ha portato a diventare un attore, piuttosto che rimanere uno spettatore?

Io e il mio manager siamo in questo ambiente da diversi anni. Una cosa che spesso abbiamo notato, è il fatto che la musica sia quasi diventata intrinseca ai meccanismi dei social. Penso che alcune volte, magari anche involontariamente, ma ci si leghi troppo all’apparenza. A noi, onestamente, tutto ciò non ha mai affascinato. Proprio per questo dico che abbiamo sempre cercato di essere gli attori principali del nostro destino, per descrivere che noi siamo così, siamo noi, questa è la nostra musica e il nostro modo di comunicare. Vogliamo che sia la musica protagonista e che sia proprio lei a raccontare tutto ciò che voglio comunicare al pubblico.

“queste fotografie non le consuma il tempo” affermi all’interno di una strofa del disco. Questa frase mi ha dato come l’impressione di qualcosa che rimane sempre anche se i giorni passano. Cosa vorresti che rimanesse al tuo pubblico di questo album? Quale vorresti che fosse in questo progetto, metaforicamente, una fotografia che non venisse consumata dal tempo?

Volendoti citare una foto vera e propria, all’interno della copia fisica dell’album c’è un booklet, con una serie di immagini, che rappresentano l’intero progetto. In una di queste, è raffigurata una cena, un tavolo a cui siamo seduti io e una donna. Lei, nel piatto, al posto del cibo, ha degli oggetti di valore, un Rolex, una collana, un bracciale. Si può anche notare un bicchiere di champagne sul tavolo, con il suo rossetto. Anche qui, ognuno può interpretare questa scena liberamente, ma un’immagine che mi farebbe piacere rimanesse a chi ascolta questo album è proprio il valore delle persone che ti scelgono indipendentemente dalle cose che hai o che puoi avere, ma per quello che sei.

“No pain, no game”, nessun dolore nessuna vittoria, nessuna tristezza nessuna felicità, nessun sacrificio nessuna conquista. Spesso, al giorno d’oggi, basta un click per avere tutto e subito. Non si è più abituati a compiere dei sacrifici. Che consiglio daresti ai ragazzi per ritrovare il senso del sacrificio e comprendere il valore del sacrificio?

Penso che i sacrifici più importanti siano proprio quelli che all’inizio non ti accorgi di compiere. Per me non è mai stato un sacrificio andare in studio per creare musica, quindi molte volte, non si sta sacrificando tempo, lo si sta impegnando. Quello che ripeto sempre a mio fratello, che ha quindici anni, è che già alla sua età bisogna incominciare a pensare al futuro, anche perché spesso, nessuno ti regala nulla. Che sia nello sport, nel lavoro, nella musica o in generale in una passione, dobbiamo noi stessi darci da fare per emergere, perché se non scendiamo in campo, nessuno lo farà per noi, appunto, nessun sacrificio, nessuna vittoria.

Quale credi sia la caratteristica della tua città più viva nei tuoi progetti, in particolare in “AMMORE MALAMENTE”?

La mia città mi aiuta tantissimo, quando passeggio per i quartieri incontro persone che mi conoscono, che mi vogliono bene. Per me è un piacere che i ragazzi mi fermino, anche per qualche foto, ma soprattutto, vedendomi quotidianamente, i ragazzi mi vedono come un punto di riferimento e spesso chiacchieriamo, sono uno di loro. Tutto questo è molto stimolante per la mia musica, credo che, se si è un artista, frequentare solo alcuni ambienti faccia perdere molti stimoli.

Sappiamo che all’interno del progetto ci sono diverse collaborazioni, Clementino, Ensi, Dani Faiv, LDA, MAMBOLOSCO, Mv Killa, Svm e Yung Snapp. Ti va di raccontarci cosa vi ha legato particolarmente durante la creazione di queste tracce?

Ci sono diversi feat nell’album, appunto Svm per “TAGG’ PURTAT’ A VERE ‘E STELLE”, Dani Faiv, Yung Snapp e Mv Killa in “BLOW REMIX”, Mambolosco per un bel pezzo trap, LDA per “BASTA”, e un’altra collaborazione, a cui a livello affettivo sono davvero molto legato, ovvero quella con Ensi e Clementino in “N.W.A”, un pezzo rap. Da bambino ero appassionatissimo di freestyle, ed Ensi e Clementino erano i miei preferiti. Infatti, conosco i video delle loro battle di freestyle a memoria! Aver fatto una canzone con loro era il mio sogno di quando ero bambino, penso valga più di ogni altra cosa.

L'articolo PEPPE SOKS ci racconta “AMMORE MALAMENTE”: “In questo progetto si sono incontrate tutte le mie sfumature artistiche” proviene da Honiro.it.

Musica e moda sono da sempre lo specchio della società di cui sono figli, ma anche i mezzi più potenti per comunicare al mondo il proprio sentire, connettendoci e collegandoci a chi è disposto ad ascoltare ed osservare oltre le apparenze. É da questo presupposto che Cilla, al secolo Priscilla Cattaneo ha scelto di dar vita a “Richard Mille” (Cosmophonix Artist Development/Altafonte Italia), avvalendosi della preziosa collaborazione di una delle firme più apprezzate della nuova scena italiana, Biondo.

Scritto in una prima fase dalla penna iconografica e sensibile dell’artista ticinese dopo una frenetica notte in discoteca e avvalorato dagli incastri incisivi e vibranti del rapper capitolino, “Richard Mille” di Cilla feat Biondo è una dichiarazione d’intenti contro la strumentalizzazione della figura femminile.

Chi meglio di Cilla poteva raccontarci questo brano? Noi di Honiro Journal l’abbiamo intervistata!

Cilla, questo nuovo singolo si intitola “Richard Mille”, come mai la scelta proprio di questo nome?
Il titolo fa ovviamente riferimento al noto brand di orologi. Questo è quindi un simbolo per rappresentare l’anima della società di oggi. È una metafora per raccontare le sfumature di un mondo che, molte volte ormai, affonda le sue radici nelle apparenze. Proprio questa è una dinamica che viviamo tutti i giorni all’interno dei social ad esempio, la maggior parte delle persone sfoggia la propria vita impeccabile, racconta la propria giornata perfetta o mette in primo piano l’estetica. In realtà, oltre la telecamera dello smartphone, si cela la vera vita di tutti noi, si nascondono tutti i retroscena. “Richard Mille” mi è sembrato quindi il titolo più adatto, ma soprattutto più fresco e originale per parlare di questo argomento così attuale.

A proposito di apparenza, di estetica, che consiglio daresti, anche grazie la tua esperienza, per andare oltre l’apparenza?
Quando conosciamo una persona, la prima cosa che notiamo di lei è inevitabilmente l’apparenza, quindi penso che saper andare oltre sia processo difficile. Personalmente, nella vita mi è capitato di immaginare o di convincermi a priori che qualcuno avesse un determinato carattere, una determinata personalità. Ma spesso, ragionando in questo modo, mi sono fatta un’idea di quella persona che, una volta conosciuta, mi sono resa conto non corrispondesse alla realtà.

Proprio per errore mio ho quindi imparato a non dare ascolto alla primissima impressione che la nostra mente si crea di qualcuno, ma piuttosto a voler conoscere le persone per quello che sono veramente e non per quello che, involontariamente, ci siamo convinti che siano. E soprattutto questo mi ha insegnato a dare una seconda possibilità a tutti, esattamente come spesso desideriamo che possa essere data a noi stessi. Credo anche che molte volte bisognerebbe saper andare oltre alle mode, oltre al modo prestabilito con cui siamo portati a pensare o agire.

Cilla, a proposito di “Richard Mille”, tu stessa racconti “ho voluto parlare di una tematica molto importante con assoluta leggerezza”. La leggerezza è qualcosa di cui abbiamo particolarmente bisogno in questo momento, una parola molto bella che però non va confusa con la superficialità. Cos’è per te la leggerezza e come possiamo nei periodi difficili riuscire a trovarla o a ritrovarla?
Per me leggerezza è sinonimo di prendere la vita con filosofia. Spesso accadono cose che non ci saremmo mai aspettati, avvenimenti imprevedibili. Purtroppo la nostra mente, spesso, ci porta a focalizzarci solo sul lato negativo delle situazioni, solo su ciò che non va come avevamo sperato andasse, solo sui problemi, proprio come se ormai fosse abituata alla sopravvivenza e fosse quindi spontaneo per lei sottolineare quotidianamente pericoli e aspetti negativi.

Bisogna combattere questo meccanismo perché, se guardiamo solo tutto ciò che non va, non riusciremo mai ad essere felici ma anche non usciremo più da quel vortice dettato dall’abitudine di notare solo gli aspetti negativi. Anche io, come tutti, ho e ho avuto i miei momenti no, metaforicamente le mie cadute, ma cerco grazie alle persone di cui ci si contorna, che sono preziose e fondamentali nella ricerca della leggerezza, di trovare sempre il lato positivo delle situazioni, perché in fondo, osservando bene, si può sempre scorgere.

Sappiamo che questo brano si ispira particolarmente alle sonorità degli anni ’80 e anche la cover richiama fortemente questo periodo, c’è un motivo particolare? Cosa ti affascina di quegli anni?
È un po’ di tempo ormai che sto seguendo questa strada, che ho intrapreso il viaggio in queste sonorità. Devo dire che avverto di sentirmi molto bene in questo particolare universo, poi, personalmente, sono molto legata agli anni ’70 e ’80 per vari motivi ma soprattutto perché sono l’annata dei miei genitori. Ho quindi sempre amato quegli anni, sempre avuto un valore affettivo verso questo periodo, la combinazione perfetta è stata accorgermi che mi ci trovo molto bene anche a livello musicale quindi mi ispirano molto. La passione per questo periodo infatti è innata, ha sempre caratterizzato la mia musica ma l’ho sviluppata in particolare negli ultimi 3 anni.

Sempre tu stessa racconti “Sono dell’idea che oltre l’aspetto fisico, in una donna ci sia molto di più, ma siamo ancora troppo sottovalutate”. Come mai secondo te c’è ancora questa resistenza nel considerare le donne qualcosa di più della sola estetica?
Soprattutto nell’ultimo periodo si fa molto riferimento ai diritti delle donne. Si parla molto di femminismo eppure, nel corso degli anni, si è fatto tanto e allo stesso tempo, paradossalmente, si è fatto ancora troppo poco. A parer mio si dovrebbero compiere ancora molti, moltissimi passi avanti. Soprattutto in contesti dove l’estetica viene ritenuta fondamentale, quindi dove l’apparenza della donna viene ancora ritenuta come imprescindibile.

Da sempre, ma soprattutto ultimamente, sembra esserci un ragionamento che porta ad approvare soprattutto le ragazze caratterizzate da una particolare bellezza ma anche voler trasformare chi non fa della propria estetica il proprio punto fondamentale, senza comprendere che c’è molto altro in una persona oltre l’apparenza, c’è anche una sostanza. Spesso sui social, in televisione, si vedono molte personalità che però sono una la copia dell’altra, perché ormai si cerca di cambiare le persone, per farle rientrare dentro uno stesso “standard”.

E come si trova il coraggio di non omologarsi o di non farsi omologare? Bisogna essere pronti a combattere molto. Più volte hanno tentato di cambiarmi ma ho sempre lottato perché questo non accadesse. Questo però, inevitabilmente, porta la strada a farsi più difficile e tortuosa. In ogni momento della vita, in ogni situazione, in ogni contesto, purtroppo essere noi stessi avrà un prezzo da pagare ma solo così poi arriveranno le soddisfazioni. Bisogna essere consapevoli di ciò che siamo ma soprattutto di chi siamo e di chi vogliamo essere e andare avanti con la nostra personalità. Penso infatti che ognuno di noi abbia una particolarità, un talento e anche un potere per svilupparlo e realizzarlo. Non è la persona che vuole cambiarci a rivoluzionarci veramente la vita, anzi, siamo noi stessi ad essere artefici della nostra rivoluzione.

“Richard Mille” è in collaborazione con una delle firme più apprezzate della nuova scena italiana. Cosa ha legato particolarmente te e Biondo nella realizzazione di questo singolo?
La collaborazione con Biondo è stata veramente molto spontanea. Avevo creato questo brano pensandolo proprio come un featuring e mi affascinava l’idea di avere al mio fianco una figura maschile che sapesse dare il giusto significato alla tematica ma che, allo stesso tempo, l’affrontasse con la leggerezza di cui parlavamo prima. Da subito Biondo mi è sembrata proprio la persona che stavo cercando per questo brano. La prima strofa che ha scritto è stata infatti poi la definitiva, mi sono subito entrate in testa quelle parole!

Cilla, affermi inoltre “Richard Mille per me rappresenta una liberazione dai pensieri e una notevole evoluzione come artista”. Cosa ti ha lasciato questo brano? In che aspetto di te avverti che ci sia stata maggiormente questa evoluzione? 
Prima di tutto, grazie a questo singolo, ho riscoperto me stessa perché mi ha liberato da tanti pensieri. Mi ha reso anche consapevole di chi voglio essere nella vita. Credo infatti che il processo di stesura e realizzazione di un brano nasconda molte sfumature impagabili e sia, probabilmente, anche più prezioso del brano stesso.

Questo singolo mi ha veramente lasciato molto. Ho conosciuto tante persone e ho imparato a conoscere aspetti di me stessa che prima non avevo mai notato. La creazione di questo pezzo ha dato vita non solo a questo progetto ma anche ad una vera e propria rinascita verso altri brani molto autentici, in cui la verità è la parola chiave.

A proposito di altri brani, Cilla dopo “Richard Mille”, cosa dobbiamo aspettarci dal futuro? Vuoi anticipare ai lettori di Honiro Journal i tuoi prossimi progetti o obiettivi musicali?
Sicuramente il futuro riserva molte novità! Ho dei brani già pronti per la pubblicazione che ritengo essere ancora più incisivi, ancora più sinceri ma soprattutto ancora più autentici. Sono una persona spontanea, a cui non piace avvalersi di particolari filtri quando si parla di un argomento. Ovviamente dipende dalla tipologia del singolo, ma mi piace affrontare il tema senza girarci troppo attorno.

L'articolo CILLA ci racconta “Richard Mille” il suo nuovo singolo feat BIONDO: “Gli artefici della nostra rivoluzione siamo noi” proviene da Honiro.it.

“CAPODANNO” è il nuovo singolo del rapper LUCHITOS, disponibile da venerdì 15 luglio su tutte le principali piattaforme digitali.

“Capodanno” è un brano dalla vena profondamente autentica, caratterizzato da una forte impronta elettronica che accompagna le rime dirette e intense di Luchitos. 

L’artista porta nei suoi testi spaccati di vita quotidiana raccontando con sincerità storie vissute in prima persona in un contesto sociale complesso. Le produzioni e il beat in cassa dritta, curati da Draw Ice, immergono l’ascoltatore in “Capodanno”, precisamente nell’immaginario di Luchitos, amalgamado perfettamente parole, suoni e ritmi.

Luchitos ha raccontato a noi di Honiro Journal il significato di questo suo nuovo brano e altre curiosità su “Capodanno”!

Luchitos, come mai la scelta del titolo è ricaduta proprio sulla parola “Capodanno”?
Generalmente la scelta del titolo è l’ultimo passo del processo creativo delle mie canzoni. Alcuni artisti partono prima dal concept del brano, dal nome del singolo e poi sviluppano tutto il resto, io invece faccio l’opposto. Scrivo il testo e poi, una volta che tutto è stato completato e rivisto, valuto assieme al mio produttore quale sarebbe il titolo che potrebbe rappresentare al meglio la veste della canzone. In questo caso è stato “Capodanno”.

“perché è dal niente che vengo, non me lo scordo” 
Quanto sono importanti le proprie origini? Che valore ha per te e nella tua musica il passato e come possiamo imparare dal nostro passato?Credo che le proprie origini siano fondamentali e siano anche ciò che, in un certo senso, sotto certi aspetti un po’ ci caratterizza. Nell’ultimo anno e mezzo mi è capitato di fare molte conoscenze, sia nel mondo musicale sia in generale. Proprio in questo periodo mi sono accorto che spesso, con qualcuno che ha vissuto un passato simile, ci si riconosce. Perché penso che, tra persone che provengono da realtà simili, ci siano delle esperienze e dei sentimenti che le accomunano. Questo però, non significa che chiunque provenga da un determinato quartiere o zona ne venga per forza influenzato, tante persone infatti fanno del loro passato la motivazione per diventare persone migliori, per realizzarsi.

“avevo niente ora c’è tutto” 
Quanto valore hanno i sacrifici che portano a realizzare i propri obiettivi, che portano a conquistare il “tutto”? 
Non penso di poter rispondere a pieno a questa domanda per il semplice fatto che credo mi attendano tanti altri sacrifici da dover compiere in questo percorso. Credo anche però, che magari da occhi esterni non si riescano a scorgere o a valorizzare tutti i sacrifici che ho già fatto, o le rinunce che qualsiasi artista compie per vivere della propria passione. Quelli che molte persone considerano sacrifici, a me non sono mai pesati. Non le ho mai etichettate come mancanze, perché erano rinunce che mi servivano per raggiungere ciò che amo fare. Rinunciare quindi a qualche occasione perché devo andare in studio o registrare un videoclip per me non è mai stato un sacrificio.

“forse questi soldi non fanno felice” 
Quali sono le piccole cose nelle quali quotidianamente potremmo trovare la nostra felicità?
Spesso si pensa che i soldi facciano la felicità, che il denaro risolva tutti i problemi del mondo. In realtà poi, quando si raggiunge una stabilità economica ci si accorge che quel tipo di pensiero era un’illusione, un qualcosa che non rispecchia a pieno la realtà.

Prima dell’uscita di questi ultimi tre singoli, molti miei brani erano incentrati sulla tematica dei soldi. Poi però ci si rende conto che esistono dei vuoti che i soldi non potranno mai colmare. Magari ci si può comprare ciò che si desidera, si può andare a cena fuori, acquistare la macchina dei propri sogni, ma ci sono delle situazioni, diverse ovviamente per ognuno di noi, che possono essere familiari, sentimentali o amicizie, che sono ferite che i soldi non possono e non potranno mai ricucire. Trovare la felicità quindi penso sia un processo molto più profondo.

Tu stesso racconti “È un periodo della mia vita in cui stanno cambiando tante. Situazioni, nonostante io abiti ancora nella stessa via e frequenti gli stessi posti”. Ti andrebbe di raccontarci qual è stato uno dei cambiamenti più significativi ultimamente riguardo il tuo percorso artistico?
Sicuramente il contratto di distribuzione che ho firmato a gennaio. Lo considero ovviamente un bel traguardo. Quando si è piccoli, ma anche quando si cresce in realtà, si aspira a poter vivere grazie a quella che è la propria passione.

Come molti altri ragazzini io ero partito con l’idea di voler fare il calciatore perché quel mestiere è l’emblema di come, realizzandosi nella vita, si possa passare i giorni facendo ciò che piace. Automaticamente però, firmando un contratto, ci si rende conto di quanto, sacrificio dopo sacrificio, quella che era una passione diventa sempre più reale, si inizia ad interiorizzarlo come un lavoro. Penso che questo periodo sia caratterizzato da una situazione di staticità dalla quale, apparentemente, non ci si riesce a liberare. Osservo i ragazzi più piccoli e noto come non abbiano un progetto per il futuro, un obiettivo, una passione.

Che consiglio daresti a questi ragazzi per ritrovare o trovare la propria passione?
Questa è una gran bella domanda e, ad essere sincero, quasi non saprei. Però credo di non saperlo proprio perché, alla fine, le passioni più grandi sono quelle che nascono in modo spontaneo, senza essere strutturate o senza particolari decisioni alle spalle. Quando si è piccoli, ad esempio, si inizia a praticare uno sport perché lo scelgono i nostri genitori, poi, molto probabilmente, seguiamo spontaneamente quella loro passione e ci appassioniamo anche noi.

Ultimamente però, verso i 14 anni, molti ragazzi diventano ultra social. Su queste piattaforme tante delle persone che seguono, a cui si ispirano, sono artisti, calciatori, o più in generale figure che sfoggiano una vita lussuosa. Il rischio del giorno d’oggi è infatti voler intraprendere una strada o una carriera non perché ne si sia veramente appassionati, ma perché questa potrebbe portare a quel genere di vita. Credo che la propria passione vera infatti, sia ciò che noi, anche senza accorgercene, siamo naturalmente portati a fare.

Se dovessi raccontare di come mi sia legato io con la musica partirebbe tutto da tanti anni fa. Precisamente da quando nel 2011, ai tempi delle scuole medie, facevo freestyle. Poi verso il 2017 mi sono accorto che dei ragazzi che conoscevo pubblicavano la loro musica su YouTube, così ho iniziato a registrare anche io e inconsapevolmente questo è stato uno dei primi passi per portare avanti quella che all’epoca non sapevo ancora sarebbe stata la mia passione più grande. Credo infatti che ognuno abbia, o comunque troverà prima o poi, il proprio hobby. Quando lo si trova bisogna iniziare a credere che si possa trasformare questa attività in un lavoro, portare quindi la tua passione ad essere la tua radice di vita.

Se penso a quando scrivevo i miei testi sulle note del telefono o registravo le prime barre sul cellulare, mi rendo conto che era iniziato tutto in modo così spontaneo che poi si è evoluto in modo altrettanto spontaneo negli anni dopo, nel futuro.

A proposito di futuro, “sarò felice un giorno, l’ho promesso”. Qual è la promessa per il futuro che vorresti fare a te stesso? Vuoi anticiparci quali saranno i tuoi obiettivi musicali prossimamente? 
Penso che sicuramente una soddisfazione e anche una realizzazione personale, come ho già detto, sia quella di poter vivere e far vivere bene le persone che mi circondano grazie alla mia passione. Io ho questa ambizione.

L'articolo LUCHITOS ci racconta il suo nuovo singolo “CAPODANNO” proviene da Honiro.it.

Il nuovo progetto di Guido Cagiva “MITO” (Asian Fake/Sony Music Italy) è un album generazionale, fuori ovunque da venerdì 10 giugno.

Un racconto, di sogni possibili e altri impossibili, di ingiustizie sociali e rivalsa collettiva, con riferimenti specifici e fotografie della realtà che lo circonda. L’artista ha infatti la capacità di fare sue le immagini che ha ben salde nella mente e raccontarle legandole in maniera indissolubile alla sua musica. Creando così un intreccio di melodie e armonie che abbracciano l’ascoltatore.

All’interno di “MITO” di Guido Cagiva troviamo le collaborazioni con INOKI e NERONE. Entrambi i rapper infatti, sin da subito hanno manifestato la loro stima nei confronti di Guido credendo e supportando il suo progetto.

Guido Cagiva ha raccontato a noi di Honiro Journal questo suo nuovo album “MITO”!

Questo progetto si intitola “MITO”, come mai la scelta proprio di questo nome? Cos’è un mito per te?
La scelta del nome, come spesso accade nella realizzazione dei miei progetti, è stata cronologicamente l’ultima decisione presa. “Mito” è un album in cui parlo della mia generazione e della mia adolescenza, questo titolo vuole quindi essere una rappresentazione, una metafora, per raccontare i miti che avevamo da piccoli, dal mito dei calciatori a quello di qualsiasi altro personaggio che ci ha particolarmente ispirato nella nostra infanzia.

Importante all’interno del disco è anche, ad esempio, il mito del nostro amico più grande, il racconto di quella persona che ci ha lasciato tanto, che ci ha insegnato a vivere, che ci ha fatto compiere i primi sbagli e ci ha mostrato come non commetterli più. Con la parola “Mito” quindi, si intende qualcuno che ci ha fatto crescere, qualcuno che è stato, fisicamente o non, parte integrante della nostra vita, la figura alla quale ci siamo ispirati per diventare ciò che siamo adesso.

Guido Cagiva, all’interno di “MITO” troviamo le collaborazioni con Inoki e Nerone, cosa vi ha legato particolarmente nella realizzazione di questi brani?
Senza dubbio, ci ha unito molto il rap. Entrambe infatti sono tracce molto rap e molto hip hop, e considero loro due veri e propri re della scena. Con Inoki ci siamo incontrati più volte, sia in studio sia a vari eventi, e con il tempo si è instaurata tra noi una stima artistica reciproca. Ci eravamo quindi ripromessi di lavorare assieme ad una traccia e per me è stata una felicità indescrivibile, oltre all’aver legato con lui come persona, anche aver avuto una sua strofa all’interno di questo mio progetto.

Nella serata in cui ho aperto il live di Inoki inoltre, Nerone era nel backstage. Così ci siamo presentati, ci siamo rincontrati casualmente tempo dopo, quando io stavo per chiudere il disco e ho pensato che lui potesse essere la persona perfetta per una strofa all’interno dell’album.

“la zona di casa è casa per me”
Questo progetto è un album generazionale che vuole parlare proprio a chi lotta ogni giorno per rendere i propri desideri realtà, cosa significa per te sentirti a casa e quanto è importante casa per realizzare i propri sogni?
Questa tematica è per me è un concetto molto importante e soprattutto piuttosto ampio. Credo che tutti dovrebbero avere la speranza di poter fare quello che vogliono fare nella vita anche a casa loro, anche nel posto dove sono nati, cresciuti e al quale, inevitabilmente, si è affezionati. Molti ragazzi invece, al giorno d’oggi, sono costretti a trasferirsi e realizzare i propri sogni in altre parti del mondo, dove le possibilità sono maggiori.

Questo pezzo infatti racconta una “giornata tipo” a casa mia. Un giorno d’agosto nel quale ci si diverte come ci si divertiva quando eravamo piccoli, spensierati, con il sorriso sempre in volto, un sorriso che sarebbe ancora più acceso se ci fosse la possibilità di realizzare i propri sogni nel posto in cui si è nati.

“e ci siamo accontentati solo di avere un cuore”
Quanto è importante oggi giorno avere passione? Al giorno d’oggi avere un cuore significa aver raggiunto un traguardo?
Credo che il segreto sia nella ricerca di se stessi, che è importante quanto cercare costantemente le persone giuste da avere al nostro fianco nella vita. Nel brano racconto di tutta quella gente a cui, nonostante ciò che ha dovuto passare e superare nella vita, un cuore è rimasto. Con l’immagine del cuore voglio intendere anche, moralmente, un obbiettivo raggiunto o da raggiungere.

Spesso infatti, anche se non hai attualmente nulla in mano o non si ha ancora concretizzato quello che vorremmo diventasse realtà, si continuare a sperare di, un giorno, raggiungere quell’obiettivo. In un mondo che spesso, ormai, pensa solo e soltanto in modo razionale è difficile riuscire a trovare persone che hanno il coraggio di vivere un po’ di più con il cuore.

“ma poi eravamo già grandi
se si cresce solo con gli sbagli”
Come possiamo affrontare gli sbagli in modo non del tutto negativo, pensando che proprio questi ci porteranno a crescere? Secondo te ormai ci si approccia in modo sbagliato agli sbagli?
Penso che a livello di società ci si approcci in maniera sbagliata agli sbagli. Spesso infatti non si comprende che molte persone intraprendono quella che per molti può essere “la strada sbagliata” solo perché non si hanno altre possibilità, solo perché quella scelta è dovuta e non si potrebbe fare altrimenti.

Gli sbagli sono qualcosa di comune a tutti, essendo questo un album che racconta la mia adolescenza e si focalizza anche sul racconto dei miei primi errori, volevo puntare il riflettore anche sulla tematica di come, mentre li si sta commettendo, spesso non ci si accorge di star sbagliando. La consapevolezza di aver sbagliato, di essere diventato grande e di essere cresciuto arriva solo dopo l’errore, e spesso grazie all’aver commesso degli sbagli.

“Oggi la gioia è rara ed il dolore di casa
ma sappiamo che chi cade prima o poi si rialza”
Come potremmo invertire questa situazione? Fare in modo che la felicità diventi più di casa rispetto al dolore?
Quando eravamo più piccoli la gioia era di casa, ma era una felicità che comunque, in un certo senso, cresceva in mezzo a delle sofferenze, sofferenze di cui, però, da piccoli ancora non ci rendevamo conto.

Quando si cresce invece, spesso si è immersi nelle problematiche del mondo degli adulti dove è difficile gioire come si gioiva a sedici anni. Considero infatti questa età come il periodo delle prime volte. Come il momento in cui si assapora la felicità pura, quella che deriva dallo scoprire cose nuove, dall’essere affascinati da tutto. Attualmente invece si considerano scontate molte cose e ci si concentra sui problemi reali, le bollette, il lavoro, la casa, non c’è più la spensieratezza di una volta perché abbiamo perso la capacità di essere sorpresi dalle cose belle del mondo.

“ed io ancora che mi chiedo chi sono”
L’importanza di avere una propria identità e di trovare una propria identità, come si fa a capire chi siamo nella vita? Ti va di raccontarci qual è stato il percorso che ti ha portato a scoprire la tua identità?
Ad un certo punto della mia vita ho iniziato a pormi molte domande su me stesso. Sapere e riuscire a capire chi sei non è mai facile. La ritengo una ricerca costante. Questo è uno dei motivi per il quale nelle mie tracce, ad esempio, è spesso presente il tema del dubbio, dell’ignoto, dell’imparare sempre dalle situazioni nuove, del capire come rialzarsi dopo essere inciampati.

Personalmente, per scoprire la mia identità, mi ha aiutato molto la solitudine. Penso che si debba infatti cercare di conoscere se stessi prima di poter imparare a conoscere anche tutte le persone che ci circondano. Capire la vera identità di chi ci sta a fianco è poi un’altra bella sfida!

Guido Cagiva, “MITO”, come abbiamo detto prima, è la storia di un ragazzo e dei suoi sogni. Partendo dai desideri che voleva realizzare da piccolo a poi quelli adolescenziali. Ti andrebbe di anticiparci quali sono i tuoi sogni per il futuro, i tuoi obiettivi in campo musicale?
Sicuramente il primo obiettivo è quello di continuare a fare musica senza fermarmi. Avere tutto il tempo per studiare musica e mi piacerebbe anche compiere dei passi avanti e approfondire quello che è il mondo della produzione.

Ho molti progetti in testa, il primo di questi è appunto riuscire ad assaporare al cento per cento la mia passione. Ho imparato con il tempo che i sogni impossibili non sono impossibili, semplicemente sono realizzabili passo passo. Cerco quindi di non proiettarmi troppo nel futuro, pensando che le aspettative alte vanno bene, ma assieme alla consapevolezza che si raggiungono con il tempo.

L'articolo Guido Cagiva ci racconta il suo album “MITO”: “Grazie alla solitudine ho trovato la mia identità” proviene da Honiro.it.

FLOW DE D10S è il nuovo album del rapper SACE, disponibile su tutte le principali piattaforme digitali da venerdì 20 maggio. 

FLOW DE D10S di SACE, ideato da Diemond ed in parte co-prodotto da MDM, è composto da 10 tracce  dalla durata di 1 minuto, un breve ma intenso viaggio tra suoni street e rap. Ancora una volta, in FLOW DE D10S SACE, utilizza la musica come puro sfogo artistico e creativo dimostrando un’ulteriore sfaccettatura del suo particolare stile optando per delle vere e proprie  “short tracks”, unendo urban ed elettronica con sonorità ricercate e rime dirette e decise.

Chi meglio di Sace poteva raccontarci “FLOW DE D10S“? Noi di Honiro Journal lo abbiamo intervistato! 

FLOW DE D10S è composto da 10 tracce dalla durata di 1 minuto, una decisione che rende il  progetto unico. Come mai questa scelta stilistica? 
Inizialmente la scelta è stata molto naturale. Tempo fa infatti ho preparato dei freestyle che, una volta pubblicati su instragram, hanno riscontrato un buon feedback. Con Diemond, il produttore che mi segue, abbiamo quindi deciso di sviluppare un intero progetto in questo modo. Questa struttura così particolare vuole essere una critica ad un mercato dove ormai c’è spesso solo musica istantanea, fulminea, brani dove metà degli ascoltatori nemmeno arrivano alla seconda strofa, dall’altro c’era in me l’intento di creare una sorta di loop, in molti infatti mi scrivono che finita una traccia subito la riascoltano.  

Questa scelta stilistica vuole sottolineare soprattutto come gli artisti ormai non dipendano più dalla loro ispirazione ma dalle logiche di mercato, che impongono di rispettare sempre più canoni. Facendo musica da tanti anni personalmente ero abituato a ritmi completamente diversi. Questo album vuole quindi essere una giostra tra quello che era il passato e ciò che invece stiamo musicalmente vivendo ora.  

Hai usato un’espressione particolarmente vera, oggi spesso le cose sono istantanee, momentanee. Tu invece cosa vuoi che rimanga a chi ascolta la tua musica?
Vorrei che il disco per l’ascoltatore fosse un play infinito, un loop appunto. Questo progetto nasce dalla voglia di portare un live diverso. In soli dieci minuti c’è la possibilità di ascoltare dieci tracce differenti tra loro, è quindi un ventaglio di sfumature improntato sulla versatilità.

Il tuo nuovo progetto musicale si ispira alla figura di Diego Armando Maradona, a partire dal titolo, ma anche nell’uso frequente del numero 10. Cosa ti ha ispirato così tanto di questa  figura? Come mai ci sei particolarmente legato? 
Maradona è una figura che mi accompagna fin da bambino, quando ero piccolo, un po’ come tutti, avevo il sogno di giocare a calcio. Ciò che mi ha da sempre ispirato e affascinato particolarmente di lui è stato il suo modo di stare in campo. Ho sempre ritenuto che fosse, allo stesso tempo, genio e  sregolatezza. Nel disco, in ogni traccia, c’è sempre una diversità, metriche differenti. Metaforicamente è come se fossi in campo a giocare la mia partita e mi destreggiassi tra le barre. Proprio dall’essere ispirato dalla sua figura nasce poi l’idea di articolare la tracklist in dieci tracce da  un minuto.  

“Nessuno dice quello che pensa” 
La sincerità secondo te è un valore che ultimamente si è perso o si sta perdendo? Come mai  secondo te siamo arrivati al punto in cui nessuno dice ciò che pensa? è invece la musica un tuo modo per esprimere ciò che pensi veramente? 
A livello personale credo che dire tutto ciò che si pensa sia rischioso. Ci si può ritrovare spesso contro tutti e a volte addirittura a dover affrontare battaglie contro noi stessi. Si è sempre pensato che, alla fine, sia meglio dire ciò che mette tutti d’accordo, per non rimanere esclusi o non sentirsi diversi. Questo è un ragionamento che onestamente non ho mai condiviso, ho spesso preferito essere sincero e accettare quello che, talvolta, è il prezzo da pagare.

La musica per me rappresenta una valvola di sfogo. Con questa passione quindi colgo l’occasione per far trasparire quelli che sono  i miei veri pensieri, anche se magari poi nella vita di tutti i giorni sono una persona più tranquilla e  più pacata.  

“Giovani senza futuro vivono in un film” 
Come ti immagini un tuo futuro? Per i giovani al giorno d’oggi, con l’incertezza di questo  periodo, c’è difficoltà a vivere il proprio futuro. Come possiamo invece tornare a sognare un  domani? 
Ho scritto questa frase perché spesso mi rendo conto di essere circondato da una gioventù che si  idealizza in personaggi che non esistono, ma soprattutto che basa il suo intero futuro su questo. Credo che uscire da un loop di monotonia sia difficile, soprattutto se non si ha una passione, un impiego, o qualcuno che ti spinga a fare qualcosa di costruttivo per il tuo futuro.

Quando ero piccolo, ricordo benissimo che in classe ognuno di noi sognava di fare o diventare moltissime cose nella vita, si pensava anche ai mestieri più originali o più assurdi. Adesso invece, spesso, i ragazzi impiegano il loro tempo in nulla e, rispetto questo fatto, non hanno aiutato tante cose che sono  andate in voga ultimamente, a partire da alcuni concetti veicolati da serie tv e film. Se dall’esterno non arriva la spinta per ricominciare dobbiamo cercarla dentro di noi, dobbiamo ritrovare la capacità di sognare. “ME”, ovvero mio progetto artistico precedente, era dedicato interamente ai giovani e voleva spronarli a sfruttare al meglio le loro potenzialità, che sono tante. Quando ascolto alcuni discorsi in cui si dice “che il mondo è lasciato a generazioni inconcludenti come la nostra” non sono per niente d’accordo, bisognerebbe infatti comprendere che spesso e volentieri noi giovani non siamo nella condizione di fare qualcosa.  

Come è quando ti sei appassionato a questo genere stilistico? Da cosa è nata la passione per la  musica? 
Inizialmente suonavo la batteria, sono cresciuto in un contesto familiare dove l’arte è fondamentale quindi era inevitabile il mio coinvolgimento. Dopo 10 anni ho lasciato la batteria per iniziare a suonare il pianoforte. Il mondo dell’hip hop l’ho scoperto grazie alla passione per i graffiti, da lì è  subentrato il rap e da ascoltatore ho iniziato a scrivere le prime strofe per esprimere il mio vissuto personale. Ho cominciato un po’ per sfida e un po’ per raccontarmi, dopo poco ho compreso che scrivere mi faceva sentire davvero bene e quindi ho capito che dovevo continuare.  

“Per far apparire tutto quello che in realtà non è”, quanto è importante invece per te apparire proprio per quello che si è, quanto è importante essere autentici? 
Essere autentici è l’unica cosa che permette di differenziarsi dal resto del mondo musicale quando il  mercato va in una sola direzione. E, a mio parere, non c’è cosa più sbagliata che imitare sempre e solo qualcun altro. Quando non si trova un sound personale, esclusivo, bisogna imparare ad essere  noi stessi anche nei vari sound.

Spesso ricevo messaggi in cui chi mi segue afferma che io abbia una coerenza nella scrittura, nonostante io scriva su vari stili, e questo credo sia molto importante anche  per chi muove i primi passi nel mondo della musica. Trovare la propria strada è questione di tempo. Anche qui ci sarebbe un parallelismo con i graffiti: all’inizio il proprio stile non è riconoscibile, ma  più passa il tempo, più ci si applica e più emerge la propria, vera, personalità.  

C’è qualcosa che vorresti che i lettori di Honiro Journal sapessero di questo tuo nuovo  progetto o della tua musica? 
Consiglierei di ascoltare inizialmente il progetto nella tracklist in cui è stato creato. Dopo averlo assimilato in quest’ordine però, direi anche di incastrare le tracce come meglio si preferisce. Questo album è stato pensato per essere esattamente come un puzzle, ognuno può assemblarlo a suo piacimento in modo da, dopo averlo ascoltato e vissuto, renderlo proprio!

L'articolo SACE ci racconta il suo nuovo album ispirato a Maradona: “Dobbiamo ritrovare la capacità di sognare” proviene da Honiro.it.

E’ disponibile dal 6 maggio, in radio e in digitale, “Come la prima volta” il nuovo singolo di Aka 7even prodotto dallo stesso artista insieme a Max Kleinz (Cosmophonix).

Le giornate si allungano, le strade si riempiono di profumi e le serate si fanno più calde. “Come la prima volta” di Aka 7even ci trascina in quel mood leggero tra la fine della primavera e l’inizio dell’estate, fino a vedere finalmente l’alba che sta tornando, come se fosse la prima volta. 

Chi meglio di Max Kleinz poteva raccontarci la produzione di questo nuovo singolo? Noi di Honiro Journal lo abbiamo intervistato!

“Come La Prima Volta” è stato prodotto da te e Aka 7even, colpiscono particolarmente le parole che pochi giorni fa hai scritto sul tuo profilo instagram:

“Siamo in un viaggio senza fermata, verso i nostri sogni. Mi ricordo tutto, brother… Fin dall’inizio, il nostro destino era soltanto uno. Lá musique bro, lá musique! Una voce dentro l’anima mi ha chiamato ancora una volta… tra sogni e realtà , viaggeremo insieme.”

Qual è il punto di forza della vostra collaborazione? Cosa vi lega così tanto?

Per rispondere a questa domanda dobbiamo tornare un po’ indietro nel tempo. Io e Aka abbiamo storie decisamente simili. In Brasile ho avuto una band conosciuta nazionalmente, nel 2010 abbiamo fatto più di 270 shows per tutto il Brasile. Come Aka, abbiamo vinto certificazioni ed eravamo praticamente ogni sabato in onda sui canali TV nazionali. Purtroppo la band nel periodo di maggior successo si è sciolta, il cantante ha deciso di fare la sua carriera da solista (un classico) ed io sono tornato a dedicarmi al 100% al mondo della produzione. Essendo stato quindi anche io artista so cosa vuol dire venire dal nulla.

Ho suonato per 13 anni nell’underground rock punk di San Paolo prima di raggiungere il successo in una scena indipendente che all’epoca sfornava in continuazione nuovi talenti e ogni volta ti ripetevi “il prossimo devo essere io…”. Dunque conosco il sapore agrodolce della gavetta, gli alti e i bassi che una carriera da artista comporta e il grande senso di equilibrio che occorre per rimanere sempre lucido. In questo, con Aka, siamo molto simili, anche lui si è dovuto costruire dal nulla. Abbiamo iniziato a lavorare che aveva 16 anni ed era reduce dalla delusione di X Factor, prima di “Amici” ha dovuto prendere un’infinità di porte chiuse in faccia… Mi rispecchio molto in Aka e cerco di condividere con lui la mia esperienza per aiutarlo a non perdersi e lavorare con il giusto focus… perché con il talento che ha può volare altissimo.

Sono davvero orgoglioso di vedere i passi da giganti che ha fatto e che continua a fare, viaggeremo di sicuro insieme e, al di là di certificazioni, numeri, successi o delusioni, ci divertiremo a produrre e scrivere canzoni per le persone.

“Tra i sogni e la realtà”, ormai si tende a dare spazio più alla realtà, lasciando scomparire un po’ i sogni. Quanto è importante invece la capacità di sognare? Che consiglio daresti ai ragazzi di oggi per inseguire i propri sogni?

Non esiste in realtà una cosa che non possiamo fare. Se dentro abbiamo i nostri valori e le nostre convinzioni, l’unica cosa di cui hai bisogno per partire è soltanto noi stessi. Di sicuro dovremo fare le cose in una determinata maniera: la precisione, la passione, dedizione e un pizzico di pazzia per osare per andare oltre e fare quello che nessuno osa fare e tracciare nuovi percorsi.

I sogni, se non li coltiviamo, purtroppo muoiono sfumati nel tempo. La realtà vuol dire costanza, resilienza, un mattone alla volta. Passi piccoli, ma pesanti. Trovate soluzioni e non scuse e sarete in grado di raggiungere qualsiasi traguardo, ve lo dice uno già vecchio di guerra che, nonostante i suoi 34 anni, ne ha viste davvero di cotte e di crude!

Sempre sul tuo profilo Instagram racconti “Condividere emozioni ci avvicina”. Nella vita frenetica del giorno d’oggi, purtroppo, spesso le emozioni vengono lasciate in secondo piano. Quale emozione vorresti trasmettere al pubblico con questa produzione? “Ci siete anche voi e non esiste cosa più bella al mondo che condividere arte e musica.” E che emozione invece provi a sapere che la tua musica accompagna la vita e la quotidianità di così tante persone?

Penso che tutto parta dall’intenzione che ci metti quando fai le cose. In particolare penso che se l’intenzione parte da un messaggio positivo alla lunga paga sempre. Stiamo vivendo un momento di crisi intergenerazionale, dai più piccoli a quelli più grandi. In questi tempi, tutti viviamo e avvertiamo la pesantezza del mondo… questo grigio perenne a volte stanca e ci sarebbe bisogno di leggerezza, di colori… “Come la prima volta” è questo, sono spaccati di vita che rappresentano un po’ il senso comune delle prime volte. E’ uscire un po’ dalle “Pa Pa Pare” paranoie quotidiane e ricordare il sapore della magie delle nostre prime volte.

Parlare della musica è, e sarà sempre, il mio punto debole. Se potessi, in solo due minuti di canzone, regalare alle persone le emozioni che la musica mi regala ogni giorno avrei compiuto la mia missione. Entrare nella vita delle persone, dentro la loro casa, è un onore ma anche una responsabilità, è cercare dentro di te le cose più belle che riesci a concepire e regalarle al mondo. Tutto ciò mi fa stare sereno, mi sento capito e in pace.

“Il dono della creazione, che tutti abbiamo, è forse il momento dove mi sento più in sintonia con l’universo e l’energia che mi circonda.” La creatività è uno dei tasselli fondamentali per caratterizzare l’unicità di una persona. In un presente dove molte cose, comportamenti o idee sono diventati ormai standard, la creatività può rappresentare anche una forma di ribellione ad un mondo che prova ad omologarci?

Meravigliosa domanda. Sono pienamente d’accordo con il discorso dello standard ma, in fin dei conti, questo succede da sempre. La creatività è uno dei doni umani più spettacolari (basta vedere le cose magnifiche che l’uomo è riuscito a creare, ad esempio la Cappella Sistina etc). Questa dote però, deve convivere da sempre con meccanismi intrinseci della società, come ad esempio il giudizio altrui, l’acida risposta dell’ego a qualsiasi critica o giudizio, la paura di fare brutta figura e del fallimento. Questi non sono altro che un insieme di blocchi mentali che fin da piccoli la società ci mette in testa, per via della paura della diversità e l’obbligo di soddisfare le aspettative altrui, tralasciando però le proprie.

Queste dinamiche che impiantano nella nostra testa sono degli ordigni pronti ad esplodere e soffocare anche le più piccole espressioni artistiche. Proprio questa cosa porta i giovani a richiudersi nel loro mondo. Un universo dove magari, internamente, sono anche tanto creativi, ma incapaci di aprirsi e condividere l’arte con il mondo. Questa cosa porta a seguire il pensiero del gregge perché se tutti pensano o si vestono in certo modo, allora quel modo è ritenuto quello giusto. Proprio in queste situazioni, se si ha il coraggio di ascoltare e nutrire la propria creatività, questa può diventare un elemento di rottura. Un elemento in cui la gente può rispecchiarsi e connettere i propri sogni e aspirazioni.

Max Kleinz, sappiamo che “Come la prima volta” prodotto da te e Aka 7even, è caratterizzato da un sound d’oltreoceano, ce ne vuoi parlare? Ci vuoi raccontare da dove è partita l’ispirazione?

Aka è partito con il giro del synth e una topline di voce. Questa entrava in testa fin dall’inizio. Nel gergo io le definisco “mind breaker” ovvero melodie che a livello di composizione e di estetica colpiscono subito. Da quello siamo poi passati ad ascoltare un po’ di musica, principalmente new wave e synth wave. Da lì è nata l’idea di dare al pezzo un’estetica modern retro, con influenze degli anni 80 e 00 (come ad esempio la scelta di usare una drum machine come la Yamaha RX 11 del 1984 che ha segnato una generazione nel passato).

Il groove del ritornello proviene dal punk. Chiunque abbia mai ascoltato le band di post hardcore/punk o anche soltanto Blink o Green day, capisce subito le influenze originali. Alla fine ho aggiunto un po’ di elementi dell’urban pop moderno che fanno la differenza, come ad esempio buildups, effetti di eq e filtri automatizzati per svecchiare il sound e dargli appunto quel respiro d’oltreoceano.

C’è qualcosa che vorresti far sapere o raccontare liberamente ai lettori di Honiro Journal?

Ai lettori di Honiro direi di inseguire i propri sogni e vorrei ringraziarli, perché ogni qualvolta si parla di musica e di arte si contribuisce a mantenere viva la scena, gli artisti e tutto il settore. In poche parole, si dà un vero e proprio senso al fare musica. Ogni qualvolta leggete di musica, comprate un biglietto per un live o comprate i dischi dei vostri cantanti preferiti state alimentando sogni e arte.

Mi auguro di tornare il più presto alla normalità, tra guerre e pandemie, poiché, come la storia insegna, proprio dopo questi periodi difficili nascono i concerti più belli di tutti i tempi, quei concerti che ispirano generazioni intere.

L'articolo Max Kleinz ci racconta la produzione di “Come la prima volta” il nuovo singolo di Aka 7even proviene da Honiro.it.

Dopo l’uscita del nuovo singolo “BANDANA”, che ha fatto impazzire tutti i suoi fan già dal primo ascolto, è uscito venerdì 13 maggio, “LDA” (Columbia Records Italy/Sony Music Italy), il primo omonimo album dell’artista, disponibile in fisico e digitale. 

Sin dalle prime esibizioni all’interno della scuola di Amici, LDA ha riscosso un grandissimo successo, collezionando da subito milioni di streaming già con il primo inedito “Quello che fa male” (prod. D Whale), certificato in breve tempo oro e poi platino, ed entrato nella Top 50 Italia di Spotify. 

LDA ha raccontato a noi di Honiro Journal delle curiosità su questo suo primo progetto discografico e sulla sua esperienza ad “Amici21”!

LDA, uno dei tuoi brani contenuto in questo album si intitola “Scusa”, questa è una parola molto significativa, soprattutto al giorno d’oggi quando sono poche le persone che riescono a chiedere scusa. Quanto è importante invece saper chiedere scusa e come ci si può riuscire? 
A parer mio, chiedere scusa non è importante, ma fondamentale. Quando una persona si rende conto di aver sbagliato deve sentirsi in dovere di chiedere scusa, questo significa far capire all’altra persona di aver compreso che si ha commesso un errore e di essere dispiaciuti per questo. Alla fine siamo tutti esseri umani, è normale sbagliare, sbagliamo tutti. Non siamo esseri perfetti, e menomale! Chiedere scusa è più semplice di ciò che pensiamo, non so perché alcune persone non ci riescano, a me, onestamente, viene spontaneo. Sono una persona che spesso chiede scusa e che spesso perdona. Non ci vedo assolutamente niente di male, anzi!

“Che nel buio sai si vedono le stelle”
Ovviamente il percorso di “Amici” è stato caratterizzato da una serie di bellissimi momenti ma, come in tutte le esperienze, immagino non saranno mancati i momenti no, i momenti di buio. Come si può nei momenti di buio riuscire a trovare un lato positivo, riuscire a trovare le stelle?
Mi fa molto piacere che tu abbia citato proprio una frase di “Resta” perché è la prima canzone che ho realizzato come LDA. Penso che questo dipenda molto dalla persona che sei, io sono quel tipo di persona che nella vita vede sempre il bicchiere mezzo pieno. Quindi, inevitabilmente, nel buio riesco sempre a vedere le stelle, perché sono cosi di carattere. Ovviamente possono capitare le giornate negative, dove tutto sembra andare male, ma sono convinto che anche in questi momenti, se osserviamo bene, riusciamo a scorgere qualcosa di positivo.

Anche durante l’esperienza ad “Amici21” ci sono stati degli alti e dei bassi, soprattutto perché in quel contesto le emozioni sono amplificate moltissimo. Io, ad esempio, non ero una persona che piangeva così tanto, ad amici invece è successo spesso. I miei momenti “no” all’interno della scuola erano dati principalmente dalla nostalgia che avvertivo nei confronti dei miei fratelli, i miei genitori, i miei amici, la mia città. Se ti lasci trasportare dalla nostalgia quando sei lì, all’interno del programma, è poi molto difficile riprendersi. Nell’ultimo periodo anche io, ad esempio, ero ormai proiettato a quello che poi sarebbe successo fuori.

Di seguito la tracklist completa del primo album di LDA che vede anche la collaborazione di alcuni importanti producer, come ZEF, Michele Canova e D. Whale:

1. “Quello che fa male” 
2. “Bandana” 
3. “SAI” 
4. “Io volevo solo te” 
5. “Scusa” 
6. “Vivimi”
7. “RESTA” 

Per regalare ai fan un momento speciale in occasione dell’uscita del suo progetto discografico, LDA ha annunciato anche 9 appuntamenti instore, durante i quali firmerà le copie del suo disco per ringraziare chi lo ha sostenuto negli scorsi mesi e continua a farlo:

13 MAGGIO – ROMA – DISCOTECA LAZIALE (ORE 17.00)
14 MAGGIO – VALMONTONE (RM) – VALMONTONE OUTLET (ORE 16.30)
15 MAGGIO – NAPOLI – FELTRINELLI STAZIONE GARIBALDI (ORE 17.00)
16 MAGGIO – PONTECAGNANO FAIANO (SA) – CC MAXIMALL (ORE17.30)
17 MAGGIO – AFRAGOLA (NA) – CC LE PORTE DI NAPOLI (ORE 18.00)
18 MAGGIO – BARI – CC MONGOLFIERA SANTA CATERINA (ORE 17.00)
20 MAGGIO – MELILLI (SR) – PARCO COMMERCIALE BELVEDERE (ORE 17.30)
21 MAGGIO – CATANIA – CC CATANÈ (ORE 17.00)
22 MAGGIO – PALERMO – CC LA TORRE (ORE 17.00)

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E’ disponibile dal 4 Marzo “OSIRIDE” il nuovo album di NASHLEY con cui l’artista ci accompagna nella sua nuova dimensione musicale.

Amore, invidia, devozione, rinascita. I sentimenti si evolvono, mutano e molto spesso si confondono. In questo viaggio iniziato con i capitoli “SETH” e “ISIDE”, l’unica soluzione per NASHLEY per giungere al cambiamento è stata quella di passarci attraverso proprio come ha fatto “OSIRIDE” lungo il Nilo.

13 le tracce che compongono il disco e che vedono la partecipazione di alcuni ospiti d’eccezione: da Fasma, Jake la Furia, IRBIS 37 a Tancredi e Anna Tatangelo, nomi di spicco della scena urban e pop italiana, a conferma del nuovo percorso di contaminazione di generi che NASHLEY ha deciso di compiere con “OSIRIDE”.

Chi meglio di Nashley poteva raccontarci il suo nuovo album “Osiride”? Noi di Honiro Journal lo abbiamo intervistato!

Nashley, tu stesso racconti “Ho dovuto guardare in faccia l’inferno per imparare a vivere nel paradiso, Sono dovuto morire per rinascere, come Osiride”. Cosa ti ha ispirato particolarmente di Osiride tanto da sceglierlo come titolo del tuo album e cosa aiuta a rinascere?
Mi ha ispirato particolarmente questa leggenda egizia perché Osiride è il simbolo della rinascita. Questo mito ha diversi finali, ognuno sceglie di credere nella conclusione che più gli piace, io sono rimasto affascinato dalla versione in cui Osiride, dopo essere morto, rinasce in un fiore. Per poter rinascere, secondo me, è fondamentale sbagliare tanto, fare esperienza, commettere molti errori ma soprattutto capirli.

“Spezza le catene, non ti fanno volare, non sai cosa ti perdi”
Quali sono, secondo te, le catene di cui oggi giorno dovremmo liberarci per poter poi finalmente volare?
Senza dubbio, una delle catene che dovremmo sciogliere in questo periodo sono i social. Probabilmente avremmo bisogno di staccarci un po’ da questa finzione, da questo mondo virtuale e iniziare a vivere di più la vita reale. Quando parlo di catene però, parlo anche di limiti in generale, limiti che per ognuno di noi sono diversi, perché ognuno ha i propri. Questo brano vuole ricordarci come la vita sia una sola. Se non si rischia adesso quindi, c’è poi il pericolo di non rischiare più o di non mettersi più in gioco perché poi, crescendo, arrivano le responsabilità.

E se non ci si libera delle catene da giovani sono tante le occasioni che si perdono. Questo è un concetto a cui sono molto legato, che infatti è ricorrente nel disco.

“spogliamoci le armature”
Dove si trova il coraggio di togliersi l’armatura? Che consiglio daresti a tutti quei giovani che vorrebbero togliere i filtri, le maschere ma non ci riescono?
Un consiglio che mi sento di dare è quello di provare in tutti i modi ad essere noi stessi, senza avvertire continuamente il bisogno di cambiare per assomigliare agli altri. Ci sono tante persone che, in base a ciò che hanno davanti o in base alla situazione in cui si trovano, cambiano anche loro stessi, le loro idee, i loro pensieri. Secondo me invece, dovremmo conservare e tenere vivi i nostri principi e i nostri valori indipendentemente da ciò che abbiamo attorno.

Sicuramente un consiglio potrebbe essere quello di avere il coraggio di mostrarci per ciò che siamo ma soprattutto di non avere paura di essere noi stessi perché prima o poi incontreremo le persone che ci apprezzeranno per questo motivo. Chiaramente questo è un viaggio difficile e molto lungo, che si deve affrontare ogni giorno, passo dopo passo.

“alla fine che cosa resta”
Quale messaggio vorresti rimanesse a chi ascolta questo album?
Fin dagli inizi ho fatto musica per me stesso ma, allo stesso tempo, mi è sempre piaciuto aiutare anche le altre persone. Vorrei semplicemente che, chi ascolta questo album, riuscisse ad immedesimarsi nei miei concetti, nelle mie frasi, nella mia musica adattandola al suo vissuto, alle sue esperienze e soprattutto che, indossando le cuffiette, si sentisse compreso e meno solo. Vorrei che, ascoltando i miei brani, le persone si sentissero capite. Proprio per questo preferisco raccontare le emozioni con una sfumatura generale, senza entrare troppo nello specifico o nel personale, in questo modo ci si può immedesimare più facilmente.

Tanti ragazzi mi scrivono ogni giorno che la mia musica li ha aiutati, che una particolare frase li ha colpiti o fatti sentire compresi e lo scopo di questo album è proprio questo!

“E potrei perdermi, perdermi per trovarmi di nuovo”
Nel momento in cui ci perdiamo, come facciamo a ritrovarci?
Ci possiamo ritrovare solo ripercorrendo il tragitto che abbiamo fatto finora e capendo dove siamo inciampati, dove abbiamo sbagliato, rivivendo gli errori commessi per cercare di non farli più in futuro.

“È solo che vorrei di più di quel lavoro standard
Di guidare una Panda e avere quattro figli a casa”
I giovani spesso si accontentano, c’è chi invece nella vita punta in alto, che consiglio daresti ai ragazzi per ritrovare una cosa che oggi giorno stiamo un po’ perdendo ovvero il sognare in grande?
Al giorno d’oggi è molto difficile trovare dei momenti per sognare, soprattutto per sognare in grande. L’importante è non perdere la fiamma, la speranza, la voglia di realizzare i nostri sogni e di sognare ancora. Anche in periodi come quello che stiamo vivendo o che abbiamo vissuto non bisogna mai lasciare che quella piccola scintilla che abbiamo dentro di noi si spenga. Banalmente, anche nella quotidianità, bisognerebbe cogliere ogni occasione, vivere tutto ciò che la vita ci offre, rischiare. E soprattutto, se non siamo soddisfatti di ciò che siamo, bisogna avere il coraggio di cambiare.

“noi fiori nati e cresciuti in mezzo all’inverno”
Come si fa a fiorire anche se fuori è inverno, dove si trova il coraggio di fiorire anche in mezzo alla neve, anche in mezzo al freddo?
Questa frase è stata scritta pensando ai ragazzi di quartiere, a tutte quelle vite difficili che, però, riescono a fiorire lo stesso. Questa metafora vuole rappresentare tutte quelle persone, quelle situazioni che, anche in ambienti sfavorevoli, riescono comunque a mantenere la propria bellezza. Non tutti riescono a fiorire anche d’inverno, secondo me bisogna avere quel qualcosa in più, ricordandoci sempre che l’ambiente dove fioriamo non determina chi siamo.

Al giorno d’oggi, spesso, si cerca mostrare solo il proprio aspetto forte, tu invece nella cover dell’album sfoggi delle lacrime d’oro. Quanto sono importanti, quanto valore hanno e soprattutto quanto sono preziose le lacrime?
Il concetto della cover si basa proprio su questo. Nonostante nella grafica ci sia l’oro, che quindi richiama alla forza, alla determinazione, in contrasto con questo colore c’è la lacrima, che invece vuole descrivere l’anima di questo disco, la sofferenza. Penso che le lacrime siano importantissime, credo che sia fondamentale soffrire nella vita, alcune volte anche più dell’essere felici perché più si attraversano momenti di buio, più si impara a vivere a pieno i momenti di luce. È molto importante anche mostrare le proprie lacrime, non sempre, ma alcune volte è giusto e prezioso anche saperle condividere.

Nashley, in “Osiride” troviamo la collaborazione con Fasma, con Tancredi, Anna Tatangelo, Jake La Furia, IRBIS 37 cosa ti ha legato particolarmente a questi artisti? Ti va di raccontarci come sono nate queste collaborazioni?
Le collaborazioni sono tutte nate in modo abbastanza diverso tra loro. Con Tancredi avevo collaborato agli inizi, quindi già ci conoscevamo e crediamo reciprocamente nella nostra musica. Anche con Fasma ci conosciamo da tempo ormai, ci siamo visti a tanti live ed era da molto che desideravo un featuring con lui. IRBIS 37 è un artista che piace particolarmente al mio produttore, in studio ho capito che era davvero molto forte e “Sempre di più” è nata in pochissimo tempo.

Anna Tatangelo e Jake La Furia sono due persone fantastiche e sono molto contento dei brani con loro. In generale sono tutti artisti fenomenali, mi è piaciuto unire in uno stesso disco anche collaborazioni apparentemente imprevedibili, in modo da dare vita ad un ventaglio di generi e di sfumature musicali diverse tra loro.

“Cercavo un modo di salvarmi, e chi l’avrebbe detto
Che bastavano un paio di cuffie e un microfono acceso” 
A proposito di microfono acceso, sappiamo che hai annunciato il tuo tour che partirà il prossimo 17 maggio. Che emozione provi, come ti immagini questi live?
Proprio in questi giorni stiamo lavorando all’organizzazione artistica e scenografica dei live. Mi immagino uno show semplice ma allo stesso tempo originale. Voglio che i miei fan si ricordino di questo tour, che spero sia il primo di tanti. Sono molto fiducioso per questi live, mi sento particolarmente emozionato, nella mia vita ho fatto decine di DJ set, ma questa sarà un’esperienza completamente diversa, sarà la prima volta su un palco tutto mio, la prima volta con la band.

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Marzo è solo all’inizio e segna già tantissime super uscite. Tra queste un brano molto particolare ha colpito la nostra attenzione, quella di un giovanissimo! Urlo racconta “Giovane Sopravvissuto” a noi di Honiro, ma abbiamo parlato anche del suo percorso e di tutto quello che progetta per il futuro.

Posso iniziare, forse, con una domanda un po’ banale? Perché hai scelto di chiamarti Urlo?
Quando entro nella cabina di registrazione mi sfogo e sono libero. Urlare per buttare fuori tutto quello che c’è dentro, questo è la musica per me.

Quando ti sei avvicinato a questa passione? Quando hai capito che volevi farla diventare il tuo lavoro?
Da sempre! Vengo da una famiglia di musicisti, per esempio mio fratello ha una band. Piano piano sto riuscendo a farla diventare il mio mestiere, perché è il mio obiettivo di vita. Per me non c’è nulla di più vero.

Quale esperienza credi sia stata più formativa per te fino ad oggi?
La mia collaborazione con il produttore Beppe Stanco. Ci siamo conosciuti attraverso un’app musicale per chiedergli un “beat” su cui provare a buttare giù qualche strofa. Penso che da li poi sia stato un crescendo.

Di cosa parla “Giovane Sopravvissuto” e perché è così importante per te, tanto da sceglierla come canzone apripista al nuovo EP?
Abbiamo pensato tanto con che brano uscire, ma questo tocca dei tasti molto dolenti del mio passato. Mi sono aperto in maniera intima per potermi presentare ufficialmente. Per me è un pezzo molto importante e poi abbiamo pensato che avesse un sound che ti tocca dentro. Un mix perfetto tra una storia da raccontare e quello che vorrei fosse poi il mio genere.

Sappiamo che uscirà un EP, ma hai altri progetti futuri in ballo?
L’EP è prontissimo, manca solo farlo uscire. A breve usciremo con un nuovo singolo, poi personalmente ho già la testa su un disco. Cerco di andare piano, ma ho questa fame immensa di fare musica, quindi le novità saranno tante. Sto scrivendo tanto, speranzoso di tornare in estate con qualche live.

Concludendo, descrivi con 3 aggettivi accattivanti il tuo sound per far capire meglio chi sei!
Aggressività, old school contemporaneo e ambizioso.

Urlo racconta “Giovane Sopravvissuto”, in realtà è come se si stesse aprendo al grande pubblico. Toglie quel velo che ci spinge alla curiosità di conoscerlo meglio tramite la musica che scrive. Voi state ascoltando “Giovane Sopravvissuto”? Cosa ne pensate?

L'articolo Urlo racconta “Giovane Sopravvissuto”, il singolo apripista del prossimo EP proviene da Honiro.it.

demoncandy rilascia “Nana”, per l’occasione abbiamo scambiato quattro chiacchiere con lui. Buona lettura!

Come e quando hai iniziato a fare musica? 
Faccio musica dal 2018 seriamente, ma scrivo da quando ne ho 16. Ho iniziato perché avevo bisogno di un modo per esprimermi.

Da dove nasce il tuo nome d’arte? 
demoncandy perché son fatto così: duro fuori, caramelloso dentro.

Chi sono le tue fonti di ispirazione? 
Le mie fonti di ispirazione sono sempre stati i vecchi soundcloud rapper, (Lil Peep, Lil Pump, XXXTentacion, Lil Tracy, ecc.) e qualche artista italiano come Tedua, Rkomi, ero/sono fanboy della DPG.

Com’è nato il singolo Nana? 
Semplice: n’altro cuore spezzato.

Come descriveresti il tuo genere con 3 aggettivi? 
Pazzo, Malinconico, Innamorato.

Quali sono i tuoi progetti futuri? 
Per il momento abbiamo un progetto in corso.

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E’ disponibile da venerdì 7 gennaio, “BENEDETTO L’INFERNO” (Columbia Records/Sony Music Italy), il nuovo singolo di CanovA feat. Gianna Nannini e Rosa Chemical.

Dopo aver lanciato il suo nuovo progetto artistico con “Sorpresa”, nato dalla collaborazione con Nayt, nonché versione speciale del brano del rapper contenuto nel suo ultimo album DOOM, “Benedetto l’inferno” prende vita dall’incontro tra CanovA, la regina del rock e uno degli artisti più poliedrici e richiesti degli ultimi anni. Il producer ha messo insieme due anime esplosive, a prima vista molto diverse, che hanno generato una traccia passionale e travolgente.

Chi meglio dello stesso CanovA poteva raccontarci la genesi di “Benedetto l’inferno” e tutto il percorso artistico che lo ha portato alla realizzazione di questo suo nuovo progetto? Noi di Honiro Journal lo abbiamo intervistato!

Sappiamo che “Benedetto l’inferno” assieme alla nuova versione di “Sorpresa” è uno dei tasselli che andrà a comporre il grande mosaico del tuo nuovo progetto. Ti andrebbe di raccontarci qual è la tua idea e come è nata l’ispirazione per un lavoro di questo tipo?
L’idea di questo progetto è nata tempo fa. Durante il lockdown del 2020 ho costruito uno studio in casa e questo mi ha portato ad espormi maggiormente sui social, raccontando tecnicamente il mio lavoro e mostrando tutte le sfaccettature della mia professione.

In particolare, ho iniziato due impegni settimanali che sto continuando tutt’ora. Ogni giovedì ascolto i pezzi dei ragazzi che vogliono farmi sentire la loro musica e do loro dei consigli. Ogni martedì invece faccio ascoltare le sessioni originali di Pro Tools dei brani che ho realizzato in passato con artisti come Giorgia, Tiziano Ferro, Marco Mengoni, ecc… Mostro traccia per traccia l’evoluzione della produzione, facendo vedere come si arriva alla versione definitiva del brano.

Queste iniziative mi hanno avvicinato a Maria de Filippi e a collaborare con la scuola di “Amici”. Mi interfaccio a distanza con gli artisti e lavoro alla produzione dei loro brani. Queste esperienze mi hanno fatto capire che in vent’anni di carriera “dietro le quinte” ho curato a 360° molti progetti, ma sempre di altri artisti. Così è nata l’idea di crearne uno tutto mio. In questo lavoro coinvolgerò personalità del mondo musicale con cui ho già collaborato, ma anche artisti con cui non avevo ancora avuto il piacere di lavorare, come è stato con Nayt per la nuova versione di “Sorpresa”.

Come è nata l’idea di far incontrare due anime così diverse come Gianna Nannini e Rosa Chemical nello stesso brano?
Volevo unire in un unico pezzo degli artisti apparentemente molto lontani tra loro, per creare qualcosa di sorprendente e inaspettato. Ho conosciuto Gianna Nannini nel 2006, ho lavorato a diversi suoi dischi. Stavo producendo “Diamante” ed ero in studio con lei e Francesco De Gregori. In quel momento ho avuto l’idea di far ascoltare a Gianna “Polka” di Rosa Chemical, artista con cui avevo collaborato poche settimane prima. Gianna si è innamorata immediatamente della personalità artistica e dei brani di Rosa. Dall’energia del loro incontro si è creato “Benedetto l’inferno”, il brano è nato in sole 4 ore!

CanovA, in “Benedetto l’inferno” Gianna Nannini afferma “devi cadere in basso per tornare più su”. Il tuo lavoro porta sicuramente a grandi soddisfazioni, spesso però molte persone non si accorgono di tutti i sacrifici e le rinunce che sono fondamentali per avere una carriera come la tua. Qual è un aspetto che pensi il pubblico non conosca del tuo lavoro?
Le persone non possono immaginare che si stia, soprattutto per la prima parte di questa professione, moltissime ore in studio al giorno, compreso il sabato e la domenica. C’è tanto da imparare tecnicamente, c’è molto da sacrificare ma, personalmente, essendo sempre stata una grande passione, a me questo non è mai dispiaciuto. Paradossalmente, quando non ero in studio, avvertivo la mancanza di fare musica.

Credo che il pubblico non sappia quanto tempo ci voglia per imparare come registrare propriamente una voce, una chitarra, ma anche semplicemente conoscere l’armonia e saper suonare gli accordi in modo corretto. Arrangiare e accompagnare un brano musicale è il traguardo che arriva dopo un lungo percorso, dopo anni passati ad imparare a conoscere gli strumenti, gli amplificatori. In ogni processo creativo poi, è fondamentale avere una mente più aperta possibile, in modo da poter imparare da tutto e da tutti.

Una carriera come la tua non può che derivare da una grandissima passione, da qualcuno che fa le cose con il cuore. Questa è una cosa che ultimamente si è un po’ persa. Molti giovani fanno cose per farle e non mettendoci davvero sentimento, che consiglio daresti ai ragazzi per inseguire la loro strada con passione? Come si trova o si ritrova questa passione?
La passione si incontra o si rincontra nel tempo. In questo periodo noto che le persone che fanno musica decidono di intraprendere questa strada perché veramente ci credono e veramente nella loro vita vogliono fare questo.

Non c’è momento migliore di oggi per trovare o ritrovare la passione ed imparare da soli, anche da autodidatti. YouTube, ad esempio, è un database formidabile. Certo, bisogna saper scegliere i tutorial validi, ma fino a qualche anno fa piattaforme simili non erano nemmeno a disposizione. Mi sembra un buon periodo per cominciare a cercare e coltivare questa passione.

Io stesso, grazie ai miei canali social, mi imbatto in tantissimi giovani che hanno voglia di esprimersi, di confrontarsi, di far ascoltare la propria musica. Il consiglio che posso dare per iniziare è di acquistare il minimo indispensabile e cominciare a fare musica, ormai abbiamo degli strumenti e dei mezzi che lo permettono.

A proposito di passione, in un mondo ormai così tecnologico e frenetico quanto è importante per un produttore e in particolar modo per te, cercare e mantenere l’aspetto umano della musica, l’emozione?
Penso che siamo riusciti a valorizzare questa importante sfaccettatura della musica durante il lockdown. Nel periodo che ormai tutti conosciamo bene, noi musicisti, come anche tutto il resto del mondo, siamo stati costretti a lavorare e collaborare da remoto. All’inizio in questa modalità si potevano trovare anche dei vantaggi, ma dopo un anno e mezzo di sessioni portate avanti in questo modo, abbiamo molta nostalgia del contatto umano, ci mancano le emozioni che si provano dal vivo, la magia che si respira all’interno di uno studio.

Oggi giorno i ritmi sono fulminei, dopo una media di sei ore il pezzo deve essere pronto, il lavoro in studio è quindi diventato una sorta di performance. Nei brani chiusi a distanza c’è sicuramente molto sentimento, ma penso siano un po’ privi di quell’anima che avrebbero potuto avere se creati dal vivo.

Guardando la lista di tutti i grandi artisti con i quali hai collaborato si prova un’emozione incredibile. Tu che emozione provi a sapere di aver fatto arrivare la tua musica a così tante persone? Che effetto ti fa?
La mia fortuna è stata quella di pensare di fare musica per me stesso, per mia passione e mia esigenza. Il mio lavoro deve tener conto di molti parametri: le tendenze musicali, la struttura delle canzoni e altri aspetti che variano molto con il passare del tempo. Non mi sono mai posto grandi pressioni dal punto di vista artistico ma quando collabori con altri grandi nomi è naturale desiderare che il risultato sia il migliore possibile. Ho sempre creato la musica che mi sarebbe piaciuto sentire, quindi sapere che la ascoltano e la apprezzano anche molte altre persone è un immenso piacere.

CanovA, ci hai raccontato “Benedetto l’inferno” e questo tuo nuovo progetto, volendo riavvolgere il nastro e tornare un attimo agli inizi, Come ti sei avvicinato al mondo della musica? Qual è stato il momento in cui hai compreso che eri sulla strada giusta e che questa sarebbe stata la tua vita?
Gli inizi sono stati a Padova, quando all’età di 10 anni ho deciso di intraprendere un percorso di musica classica. In seguito mi sono iscritto al conservatorio Cesare Pollini dove mi sono appassionato in particolar modo al violino. Ho deciso di convertire l’affitto del mio pianoforte nell’acquisto di una tastiera, e da lì è iniziato il vero e proprio viaggio. Si faceva sempre più viva l’idea di unire la musica alla mia altra passione, l’informatica. A sedici anni ho iniziato a conoscere i primi software e sono riuscito a costruirmi il mio primo, piccolo, studio.

Poco tempo dopo, la voglia di fare musica ha iniziato a crescere sempre di più, nonostante io non fossi nemmeno a conoscenza che questa potesse essere una vera e propria professione. Così, ho incominciato a fare i primi dischi. Poi, casualmente, ho incontrato Leandro Barsotti, che mi ha chiesto se volessi partecipare ad un suo disco. Questo mi ha portato a conoscere Mara Maionchi e Salerno, i primi produttori esecutivi di Leandro. È stato quello il momento in cui ho capito che questa poteva davvero essere la mia strada. A 19 anni, per la prima volta, mi sono ritrovato in un vero e proprio studio di registrazione. Mi sono innamorato ancor di più della musica quando ho capito che sarebbe potuta diventare il mio lavoro.

Ora che sei arrivato dove sei arrivato e dove probabilmente anni fa sognavi di arrivare, c’è qualcosa che ti manca di quando eri all’inizio? Qualcosa di cui hai particolarmente nostalgia?
Provo molta nostalgia nei confronti di Padova, la mia città natale. Quando ci sono tornato, pochi mesi fa, mi ha fatto particolarmente piacere rincontrare tutti i miei amici del liceo e tutte le persone che avevano caratterizzato la mia adolescenza. Da ragazzi si tenta in tutti i modi di “evadere” dal proprio mondo, dal posto in cui si è nati, per raggiungere Milano o altre grandi realtà, ma quando poi questo accade ne nasce una nostalgia molto forte.

Avrei anche l’idea di realizzare, proprio a Padova, un’università della musica e inventare qualcosa di nuovo per i ragazzi che vogliono intraprendere questa strada. Ho notato che ora c’è molto movimento per quel che riguarda questo campo, andrebbe coltivato il talento di molti giovani.

Quali sono gli aspetti delle tue origini che hanno maggiormente influenzato la tua musica? Dato che attualmente vivi a Los Angeles qual è invece la parte del panorama Americano che ti affascina di più? Mi ha influenzato sicuramente la musica con la quale mia madre mi ha cresciuto quindi Battisti, De André, De Gregori, tanti cantautori italiani. Ricordo che, quando avevo all’incirca 15 anni, ascoltavo in particolar modo Jovanotti e Carboni ma anche gli U2 e i Pink Floyd.

Della musica americana mi affascina particolarmente il fatto che si possa fare qualsiasi genere e trovare comunque un pubblico vasto. In Italia, alcune volte, si tende a seguire maggiormente il genere del momento. Quando invece si guardano i Grammy ci si accorge che ci sono premi per ogni stile, spesso anche per generi che noi stessi non conosciamo ma di cui potremmo appassionarci o che, comunque, potrebbero arricchirci. Questo è l’aspetto mi sorprende particolarmente dell’America, l’essere così eclettica. La musica inoltre, qui negli USA non è vissuta come un passatempo o un hobby ma come un vero e proprio percorso, che inizia proprio dalla scuola, con lo studio di uno strumento e l’approfondimento della storia musicale.

CanovA, c’è qualcosa in particolare che vorresti i nostri lettori sapessero di “Benedetto l’inferno” del tuo nuovo progetto, della tua musica o della tua carriera?
Vorrei sapessero che ci saranno altri episodi di questo nuovo progetto, il ritmo spero possa essere un singolo ogni 2 mesi circa. Come è stato per “Sorpresa” e “Benedetto l’inferno” voglio dar vita a brani inaspettati. Voglio unire artisti o concetti che a primo impatto potrebbero sembrare incompatibili tra loro o comunque opposti. Il mio intento è quello di alimentare la curiosità e il rischio nella musica!

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“X2” di Sick Luke sta segnando la scena e siamo solo all’inizio dell’anno. Tra un beat ed un nuovo posizionamento in classifica, abbiamo scambiato quattro chiacchiere con lui.

Luke racconta di com’è nato questo “gioiello” e di come fosse inaspettato, visto che fino a poco tempo fa non immaginava di poter ideare un disco tutto suo, totalmente dipendente dal suo genio. A soli 27 anni è tra i producer più gettonati, uno dei talenti italiani più apprezzati. Non a caso “X2” è tra gli album più ascoltati al mondo.

Tantissimi feat non nati per caso, ma studiati ed analizzati dal primo all’ultimo insieme al chitarrista Valerio Bulla. Ben 17 tracce e 34 artisti tra i più presenti nelle playlist della scena: Gazzelle, Tedua, Geolier, Ernia, Ariete, Mecna, tha Supreme, Sfera Ebbasta, Franco126, Coez, Ketama126, Pyrex, Capo Plaza, Shiva, Ghali, Tony Effe, Chiello, Madame, Taxi B, Leon Faun, Jake La Furia, Fabri Fibra, Izi, Gaia, Carl Brave, Luchè, Cosmo, Pop X, Emis Killa, Side Baby, gli Psicologi, CoCo e Duke Montana. Proprio quest’ultimo lo ha ispirato sin da piccolo, essendo un componente del TruceKlan, ma soprattutto suo padre.

Non mi sono mai esposto molto sul mio privato, ho sempre tenuto ben separate le due cose. In Libertà, che tra l’altro è il pezzo al quale sono molto più legato, mi lascio andare e sono fiero di avere proprio mio padre nel disco.

Com’è cambiato Luke dagli inizi fino a oggi?

“Sicuramente fare questo disco mi ha aperto un mondo che prima non conoscevo, cioè quello di non usare solamente il computer per fare musica, ma anche chitarre e bassi sintetizzatori. Nel disco ci sono tante sfaccettature diverse, puoi sentire veramente tante versioni di Luke.

“X2” di Sick Luke ha portato alla ribalta quello che lui ha definito il vero Dream Team della trap, non a caso nome stesso di una traccia. Stiamo parlando proprio di Tedua, Shiva, Pyrex e Capo Plaza. Una nuova formazione, che ci apre gli occhi sui talenti da tenere sotto controllo. Tutti sappiamo le carte sfoderate da questi artisti, eppure un team così fino ad oggi è stato solo Luke capace di amalgamarlo.

La voglia di tornare live è tantissima. Mi manca il palco, ma soprattutto l’atmosfera che si crea durante l’evento. Quali canzoni non vedo l’ora di suonare? Sicuramente Clochard, Sogni Matti, Solite Pare e Dream Team.

“X2” di Sick Luke è disponibile nei digital store, ma soprattutto nelle migliori classifiche mondiali. Voi quale singolo state preferendo?

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