In un momento storico in cui il rap corre veloce tra singoli e release lampo, JD Il Moro continua a muoversi in direzione opposta. Il Sardo del Nord Vol.3 è il nuovo capitolo di una saga personale iniziata anni fa, un progetto costruito come un racconto in evoluzione dove musica, identità e vissuto si intrecciano senza scorciatoie.
Tra campioni jazz e blues, batterie trap e collaborazioni nate da legami reali prima ancora che artistici, il disco racconta un percorso fatto di radici sarde, vita nel Nord Italia e viaggi che hanno allargato lo sguardo dell’artista. Un equilibrio tra classicismo e contemporaneità che riflette anche la sua crescita personale.
In questa intervista JD Il Moro ci porta dentro il processo creativo del progetto, tra scelte musicali, identità territoriale e il bisogno di continuare a raccontarsi in capitoli, anche quando il mercato sembra chiedere il contrario.

“Il Sardo del Nord Vol.3” continua una saga personale. Quanto è importante oggi, in un’epoca di singoli veloci, portare avanti un racconto strutturato in capitoli?
È importantissimo, proprio perché siamo nell’era dei singoli usa-e-getta. Continuare una saga come Il Sardo del Nord è il mio modo di ribellarmi a quel ritmo frenetico: invece dello snack musicale ti porto un pasto completo, con antipasto, primo, amaro e crisi esistenziale finale.
C’è un viaggio che parte dal Vol.1 e arriva al Vol.3, con up and down, maturazione, collaborazioni che si intrecciano e tutti quei pesi che ti porti dietro… che poi magari una birra con gli amici riesce a farti dimenticare per mezz’ora (terapia alternativa, costa meno dello psicologo, ma non fatelo a casa).
È faticoso costruirla così, però è l’unico modo che conosco per essere sincero al microfono e usare questa forma d’arte per l’autoanalisi. E poi lo so per certo che crea connessione vera con chi ascolta: la gente sente quando dietro c’è sostanza, soprattutto di sti tempi.

A livello musicale c’è una forte presenza di campioni jazz e blues, ma anche batterie trap. Come trovi l’equilibrio?
Non lo trovo: lo lascio trovare a me (che sembra una frase motivazionale da biscotto della fortuna, ma è così). Ho suonato la batteria per anni, ho studiato chitarra classica e acustica, quindi i campioni jazz e blues mi escono naturali, come radici che danno profondità e quella vibe old school che mi fa stare a casa.
Le batterie trap invece sono il movimento, il punch, la freschezza della nuova scena. Con Ric de Large, David Costello e A-Kurt non cerchiamo un compromesso tra epoche, facciamo una fusione organica — che suona molto meglio di “attempato” (termine che mi fa sentire già con la copertina del disco dorata).
Il trucco è ascoltare tanto, testare sul campo e fidarsi dell’istinto: così il Vol.3 suona classic ma fresco, senza sembrare né vintage forzato né moda passeggera.

L’identità territoriale è centrale nel titolo. Quanto hanno inciso Sardegna, Friuli e l’estero?
Tantissimo. La Sardegna sono le radici e anche il luogo fisico dove abbiamo lavorato al disco, in una casa al mare; il Friuli è la vita quotidiana, la stabilità, il Nord vero.
Tutti i viaggi e le esperienze — persone, errori, scelte adulte — sono diventati carburante per i testi. Non è un titolo “figo”: è letteralmente la mia biografia in tre parole.
Un sardo che cresce quassù, con tutto quello che comporta (meteo incluso).

Come scegli producer e featuring?
Prima l’affinità umana, sempre. Lavoro con persone che stimo davvero e con cui ho un legame reale.
David Costello è stato il primo a credere in me nel 2010 con Gioca anche tu; Ric de Large è un compagno di avventure dai tempi dello scheletro di BRUHVA; A-Kurt è un amico che stimavo da tempo e con cui finalmente ho lavorato di più in questo capitolo.
L’affinità sonora conta, ma viene dopo. In futuro non escludo collaborazioni solo per il sound — fa parte del gioco, a volte devi ingoiare rospi (vegani, però). Finché posso, però, scelgo prima le persone.

C’è un brano che rappresenta meglio l’anima del disco?
Sì, Difetti. È quello più introspettivo e simbolico. Parte da un momento semplice: guardarsi allo specchio e non piacersi. Parlo del Davide giovane, delle insicurezze che forse ho coperto anche con i tatuaggi, e di una relazione reale con una persona che aveva blocchi emotivi profondi.
Non è una seduta di psicologia da tastiera e non è un giudizio su nessuno (disclaimer preventivo 😅): è solo un’osservazione su come i difetti — miei e degli altri — ci plasmino.

Dal primo volume a oggi hai trovato una forma definitiva?
No, e per fortuna. Sto evolvendo continuamente, ed è quello che tiene tutto vivo.
I primi volumi erano più diretti, quasi didascalici, con un’estetica in bianco e nero e contrasti forti; nel Vol.3 ho aperto a più sfumature. Ho trovato un centro di gravità un po’ più stabile (cit. Battiato), ho mollato qualche zavorra e ho portato dentro esperienze fatte tra Londra, Svizzera, Indocina e Messico.
Le collaborazioni sono fondamentali: senza quel collettivo molti brani resterebbero bozze. Anche l’estetica con Mr. Steelo è parte della narrazione — simboli per ogni traccia, l’alveare lilla, i video e i canvas IA (algorithm_guy santo subito).
“Sardo del Nord” oggi è la sintesi tra la villa al mare in Sardegna e la vita friulana, ma mi sento anche cittadino del mondo. Alla fine, è sempre Davide che rappa come JD Il Moro, senza maschere — anche se certe cose riesco a dirle solo al microfono.

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Con “Il primo giorno del resto della mia vita“, Cala Cala firma un esordio che ha il peso di una presa di posizione. Sei tracce pubblicate da Macro Beats che intrecciano R&B, soul ed elettronica, sostenute da una scrittura che guarda alla tradizione italiana con uno sguardo attuale, lucido, personale.

Il nuovo EP mette a fuoco una generazione in bilico: la paura del futuro, l’instabilità del presente, il bisogno di scegliere anche quando le coordinate si fanno incerte. Cala Cala racconta questo stato d’animo senza retorica, trasformando l’indefinito in narrazione e la fragilità in un linguaggio condiviso. La produzione di Macro Marco accompagna questa visione con coerenza, valorizzando un cantautorato pop diretto ed essenziale, capace di arrivare subito senza sacrificare la profondità.

Ne abbiamo parlato con il giovane cantautore, entrando nel cuore di un lavoro che non vuole essere un traguardo, ma un inizio: il punto esatto in cui si decide di esporsi davvero e di fare della vulnerabilità una materia viva, sonora, necessaria

“Il primo giorno del resto della mia vita” è un titolo che suggerisce una soglia, un momento di passaggio: qual è stato lo scatto personale – umano prima ancora che artistico – che ti ha fatto capire che queste canzoni dovevano esistere insieme, come un unico racconto?

Lo scatto personale è stato cominciare a scrivere le canzoni. In due o tre settimane tutto è venuto fuori quasi di getto: emozioni, ricordi, contraddizioni. Scrivere mi ha permesso di dare forma a quello che stavo vivendo e, solo riguardando con più lucidità, ho capito che le canzoni parlavano tutte dello stesso momento umano. È stato così chiaro che dovevano esistere insieme, come un unico racconto.

Hai raccontato che, quando hai iniziato a scrivere l’EP, facevi fatica a distinguere le luci dalle ombre e ti muovevi dentro sensi di colpa che sembravano destinati a diventare normalità: in che modo la scrittura ti ha aiutato a rileggere quei ricordi a doppio taglio e trasformarli in qualcosa di nuovo, fino a segnare davvero “il primo giorno del resto della tua vita”?

Sì, l’atto stesso di scrivere, prima ancora dei contenuti, è stato terapeutico. In quel periodo stavo vivendo la fine di una relazione importante e sono tornato un po’ a casa, in Sicilia. Scrivere mi ha aiutato in due modi: prima ha ascoltato tutto quello che avevo dentro e volevo sputare fuori, e poi, una volta finito, ha iniziato a raccontarmi i fatti, facendomi capire tutto in modo più chiaro, mi ha permesso di capirmi meglio. Alla fine, è stato anche grazie a questo che ho iniziato a volermi bene, con tutti i miei difetti e con il peso delle scelte fatte.Foto Photopress

Se oggi dovessi associare il tuo nuovo EP a un’immagine concreta della tua quotidianità – un luogo, un gesto, un momento preciso – quale sarebbe e perché senti che rappresenta davvero un nuovo inizio per te?

Ho sempre avuto paura di restare solo e, per anni, ho messo gli altri davanti a me senza pensarci. Il mio “nuovo inizio” l’ho cominciato stando da solo, imparando a starci, smettendo di ricevere affetto di riflesso e iniziando a prendermi cura di me stesso, con piccoli gesti che mi facessero sorridere, mi rendessero felice, scoprendo nuove parti di me. È stato un cambiamento silenzioso, fatto di scelte semplici ma concrete.

Il suono dell’EP unisce suggestioni R&B, soul ed elettroniche con una scrittura fortemente legata alla tradizione cantautorale italiana: quanto è stato importante trovare un equilibrio tra queste due anime, quella più contemporanea e quella più narrativa?

Il punto era far convivere due mondi senza che uno soffocasse l’altro. La parte cantautorale italiana resta nella scrittura e nelle immagini dei testi, mentre le influenze R&B, soul ed elettroniche danno profondità emotiva e spazio sonoro, enfatizzando ciò che racconto. L’equilibrio è stato un processo naturale e istintivo, frutto del prezioso lavoro di Macro Marco.

In “Boy Scout” si percepisce una svolta verso un cantautorato pop più diretto e personale, dove la fragilità diventa motore creativo: cosa ha innescato questo cambio di prospettiva rispetto ai tuoi precedenti brani?

Quando ho scritto “Boy Scout” non ne potevo più di quello che stavo vivendo, del posto in cui vivevo e non sapevo davvero cosa volevo. Credo che ciò che sia cambiato in questo brano sia la persona per cui l’ho scritto: negli altri c’era sempre la consapevolezza che li avrebbe ascoltati qualcun altro, e questo forse influenzava il modo in cui scrivevo. “Boy Scout” invece l’ho scritto per me, senza pensare a chi lo avrebbe sentito, ed è proprio questa libertà che lo rende così diretto e personale

La produzione curata da Macro Marco è essenziale e lascia grande spazio alla voce e al testo: come si è sviluppato il dialogo in studio e in che modo questa collaborazione ha influenzato l’identità sonora del tuo progetto?

Con Macro Marco il dialogo è stato molto naturale. Condividevamo già un immaginario musicale simile, quindi molte scelte sono venute quasi spontaneamente. Io arrivavo da una scrittura molto essenziale, spesso chitarra e voce, e per me era importante che quella dimensione rimanesse centrale.

La produzione non ha mai stravolto i brani, ma li ha accompagnati, ampliandone il respiro senza togliere spazio al testo. Credo che il valore della collaborazione sia stato proprio questo: trovare un suono contemporaneo che non soffocasse la scrittura, ma la sostenesse. La collaborazione ha influenzato tantissimo l’identità del progetto perché mi ha dimostrato che si può essere contemporanei senza tradire l’intimità della scrittura.

Il tuo percorso mostra una costante attenzione al linguaggio come parte della musica stessa: nei versi dell’EP – tra immagini quotidiane, smarrimento e desiderio di appartenenza – quanto c’è di autobiografico e quanto invece di osservazione della tua generazione?

Nei testi c’è moltissimo di autobiografico, ma cerco sempre di non essere autoreferenziale. Parto da esperienze reali, da immagini concrete e dettagli personali, però l’obiettivo non è raccontarmi in modo chiuso. Mi interessa che chi ascolta possa entrarci dentro e trovare qualcosa che lo riguardi. Credo che quello smarrimento, quel sentirsi spesso “in mezzo” – tra il desiderio di cambiare e la paura di farlo, tra il bisogno di qualcosa o qualcuno e la voglia di scappare – non sia soltanto mio.

È qualcosa che riconosco nelle persone che ho intorno, anche nella mia generazione: facciamo fatica a sentirci stabili e, allo stesso tempo, abbiamo paura di scegliere davvero.

Parto da me, quindi, ma cerco di lasciare spazio. Se una barra funziona davvero, secondo me, è perché a un certo punto smette di parlare solo di meArtwork

Cala Cala, al secolo Giuseppe Mazarese, è uno dei prospetti più interessanti in casa Macro Beats.

Classe 2000, cantautore, beatmaker, producer e poli-strumentista, nella sua musica ci sono i tratti distintivi della sua età, i colori e le radici della sua terra (la Sicilia), i primi riflessi del suo talento.

Dal debutto con il primo singolo “Dritto a casa” (pubblicato nel 2021 con il supporto di Italia Music Lab, progetto lanciato da SIAE per sostenere gli artisti emergenti), fino ad arrivare a “MILIONI DI PROBLEMI” (2024), Cala Cala ha espresso idee chiare e voglia di affermare subito la propria identità sonora, spaziando a livello creativo tra virate R&B e soul, un flow che strizza l’occhio ai nuovi trend, superandoli, ed un’innata predisposizione nell’usare il linguaggio come parte integrante della melodia e della ritmica.

A gennaio 2026 pubblica l’EP “Il Primo Giorno Del Resto Della Mia Vita” (Macro Beats), anticipato dai singoli “Scalini del Portello” e “Boy Scout”

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Un personalissimo diario musicale, tra introspezione e costruizione della propria bussola. Protagonista della cover digitale Gaia Rollo.

SOMETHING IS CHANGING AT HOME – GAIA ROLLO

Un personalissimo diario musicale, tra introspezione e costruzione della propria bussola, in un processo di sottrazione del superfluo e di addizione dell’essenziale. Le sonorità d’oltreoceano e la poesia vocale creano il perfetto contorno per un’analisi creativa di se stessi senza confini e solo con la voglia di stupirsi.

PAYBACK – PETER WIT, EGREEN

Istituzione e futuro che seguono una perfetta e lineare simbiosi, tra barre nette e liricismo che confermano una nuova visione e percezione del rap nel mondo di oggi. Un rap che ancora può raccontare, che può andare oltre le logiche classiche dentro cui viene recepito e concepito. Un sodalizio artistico che sa di garanzia.

ESOTERICA – MURIEL

Si completa il quadro narrativo e musicale di Muriel, tra sperimentazione sonora e autorialità contemporanea, che struttura un vero e proprio ‘’banger’’ culturale. Ogni lato umano, dal più delicato al più ‘’esoterico’’, confluisce in parole che si trasformano in suoni, in concetti che prendono una loro vita.

AHIME’ – LOSTATOBRADO

Un mondo che si decostruisce lentamente, in cui chi ne fa parte diventa protagonista di una sua storia unica, a tratti utopica, a tratti drasticamente reale. Un inno a prenderne parte in qualunque forma riteniamo opportuna, tra avanguardismo sonoro e bisogno profondo bisogno espressivo.

KALIMERA – EMILI KASA

Un esordio che ha già lasciato il segno, tra innovazione e voce uniche, che non solo la caratterizzano, ma che sono destinare a solcare un’impronta musicale che rimane nel tempo. Le proprie parole e le proprie immagini impresse in un mondo che cambia, ma a cui non lasciamo necessariamente il compito di cambiarci.

CALA CALA – BOY SCOUT

Tra una produzione d’esperienza e di classe come quella di Macro Marco e parole d’autore di spessore, un messaggio che non chiude cerchi di vita, ma che diventa una iperbole verso l’altro, verso il miglioramento di se stessi. Ciò che ci rappresenta, nel bene o nel male, diventa antidoto della psicosi maciste del mondo.

BELIEVE – CAMOUFLY

Il mondo dell’elettronica è ancora salvo: camoufly, tra i producer e dj più freschi del panorama attuale, torna un brano che sa di esplosione, ma anche di eleganza e poetica, elementi che lo contraddistinguono come unico nel suo genere. ‘’believe’’, come suggerisce il titolo. Credici.

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Disponibile il 4 luglio su tutte le piattaforme digitali e in radio “SPA o SPALLA”, il nuovo singolo dell’artista umbro Minimal. Il brano nasce in studio partendo da un sample di batteria e un riff di chitarra, con l’obiettivo di creare una traccia pop punk con un ritornello incisivo. La produzione è ispirata alla musica punk rock e pop punk dei primi anni Duemila, con elementi di innovazione per creare un ponte tra il passato ed il presente.

ASCOLTA IL BRANO: https://song.link/SPAoSPALLA

“SPA o SPALLA è semplicemente il giusto sostegno che si ricerca in un qualsiasi tipo di rapporto: una spalla su cui appoggiarsi, una spa in cui rilassarsi”. – Minimal.

CREDITS
Testo: Giulio Rossi
Produzione Artistica: Diego Ruco
Cori: Giulia Santacroce
Mix & Master: Alessandro Buraga – One More Dub
Label: Maionese Project
Distribuzione: Artist First
Artwork e foto: Costanza Romualdi

CHI È MINIMAL?

“Ho una visione semplice e minimalista della musica, quasi come se fosse un grande strumento astratto componibile e modellabile, che con piccoli schemi di gioco può far conquistare una partita intera”. Minimal è un cantautore di 27 anni che viene dal Centro Italia, dalla provincia di Terni. Conosce la musica quando è piccolissimo: da bambino inizia a studiarla dall’origine, dalla tradizione classica, e poi a scuola si appassiona al canto. Nel 2021 l’incontro con il produttore Diego Ruco segna un’importante svolta nel suo percorso: i due allestiscono uno studio di produzione e registrazione e si circondano di altre figure a loro complementari. Nasce il progetto “Minimal”. Nel 2023 escono i primi due brani, arrivando all’attenzione dell’etichetta Gotham Dischi/Orangle Records stipulando la prima distribuzione ufficiale. Con il brano “CASUAL” apre un format tutto nuovo – identitario – proponendosi come cantautore pop dalla penna vivace ma anche in grado di aprire e scomporre l’intimità del quotidiano. Seguono nel 2024 i brani “MERIDIANA” (sempre con Gotham Dischi), “GROOVE” e “CONTAGOCCE” (usciti con l’etichetta Rosoliera Records e distribuzione Altafonte) e intanto Minimal si sposta per l’Italia e partecipa a contest, suona un po’ ovunque: MEI di Faenza, Massive Art Studios di Milano, Teatro Nuovo di Pisa, Galleria delle Arti di Roma, Salotto Tevere, Piano Zero, Pierrot Le Fou; arriva in semifinale ai Next Music Awards e in finale al Festival di Gaggiano; la scorsa estate si ritrova a suonare in giro per Roma e per Bologna, partecipa ad open mic più svariati e apre anche ad artisti del calibro dei Nobraino e Dub FX. Con le sue ultime uscite, “AL MIO POSTO”, “LAYOUT” e “MOSAICI”, collabora con l’etichetta Maionese Project – Matilde Dischi (distribuzione Artist First) assumendo come manager la collega Miele e aprendo un nuovo grande ciclo che vedrà la luce nel 2025. Infatti, l’anno inizia nel migliore dei modi, Minimal oltre ai suoi giri di copertura fra open mic e date, riesce a portarsi a casa dei primi posti nella scena underground romana: Critical Flow, Zoobar (1° Classificato), Hidden Hits, Doom SoundClub (2° Classificato), Full Champion, Teatro lo Spazio (1° Classificato), BigUp, Hit Discoteca Viterbo (1° Classificato). Infine, la recentissima partecipazione alla prima giornata del Chroma Festival di Bastia Umbra (PG), dove si esibisce sullo stesso palco di Franco126, a cui apre il concerto.

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E se per un attimo tutto si fermasse e tornassimo a quando avevamo Vent’anni?, questa è la domanda, ma anche il bisogno, che si pone Seltsam con il suo nuovo brano, in uscita il 27 giugno per Honiro Label.

Tra sonorità pop e ritmiche che aprono all’estate, mentre tutti vivono le proprie routine lavorative e sociali e il caldo comincia a farsi sentire, c’è sempre un momento in cui si entra in quella ‘’voragine’’ di pensieri dove poter crescere: cosa ne sarà adesso dei sogni, di quei progetti assemblati da ragazzi su cui abbiamo riversato speranze e motivazione? E se ‘’la vita dei grandi’’ cambiasse il nostro spirito e non potessimo più tornare indietro? Da qui la necessità di ritrovare i ferma immagini del passato, di quando l’energia che pervadeva la giovinezza ancora non si scontrava con il duro realismo della società di oggi. Un po’ di nostalgia, un po’ di bei ricordi che ci distraggono e ci fanno stare bene. Tuttavia, ciò che forse non dobbiamo lasciare alle spalle è proprio la spinta che ci ha sempre guidato a realizzarci, che, in un mondo che lentamente si allontana dalla sua anima, restituisce ancora stupore e umanità.  “Il giorno prima della mia laurea ho visto tutta la mia adolescenza passarmi davanti agli occhi e salutarmi con il più bello degli abbracci mai visti. Tra dubbi, paure e insicurezza, ho conosciuto l’ansia di un futuro che arriva da un momento all’altro e che spesso non ci appartiene. Ho scritto quindi questa canzone non solo come ribellione ad un mondo che corre senza sosta, ma soprattutto per urlare alla mia generazione che abbiamo tutto il tempo di sbagliare e di godere i nostri 20 anni’’ – racconta l’artista.

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Con ”Sulla Strada”, il suo primo album solista, Solo Biasso firma un’opera cruda e sincera che affonda le radici nella tradizione boom bap, ma guarda con profondità al presente, alle solitudini e alle connessioni che ci definiscono. Il titolo omaggia Jack Kerouac, ma diventa anche metafora di un percorso artistico e umano costruito passo dopo passo, tra Roma, le amicizie, la musica, e una costante tensione verso il senso.
In questa lunga chiacchierata con Honiro, Solo Biasso racconta il cuore del disco: le influenze che lo hanno formato, i luoghi e le persone che lo hanno ispirato, l’importanza dell’intimità creativa e il valore del collettivo. Ne emerge un ritratto lucido e appassionato di un artista che non ha paura di stare “sulla strada”, né di raccontarla.

Il titolo del tuo album, Sulla Strada, richiama il celebre romanzo di Jack Kerouac. Cosa ti ha spinto a scegliere questo titolo e come si collega al tuo percorso artistico?

Il titolo ha almeno due origini: la prima, come dici tu, rimanda al famoso romanzo di Kerouac. Sulla Strada è forse il primo libro di “contro-cultura” che ho letto in vita mia, intorno ai 14-15 anni. Un romanzo scritto su un unico rotolo di carta lungo 36 metri, proprio per essere pensato a tutti gli effetti come una strada. Una strada, metaforica e reale, che allontana il protagonista dalla staticità della sua vita borghese proiettandolo in una dimensione di libertà apparentemente senza limiti. La strada percorsa dal protagonista è una specie di deserto mistico che diventa simbolo di tutto ciò che “sfugge” al controllo, un viaggio iniziatico che ha come solo scopo quello di non fissare mai una meta. Un annetto fa, durante un trasloco, mi è capitato di ritrovarlo e rileggerlo dopo quindici anni, ma nel farlo ho provato una sensazione di nausea, perché in qualche modo ci ho trovato dentro la stessa spasmodica e individuale ricerca di senso della mia generazione — ma soprattutto la stessa solitudine. Una fuga da un capitalismo ancora più estremo che in realtà rimane impigliata nello stesso verbo capitalista: “Solo da soli ci si può salvare”. Il secondo motivo per cui ho scelto questo titolo deriva invece da tutta una serie di coincidenze, una su tutte la collaborazione con Unblasfemo, unico feat. del progetto. Quando ci siamo conosciuti avevo da poco riletto il libro, e parlando del suo nome d’arte abbiamo scoperto di avere in comune questa passione per De André, e in particolare per l’album Non all’amore, né al denaro né al cielo, a cui si ispira il nome Unblasfemo. Parlando di quel disco, notavamo quanto il tema della strada e della marginalità accomunasse il rap e un certo tipo di canzone italiana. Così ci siamo detti di provare a creare un ponte tra il rap e uno dei pezzi più sperimentali — e, se vogliamo, “street” — che ha mai fatto De André: Un Ottico. In quel pezzo c’è una frase: “Vedo gli amici ancora SULLA STRADA, loro non hanno fretta.” Una frase che ho scritto a pennarello su ogni muro di ogni casa dove ho abitato e che per me simboleggia il valore del tempo e dell’amicizia. Come Kerouac e De André, la strada che ho voluto raccontare è innanzitutto un simbolo: un simbolo legato al gioco, alla libertà, allo scorrere delle cose e del tempo. Stare sulla strada è diverso dal camminare per strada: implica già non avere un controllo, come se fossero la strada e le cose a scorrere attraverso di te — ed è questo che fa un rapper quando fa rivivere in musica le proprie strade.
In che modo la scena rap romana ha influenzato la tua musica e la tua crescita come artista?
Da un lato penso che, nonostante abbia vissuto tutta la mia vita qui, ho davvero poco di romano: con padre brianzolo e madre di origine sarda ho masticato pochissimo accento e cultura popolare romana. Ma il rap ha compensato parecchio. Quello che ho sempre apprezzato della scena romana è il cosiddetto “cuore + cervello”: un tipo di rap senza fronzoli che mira sempre alla sostanza e mette la tecnica esclusivamente a servizio di essa. Se la cifra per definire un rapper forte all’epoca era la propria autenticità, i rapper romani erano davvero i più forti, per il senso di missione che mettevano nella penna e al microfono.
Penso a gente come Primo, Danno, più tardi Rancore e Noyz. Ho vissuto tante fasi e tante “chiuse”: il Truceklan alle medie, l’Xtream Team, i Cor Veleno e Rancore al liceo. Il mio quasi coetaneo Ketama più tardi. Tutti artisti di cui mastico a memoria l’intera discografia e a cui ho cercato di rubare ognuno qualcosa. Mi piace pensare la musica, e in particolare il rap, come il libro di Kerouac: un unico manoscritto infinito. Il rap, attraverso l’arte del campionamento, della citazione e della fusione di generi, ti fa calare in questo flusso unico dove tradizione e innovazione dialogano continuamente. Roma, in particolare, è una città fortemente identitaria ma che lascia anche molto spazio alla solitudine e alla ricerca di sè.

Il disco esplora temi di solitudine e crescita personale. Come hai affrontato questi temi nel processo creativo?

Come scrivo nel secondo pezzo dell’album, HH: “Ho sempre pensato contro me stesso, rappato contro me stesso”, per dire che quando mi metto su un foglio l’obiettivo non è combattere un nemico immaginario, ma in primis non avere pietà verso me stesso. Solo dopo essermi smontato posso pensare a eventuali nemici esterni. Grazie a Dio sono tutto tranne che una persona sola. Ho una famiglia frammentata ma numerosa, tanti amici veri, una ragazza stupenda. Ma la mia solitudine è sacra, ed ho sempre combattuto per strapparla al rumore dei giudizi altrui, all’eccessiva influenza del branco. Penso che la solitudine sia una condizione costitutiva di ogni persona, perché dentro sé stesso ognuno di noi è solo, e deve rispondere a delle domande che sono solo sue. Il rap è un ottimo mezzo per farci i conti, e per fare il punto con me stesso quando mi sento sopraffatto dal mondo. Quando cresci lasci un mondo protetto: quello della scuola, della famiglia, della comitiva e la solitudine forse si fa sentire di più ma lo stesso si può dire della vecchiaia e dell’infanzia. Esistono tanti tipi di solitudine e bisogna farsene carico perché l’altra faccia della medaglia, quella della compagnia “a tutti i costi”, a me fa molta più paura.

Hai dichiarato che ogni traccia è ispirata a una persona o un luogo specifico. Puoi raccontarci di più su questo approccio?

Quasi ogni traccia che scrivo segue un processo induttivo: parto da un particolare per arrivare ad un universale, a qualcosa che possa rimanere vero nel tempo — e magari non solo per me.
La passione per il rap mi ha portato da un certo punto in poi a pensare letteralmente in rima, e ad appuntarmi ogni cosa degna di nota che vedo o ascolto per strada, al bar o sulla metro.
Per molto tempo la mia produzione è stata caotica e figlia del mero impulso a scrivere.
Da un po’ di anni a questa parte, invece, scrivo sempre partendo da un tema, da una conversazione, da una frase o un pensiero che mi colpisce particolarmente.
Per fare un esempio concreto: uno dei primi pezzi dell’album, Prima Di Fare Il Cash, è stato scritto qualche giorno dopo che alla mia ragazza è stata sequestrata la patente.
In quei giorni — che sono diventati mesi — questo episodio l’aveva messa parecchio in crisi, facendola sentire limitata e trattata come una specie di criminale.
Quindi ho deciso di scriverle una specie di lettera, che poi è diventata quel pezzo lì.
Il messaggio che volevo imprimere era questo: non dare mai più potere all’autorità di quanto l’autorità se ne possa prendere da sola. Un po’ la stessa cosa che cantava Inoki in Non mi avrete mai: possono prendersi la tua patente, le tue canne, trattarti come un criminale — ma non dargli mai il potere di determinare la tua salute e la tua serenità.

La produzione del disco è caratterizzata da un sound boom bap arricchito da strumenti analogici. Come hai scelto i produttori con cui collaborare e quale atmosfera volevi creare?

Fin da quando ho cominciato ho fatto la scelta di collaborare solo con persone a cui sono legato da rapporti di stima o affetto — meglio se entrambi.
Ma ho aspettato quasi dieci anni prima di incontrare una persona che credesse in me: il primo è stato Dario Castelli, uno dei produttori del disco e mio ex coinquilino, che nel 2019 mi ha presentato Tak, diventato poi il mio socio storico in questi ultimi anni.
Con il tempo la cosa si è allargata ed ho iniziato a lavorare anche con Dario (fondatore del gruppo romano “Sinnerman”), che viene da mondi sonori completamente diversi, che per me all’inizio erano totalmente esoterici. La nostra affiliazione musicale è andata di pari passo allo sviluppo della nostra amicizia. In questo progetto si sono aggiunti anche Dario Migali e Giacomo Nardelli. Con il primo abbiamo già lavorato insieme in una realtà di gruppo che si chiamava Interferenzer, e che rappresenta il mio primo lavoro ufficiale (2020).
Con Nino invece — bassista degli Innacantina Sound, nonché della mia ragazza, anche lei cantante — ci siamo conosciuti quest’anno, ed è stato fondamentale nella direzione sonora di tutto il disco, in veste sia di bassista che di produttore.
Ogni produttore di questo disco rappresenta un’anima e mi ha messo in contatto con un lato diverso di me: Dario con la mia parte più introspettiva e sognante,Tak con la mia autostima generale, nell’essere stato il primo a farmi credere di poter fare seriamente questa cosa; è anche la persona che musicalmente mi conosce forse meglio. Nino con le mie radici “culturali”. Dario Migali con la mia rabbia più vera ed elementare.

Il brano Notti Belle è un omaggio all’amicizia. Come è nato questo pezzo e cosa rappresenta per te?

Questo pezzo nasce nell’autunno 2024, da una poesia di Cesare Pavese che si chiama Lettera a una ragazza. I primi versi riflettono quella che è la sua più grande paura di quel momento, che forse è anche quella di ogni persona che scrive: “Sai qual è il mio terrore? Svegliarmi un giorno e non avere più una poesia per te.” Che per è stato come leggere: “Sai qual è il mio terrore? Svegliarmi un giorno e non avere più l’anima.” Quando l’ho letta, questa frase mi è rimasta impressa per giorni come un monito, e mi ha fatto pensare in un colpo solo ai miei amici, alla mia ragazza, alla mia famiglia. Alle mie “responsabilità” nei loro confronti. Dopo giorni che ci ragionavo, ho iniziato anche io a pensare alle mie paure, e mi è venuto spontaneo canalizzare quei pensieri verso i miei amici d’infanzia che vedo tutte le estati in Sardegna, terra dei miei nonni, con cui tutta la mia famiglia ha un legame molto profondo. Si tratta di una colonia, più che di una comitiva di amici, perché i nostri stessi genitori e nonni erano anche loro amici sin da bambini, e ci hanno concepiti praticamente tutti nello stesso momento.
Ho avuto la fortuna di crescere insieme a loro e di passare estati meravigliose in loro compagnia. Ma, com’è normale, quando si cresce ciò che divide è sempre di più di ciò che unisce, e non è semplice restare vicini quando ognuno ha preso una strada completamente diversa. Notti belle nasce pensando a quei momenti di pura spensieratezza che forse non torneranno mai del tutto, ma sono pur sempre dentro di noi — e ogni tanto vengono risvegliati da una festa, da un momento di unione senza pretese. Quando scrivo cerco sempre di parlare con la parte più intima di me e degli altri, quella che resiste al tempo e alle sovrastrutture.
Ho scritto questo pezzo col cuore, pensando agli scalini del bar dove ancora ci sediamo a fumare, alle sere in macchina girando senza una meta, alle estati da bambini che duravano tre mesi. In poche parole, a quelle “Notti belle senza la brama di arrivare a niente.”

Il tuo nome d’arte, Solo Biasso, riflette un progetto solista. Come concili la solitudine del percorso artistico con la collaborazione con altri artisti?

Per me è importante coltivare entrambe le sfere: quella della solitudine e quella della condivisione. Dalla prima deriva la concentrazione e la ricerca della propria unicità; dalla seconda, il confronto che ti permette di evolvere e di godere di quello che fai. È una banalità, ma credo anche io che la felicità sia tale solo se condivisa. Allo stesso tempo, avere complicità con se stessi e non fluttuare in base al giudizio degli altri, è altrettanto importante.
La mia è sicuramente una musica che nasce dalla solitudine, ma se sono musicalmente cresciuto più negli ultimi due-tre anni che nei primi dieci di pseudo attività, lo devo solo agli incontri che la musica mi ha permesso di fare. Sia nella solitudine che nel branco tutti corriamo il rischio di spersonalizzarci, ed è difficile trovare un equilibrio.
Il mio l’ho cercato restando sempre ai margini di ogni gruppo che ho frequentato, investendo molto nei rapporti individuali — cosa che ancora oggi mi permette di avere più nuclei affettivi, senza mai sentirmi schiacciato su una logica di gruppo.

Guardando al futuro, quali sono i tuoi prossimi progetti musicali e come pensi di evolvere come artista?

A proposito della domanda precedente, posso già dire che rispetto a questo i miei progetti futuri saranno tutti lavori collettivi — e sono già in fase di elaborazione.
Per quanto riguarda la mia evoluzione, mi rendo conto di avere ancora tanti limiti da superare, ma anche di avere l’attitudine giusta per imparare qualcosa di nuovo da ogni persona e situazione che incontro. Non mi spaventa il confronto, la critica, il biasimo del pubblico.
Molto di più l’accondiscendenza, o la gentilezza facile.
Non so in che direzione andrà il mio percorso, sinceramente. La mia evoluzione dipenderà da me, ma soprattutto dagli incontri che farò da qui in avanti.
Da come saprò lasciarmi permeare positivamente da chi ha qualcosa che io non ho — e viceversa. Negli ultimi anni ho iniziato a lavorare con dei pischelli più piccoli, che mi stanno insegnando tantissimo, e con cui ci completiamo a meraviglia. Col tempo mi auguro di condividere anche un po’ più di responsabilità, e smettere di accollarmi tutto da solo. Perché già scrivere un disco è una fatica, ma non è neanche l’1% di quello che poi serve per rendergli giustizia e farlo vivere veramente. L’anno prossimo vedrà la luce anche un disco in duo con Dario Castelli — che sarà una cosa aliena rispetto a tutto quello che ho fatto finora. Ma non anticipo nulla, perché stiamo ancora nel pieno del lavoro.

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La cruda legge della ‘’trappola’’ secondo la Gotti Mafia, il primo producer album di Youngotti, in uscita il 9 maggio per Honiro Label.

Trap culture, sonorità distintive e la ‘’fame’’ di un mondo musicale che ha qualcosa da raccontare, tra lati di vita estrema e necessità di non perdere la propria attitudine. Questi sono i comandamenti cardini del disco di Youngotti, produttore eclettico e ben navigato in atmosfere dark, cupe, dove non esiste una legge morale, un giusto e sbagliato che governano la realtà, ma la realness della vita di tutti i giorni, nel bene o nel male.

E a dar voce alla narrazione corale troviamo nomi che riescono a ben rappresentare non solo il suo leitmotiv, ma che hanno lasciato e stanno lasciando anche un segno indelebile nell’avvenire dell’urban sempre più rinnovato e complesso. 

Tracklist:

1 – Gucci Mane ft. Zep Dembo

2 – Wuh Wuh ft. Raspyy, Flaco G, KFresco

3 – Moltiplicarli ft. Side Baby, Vaz Tè

4 – Attico ft. Disme

5 – Skeleton ft. Rayan, Intifaya

6 – Gorilla ft. Baby Kirua

7 – Total 90 ft. Zep Dembo, Ne*ro

8 – Mafia ft. Raspyy

9 – Oxy ft. Scaccia

10 – Schiacciaratti ft. ODT

11 – Coast To Coast ft. Enzo Benz

12 – Zombie ft. Gizy, BabyRich

13 – Panette ft. Chicoria

Come ci racconta l’artista: ‘’In ”Gotti Mafia” ho cercato di unire identità differenti, figure istituzionali e nuove leve del mondo trap, portando il mio punto di vista sulla scena e creando un vero e proprio incontro generazionale nella musica. Non è stato semplice mettere d’accordo più artisti con stili diversi, ma il risultato finale mi rende orgoglioso e consapevole che il futuro del genere è in mano a persone talentuose che possono portarsi sulle spalle un’urgenza espressiva e un linguaggio in continuo cambiamento’’. 

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REBECCA ANTONACI aggiunge un ulteriore tassello al suo percorso musicale, sarà
infatti disponibile dal 28 giugno il suo nuovo singolo “IMPOSTORE”(Honiro Label).

Per REBECCA, questo brano è un modo di raccontare una sensazione che probabilmente
molti di noi hanno sperimentato nella vita. L’essere convinti di aver raggiunto dei traguardi
per casualità o addirittura fortuna, una percezione di inadeguatezza che spesso si insidia
nei nostri pensieri senza una motivazione precisa, il costante timore di non essere
all’altezza di qualcosa o di qualcuno e la tendenza a sottovalutare le proprie capacità,
questa è la cosiddetta “sindrome dell’impostore” che l’artista ha deciso di descrivere in
musica.

“Spesso ci ritroviamo a frequentare persone con cui magari non ci sentiamo nemmeno
particolarmente bene o a nostro agio solo perché pensiamo di non meritare di meglio,
questo è solo uno degli esempi di come la sindrome dell’impostore si materializzi nella
quotidianità di chi la sperimenta. Spesso questa ti porta a sentirti fuori luogo, ti lascia
addosso un senso di incertezza e oppressione ma, allo stesso tempo, è anche la scintilla
grazie alla quale possiamo imparare a comprendere il nostro vero valore, le nostre qualità
e capacità”
Racconta REBECCA

“Impostore” continua il filone narrativo e musicale inaugurato da “Inettitudine”, singolo
di REBECCA pubblicato lo scorso 3 maggio con il quale l’artista ha voluto accendere i
riflettori su un momento della vita particolarmente importante: il passaggio dall’adolescenza all’età adulta.

All’interno di entrambi i brani emerge la riconoscibile cifra stilistica di REBECCA,
evidenziando così come l’artista sia pronta a lasciare il proprio tratto distintivo nell’universo
musicale, delineando una personalità artistica sempre più nitida e interessante nel
panorama italiano.

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Si intitola “Fantasmeado” il nuovo singolo di elito distribuito da The Orchard e disponibile
su tutte le principali piattaforme digitali con il sostegno del MiC e di SIAE, nell’ambito del
programma “Per Chi Crea”.

All’interno di questo brano si possono scorgere diverse influenze musicali, si intrecciano
tra loro infatti una cifra stilistica caratteristica dell’indie, sonorità latine e impronte tipiche
dell’urban. “Fantasmeado” è un pezzo sincero, autentico, tramite il quale elito ha deciso di
dare voce ad una situazione che, probabilmente a molti di noi, è capitato di vivere: l’essere
ghostati. Il singolo infatti si disegna attorno al racconto di una storia d’amore durante la
quale, tutto d’un tratto e senza preavviso, l’altra persona decide di allontanarsi, lasciando
così a chi l’aveva amata solamente molti dubbi e domande riguardo questa sua scelta.

Chi meglio di elito poteva raccontarci questo brano? Noi di Honiro Journal lo
abbiamo intervistato!

Il titolo di una canzone, molto spesso, è proprio un biglietto da visita del testo del
brano e del contenuto del singolo stesso. Come mai la scelta è ricaduta proprio su
“Fantasmeado”?
Mi piaceva l’idea di tradurre in spagnolo il termine “ghostato” e quindi l’idea è partita proprio da lì!

Nella tua vita hai viaggiato moltissimo, visitando e vivendo in moltissimi nuovi
luoghi e incontrando moltissime culture diverse tra loro, volevo quindi chiederti in
che modo questo abbia influenzato la tua musica, la tua identità artistica attuale e in
particolare questo brano.
Sicuramente le mie origini sono ancora molto presenti nella mia dimensione musicale, la
mia città mi ha influenzato particolarmente, a casa mia inoltre la musica è sempre stata un
aspetto fondamentale della quotidianità, mamma e papà mi hanno avvicinato a questa
passione fin da piccolo, questo mi ha incuriosito e portato ad approfondire questo mondo.
Per quanto riguarda invece le mie influenze a livello europeo sicuramente mi piace e
ascolto molto la musica spagnola e la musica italiana, ho iniziato inoltre a percepire la
necessità di scrivere testi proprio in italiano, cosa che non pensavo sarebbe mai successa!

Come mai l’idea di affrontare proprio questa tematica all’interno di un singolo?
L’idea del singolo nasce dalla volontà di raccontare una mia esperienza personale, penso
che prima o poi, purtroppo, sia capitato a tutti (o comunque a tanti) di essere “ghostati”.
Credo che per le persone che sono solite ghostare questo comportamento rappresenti una
via d’uscita, la scelta più facile, eppure per chi sta dall’altra parte non è altrettanto
semplice comprenderne le motivazioni.. Onestamente preferisco sempre avere un
confronto, anche se questo significa sentirsi dire dei no. Questo singolo è quindi ispirato
ad un aneddoto vero!

Nel comunicato stampa si legge come questo sia un brano molto sincero, quanto è
importante per te, nella musica, essere autentico al giorno d’oggi?
Credo sia particolarmente importante, soprattutto quando qualcuno, tramite il suo lavoro o
la sua passione, comunica ad un pubblico. È importantissimo però essere anche sinceri
con se stessi, secondo me dovremmo imparare a fare le cose più per il piacere e la felicità
di farle, senza pensare troppo al fine o ai risultati.

Ti andrebbe di raccontarci il processo creativo di questo pezzo a livello di sound?
Quasi tutti i miei brani partono da una demo chitarra e voce che poi si sviluppa in qualcosa
di più articolato. Volevamo creare qualcosa che fosse caratterizzato da un suono fresco,
delle vibes che facessero ballare, con la presenza di delle percussioni, nonostante la
tematica trattata nel testo del brano abbia in realtà un retro pensiero più riflessivo.

Ci anticiperesti i tuoi programmi per il futuro? Questo singolo farà parte di un
progetto più ampio?
Fantasmeado sarà all’interno dell’album che uscirà prossimamente, che sarà anticipato da
altri singoli!

E’ inoltre disponibile sul canale YouTube dell’artista il videoclip di “Fantasmeado”(diretto da Colibree) grazie al quale elito sottolinea la narrativa del brano, esprimendo non solo in musica ma anche tramite fotogrammi il concept creativo di questo suo nuovo singolo.

L'articolo elito ci racconta il suo nuovo singolo “FANTASMEADO” proviene da Honiro.it.

“Difendimi” – distribuito da Artist First – è il terzo singolo e anche il nome del primo Ep di PAOLA PIZZINO, nuova voce femminile dell’etichetta Macro Beats.

Con “Logico” e “Favole” che hanno fatto incetta di pareri molto positivi da parte degli addetti ai lavori e non, PAOLA PIZZINO chiude la sua trilogia di singoli con “Difendimi”, brano che ci permette di scoprire il personalissimo concetto di “R&B” dell’artista.

“Difendimi” è un ipnotico flusso di coscienza, canoro e sonoro, in cui la fine di una storia è soltanto un pretesto per rivelare le proprie debolezze più intime. Prodotto, ancora una volta, da gheesa & Macro Marco, il brano esalta le doti canore di PAOLA PIZZINO e la conduce ad un livello superiore, in un iperuranio fatto di emozioni che scaldano il cuore.

Questo brano è capace di mostrare anche le motivazioni per cui ci si allontana, ma lo fa in un modo quasi ortodosso per i tempi che corrono, ossia con l’auspicio che entrambe le parti in causa siano capaci di comprenderne e coglierne il senso. La capacità di andare oltre la momentanea rabbia che sfocia in delusione, ascoltando un brano che altro non è che una confessione a cuore aperto che strizza l’occhio al passato e lo fa per tenerne vivo il bello, senza lasciare spazio alcuno alla negatività.

“Difendimi” è quel momento in cui si prende consapevolezza che qualcosa è andato storto ma al tempo stesso si ringrazia che ci sia stato, come se fosse una teca dove conservare qualcosa di prezioso e difenderlo dalle intemperie dell’anima.

Come per “Logico” e “Favole“, anche “Difendimi” è accompagnata da una tanto intima quanto energica versione “Unplugged”, formula che caratterizza l’artista calabrese in tante delle sue performances dal vivo.

PAOLA PIZZINO è una giovane cantautrice calabrese classe ’96. Studentessa di Medicina e giocatrice di basket, si appassiona alla musica suonata, come tanti, grazie all’ascolto di alcuni capisaldi del cantautorato italiano e di classici internazionali. Impugna la chitarra già da giovanissima e, dopo un percorso di studi presso il conservatorio di Cosenza, inizia a comporre le sue prime canzoni. Trova nella dimensione “chitarra e voce” il suo habitat naturale ed inizia a suonare, prevalentemente cover, nel circuito di locali della sua città, Cosenza. Si fa subito notare ed inizia una intensa attività di performances dal vivo, andando ad inserire in scaletta, sempre di più, suoi brani inediti. Si esibisce in vari appuntamenti di rilievo (es: Be Alternative Festival, Mood Summer) grazie alla stretta collaborazione portata avanti con l’associazione Be-Alternative. Nel 2023, dopo l’incontro con l’etichetta Macro Beats, si prepara al suo debutto discografico.

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Con la pubblicazione dei due singoli “PAPI” e “NOBODY”(M.A.S.T./Believe Digital), DARRN ha trascinato l’ascoltatore in un vero e proprio viaggio introspettivo all’interno del suo universo musicale.

Grazie a questo suo nuovo brano, Dario Schittone, questo il nome all’anagrafe dell’artista, vuole raccontare come, per cambiare ciò che ci circonda non sia sempre necessario cambiare anche noi stessi, ma si possa anche semplicemente esplorare una nuova versione della propria personalità, resettando la negatività del passato.

Chi meglio di DARRN poteva raccontarci “NOBODY”? Noi di Honiro Journal lo abbiamo intervistato!

DARRN, essendo la prima intervista con Honiro Journal inizierei chiedendoti da che idea nasca il tuo nome d’arte

Ho dei cugini americani, lo zio di mio padre si è trasferito anni fa negli USA.Quando a 17 anni sono andato per la prima volta a trovarli per loro era strano chiamarmi “Dario” e la pronuncia americana li portava a pronunciare il mio nome “Darren” perché lo adattavano automaticamente alla loro lingua. Sono stato lì quasi due mesi, questo mi ha portato ad abituarmi ad essere chiamato con questo nome e così, quando sono tornato in Italia, ho voluto che diventasse anche il mio nome d’arte.

All’interno del comunicato stampa si legge come, tramite questo singolo, tu voglia “resettare il passato”. Dimenticare del tutto il nostro passato è forse impossibile poiché è parte della nostra storia e, molte volte, è proprio ciò che ci ha dato l’opportunità di arrivare ad essere chi siamo. Credi si possano trarre anche aspetti positivi dal proprio passato?

All’interno del singolo affermo di non essere cambiato, di voler semplicemente resettare il mindset, le abitudini. Ognuno di noi, negli anni, ha avuto momenti in cui performava di più e momenti di difficoltà. A volte la vita, a causa ti tanti motivi o avvenimenti, ti porta a modificare alcune abitudini, io ad esempio non sono cambiato, ho semplicemente iniziato a fare musica con una nuova mentalità, molto più propositiva e anche più curiosa.

Un ulteriore punto chiave del singolo è senza dubbio il desiderio di ritrovare l’amore per se stessi. Solitamente l’amore viene sempre raccontato nelle vesti di un’emozione che dedichiamo ad un’altra persona, a qualcuno di esterno a noi, come credi invece si possa imparare ad amare anche se stessi?

Questo è l’aspetto su cui ho lavorato maggiormente negli ultimi due anni. Inizialmente davo tante cose per scontate, poi sono ripartito da me stesso, ho voluto incominciare a mettermi in dubbio, non mi piaceva accettarmi semplicemente per ciò che ero. A volte, a causa di tantissime motivazioni diverse ed intrecciate tra loro, paradossalmente iniziamo ad apparire anche in un modo che non ci rappresenta. Nell’ultimo anno e mezzo sono successe molte cose, mi sono trasferito da Roma a Milano perché ho voluto cambiare aria, soprattutto per quel che riguarda l’aspetto musicale. La musica non sono solamente le canzoni, ma anche come vivi, il mindset, l’ambiente in cui sei. Io ho sempre fatto musica per sperimentare, per stare bene con me stesso, a Roma ero molto ispirato ma mi accorgevo facilmente di come, rimanendo lì, impedivo ad un determinato flusso dell’universo musicale di toccarmi. Qui a Milano invece entri costantemente in contatto con realtà, musicisti e tanto altro, è molto stimolante tutto ciò.

Ascoltando il singolo e leggendo il comunicato stampa si comprende la tua volontà di resettare la negatività. Come pensi che la musica possa aiutarci in questo e, in particolare, in che modo la tua musica vuole aiutare in questo?

Questa domanda mi piace molto perché spesso mi chiedo a cosa serva o comunque quale sia il senso della mia musica, in che modo le mie canzoni si differenzino dai brani di altri. Penso che la differenza risieda proprio nel processo creativo, nella genesi della musica. Personalmente ho sempre lavorato d’improvvisazione, dando vita a testi e singoli in modo estremamente spontaneo. Anche le persone con cui collaboro sono molto autentiche in questo, penso quindi che il punto forte di ciò che faccio sia l’emotività, il mio desiderio con la musica di andare a scavare, anche grazie alla prosa non solo grazie alla voce, nel vissuto di chi mi ascolta.

All’interno del videoclip del brano, si nota subito l’ambientazione in un teatro. Ha un significato particolare per te, vuole essere una metafora per comunicare qualcosa di specifico?

L’idea di questi drappi è nata grazie all’immaginario di un piccolo palcoscenico, ho voluto appositamente che fosse un’ambientazione intima e non un grande teatro per trasmettere l’idea di una metafora molto più introspettiva. La scelta del palcoscenico vuole rappresentare come, simbolicamente, siamo sempre noi stessi ad essere il nostro pubblico, siamo proprio noi in primis a giudicare, bene o male, il nostro valore. Credo che le migliori idee siano spesso generate dall’istinto, dalla spontaneità. A questo bisogna sempre associare un processo creativo, ma non bisogna nemmeno mai dimenticarsi di mettere il cuore in ciò che si fa.

Sappiamo che con NOBODY continua il tuo viaggio introspettivo iniziato in PAPI. Ti andrebbe di anticiparci liberamente qualcosa riguardo i tuoi obiettivi futuri? Questi due singoli faranno parte di un progetto più ampio?

Il 2024 è iniziato con un progetto già concluso a livello di processo creativo ma ancora inedito per quanto riguarda la pubblicazione. Poi un domani, magari in autunno, mi piacerebbe anche far uscire un disco in inglese. Mi affascina l’idea, ovviamente con le dovute tempistiche, di attraversare anche un periodo di maggior respiro internazionale.

L'articolo DARRN ci racconta il suo nuovo singolo “NOBODY”: “Ho voluto che questo brano fosse un viaggio introspettivo” proviene da Honiro.it.

Ambaradam è il nome del primo singolo nato della collaborazione tra Bruno Bug, Rimshot e Smooveflex, uscito per Young & Handsome, la nuova divisione di Just Entertainment, pronta a fare da punto di ritrovo per la creatività emergente. 

Il brano si intitola “Ambaradam”, come mai proprio questo nome? Da dove nasce l’ispirazione per questo titolo?
Ambaradam è un pezzo nato dall’esigenza di fare musica per divertimento, senza badare troppo a mandare un messaggio

Volendo invece tornare un attimo indietro nel tempo precedentemente alla pubblicazione di questo brano, vi andrebbe di raccontare ai vostri lettori come è iniziata la vostra collaborazione?
Bruno Bug : io e Rimshot ci conoscevamo già, facevamo freestyle assieme sporadicamente nel barese. Quando ci siamo rivisti dopo diversi anni abbiamo scoperto che ci stavamo “nutrendo” delle stesse influenze musicali, per cui la collaborazione è nata spontaneamente. Rimshot mi ha presentato Smooveflex : c’è subito stata intesa e siamo diventati ottimi amici oltre che colleghi. Marco mi ha dato una prospettiva e un sound che prima non avevo.

Nel comunicato stampa di questo vostro singolo è raccontato il vostro desiderio di portare nel panorama musicale italiano un sound innovativo. In cosa volete che si differenzi la vostra impronta artistica dal resto della scena? Quali sono le novità che vorreste introdurre?
Crediamo che per il pubblico italiano (ma anche gli artisti stessi) sia oggi più che mai importante mettere il naso fuori dal panorama musicale italiano e annusare sonorità diverse (che per l’Italia possono sembrare innovative, ma che all’estero non lo sono affatto). L’idea iniziale era di riproporre in Italia la UK Garage, ma Smooveflex ha convogliato anni di ascolto di sound freschi e differenti in un suono che (ascoltando il disco scoprirete) essere solo nostro.

Sappiamo inoltre che questo non sia un singolo isolato, ma il tassello iniziale del vostro percorso musicale. Quali vorreste che fossero i fondamentali di questo vostro viaggio? Che messaggi vorreste trasmettere tramite la vostra musica?
“Se non vi divertite a fare musica, come pretendete che il pubblico si diverta ad ascoltarla ?”. Noi 3 siamo dell’avviso che l’ideazione e la creazione del prodotto debbano essere interessanti almeno il triplo della sua vendita. 

Vi va di anticiparci liberamente qualcosa rispetto i vostri prossimi progetti o, più in generale, i vostri obiettivi futuri?
Il nostro obbiettivo è di portare il nostro progetto in tutti i club d’Italia!

Prima di concludere un’intervista, solitamente domando sempre se c’è qualcosa che non vi ho chiesto (su questo brano, sulla vostra musica, su di voi…) che però vorreste che i nostri lettori sapessero
Non ci hai chiesto in quanto tempo nascano le nostre tracce. Con le giuste motivazioni potremmo chiudere un disco alla settimana, trust me…

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“Meglio Di Ieri” è il nuovo singolo di Lolita, disponibile su tutte le piattaforme digitali da venerdì 24 novembre per Island Records/Universal Music Italia.

“Meglio Di Ieri” aggiunge un tassello inedito al percorso musicale di Lolita che in questo brano racconta una relazione volta al termine con estrema delicatezza. L’artista svela un nuovo lato di sè, più dolce e intimo, avvolta in atmosfere di altri tempi e caratterizzata dalla forte femminilità che la contraddistingue.

Lolita crea in questo brano un perfetto equilibrio tra modernità e passato, in cui innovazione e classicità riescono ad essere bilanciati e valorizzati. All’anagrafe Ilenia Filippo, LOLITA, dopo aver partecipato alla nona edizione di X Factor ed essere stata finalista nel 2019 di The Voice of Italy, entra a far parte del roster di ALLDAY e pubblica il singolo omonimo “Lolita” che la consacra come esponente del pop alternativo italiano. Definita da MTV “la Lana del Rey italiana” pubblica successivamente tre singoli che raggiungono milioni di views e streams. Nel 2021 pubblica i brani “Regina” e “Minuetto” che consolidano l’immaginario di Lolita. Nel 2023 l’artista firma con Island Records e pubblica venerdì 3 marzo “Comprami”, seguito dal brano “Daddy Italiano” in collaborazione con Guè

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“SI M’ANNAMMOR’” (Asino Dischi distribuito da The Orchard) è il nuovo singolo di Gabriele Esposito fuori da venerdì 22 settembre su tutte le principali piattaforme digitali.

Un brano leggero e spensierato caratterizzato dal suono di un semplice ma efficace riff di chitarra, tipico di Gabriele, che accompagna l’ascoltatore all’interno del brano in un insieme di melodie distese ed energiche in cui l’artista racconta la paura che si prova nella fase dell’innamoramento.

“Si m’annammor nun pare ‘a vita mí, m’aggio ‘mparato comme se fa a suffrí”. Le cose più
belle, come innamorarsi, sono spesso quelle che ci fanno più paura. Amare ci rende
vulnerabili, ci cambia al punto di non riconoscerci più e di non riconoscere la vita alla quale
eravamo abituati”
commenta Gabriele Esposito

Il singolo arriva dopo aver ricevuto il “XXIII Premio Massimo Troisi” per la folgorante e coinvolgente ascesa artistica, il tour estivo che ha toccato oltre venti città italiane, l’uscita del brano “ARET ‘A ‘NU PENZIERO” con cui ha vinto il Premio Franco Del Prete (miglior testo in lingua napoletana) e il singolo “L’UNICA” che ha riscosso un grande successo tra il pubblico, che si è identificato nel racconto di questa ballad romantica, totalizzando oltre un milione e mezzo di stream. L’artista, nel corso della sua carriera, ha sempre sperimentato, reinventando nel suo stile tipico brani di artisti celebri come la cover di “Me staje appennenn’ amò” di LIBERATO con più di due milioni di stream e la pubblicazione sui social della cover in dialetto napoletano di “Tango” di Tananai ottenendo, in pochi giorni, oltre un milione di visualizzazioni.

Gabriele Esposito è un cantante e cantautore italiano nato a Napoli nel 1998. A soli 17 anni partecipa alla decima edizione di XFactor, esperienza che lo fa conoscere al grande pubblico. Intraprende poi un tour acustico suonando tra le strade delle principali città italiane incontrando il favore del pubblico che lo aiuta, tramite una raccolta fondi su MusicRaiser, a realizzare il suo primo EP in inglese “Mindindividual 2.0”. Le sue influenze musicali spaziano da John Mayer, passando per Frank Ocean arrivando a Pino Daniele. Nel 2017 decide di ritentare l’esperienza del talent show e si presenta a XFactor con l’inedito “Limits”. Gabriele
poi torna alle sue radici, inizia a scrivere canzoni in dialetto napoletano e pubblica il singolo “Napoli lo-fi” che riscuote l’approvazione del pubblico. L’artista continua ad esibirsi in strada, scegliendo i luoghi a cui si sente più legato. Tra questi: Salerno, Cava dei Tirreni, e soprattutto Napoli, più precisamente in Via Scarlatti. Nel 2022 pubblica un EP che prende il nome appunto da “Via Scarlatti” composto da cinque brani di artisti napoletani. L’EP riscuote un successo enorme. Raggiunge più di un milione di streaming in pochi mesi e portando Gabriele in giro per l’Italia nel suo “Love Napoli Live”. Il 22 dicembre dello stesso anno esce “L’UNICA”, una ballata romantica in napoletano, che parla di un amore semplice, ma allo stesso tempo speciale, unico. Ad un mese dalla sua uscita il brano ha totalizzato più di 200k di streaming. Raggiunge la quinta posizione in “Viral 50 Italy” su Spotify con tanto di copertina su “Napoli Centro”, prima playlist di Spotify per la musica napoletana. Attualmente Gabriele è a lavoro su nuovi brani, il 26 maggio è uscito il singolo “ARET ‘A ‘NU PENZIERO” e il 22 settembre pubblicherà il brano “SI M’ANNAMMOR’”.

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Dal 16 giugno è disponibile su tutti i digital stores “DIMMI” il singolo della cantautrice romana LUDOVIQUE. Prodotto ma Mr. Brux e co-scritto da Martina May e Francesco Sponta, il brano rappresenta il simbolo della rinascita artistica di LUDOVIQUE, dipingendo in musica un’esperienza da lei realmente vissuta.

Chi meglio dell’artista poteva raccontarci questo singolo? Noi di Honiro Journal l’abbiamo intervistata!

Volendo iniziare questa intervista parlando proprio del titolo del brano, quando si ascolta il singolo, “DIMMI” sembra un desiderio, una richiesta, dimmi cosa pensi, dimmi le tue idee, parlami. Quanto è importante per te, in una relazione, nella musica o più in generale, la comunicazione?

E’ veramente fondamentale. Mi ritengo una persona particolarmente diretta e mi fa piacere comunicare con chi ho davanti, sapere cosa pensano le persone. Tramite la musica ho voluto quindi raccontare quanto mi faccia soffrire quando chi ho accanto, che sia un parente, un amico o un amore, non comunica. Questo singolo infatti, ha rappresentato per me il posare su carta un mio sfogo personale, l’ho scritto assieme a Martina May e Francesco Sponta, co-autori con cui condivido un forte legame di amicizia oltre che lavorativo. Proprio per questo motivo il testo del singolo ha preso vita come fosse una conversazione molto spontanea con i propri amici, il brano è proprio la ricerca di un confronto, il racconto del desiderio di sapere le cose come stanno.

“Quando stiamo insieme, pensa a farmi stare bene”. Quali sono, secondo te Ludovique, gli aspetti principali che ci fanno comprendere di sentirci veramente bene con una persona?

Nel singolo parlo della storia e del percorso di un amore al capolinea. Con questa frase quindi, volevo raccontare la fase finale della relazione. Ero stanca e mi accorgevo sempre più di come il nostro rapporto non stesse intraprendendo una vera e propria strada. Ciò che mi convinceva a rimanere con questa persona era il fatto che, in alcuni momenti in cui stavamo insieme, stavamo veramente bene. Se dovessi rispondere a questa domanda facendo riferimento alla mia esperienza personale, io mi reputo, proprio per la natura del mio carattere, una persona di indole buona, generosa, sensibile, ciò che mi ha fatto comprendere che ci fosse un legame forte era il fatto che, con lui, condividessi anche la passione per la musica, che è l’aspetto della mia vita che, personalmente, credo più vicino alla mia essenza. È stata la prima volta in cui è successo che io veramente dedicassi la mia anima a qualcuno.

“La ragione per cui noi non ci lasciamo in pace, e che ci spinge a continuare” dove possiamo trovare un motivo per andare avanti, per non lasciare svanire tutto ciò che abbiamo costruito? Che sia nell’ottica di una relazione, di un’amicizia, di una passione, di un obiettivo in generale?

Nella canzone racconto come io mi sia trovata in quello che molti chiamerebbero un “triangolo amoroso”, una situazione sentimentale che non mi piaceva. Allo stesso tempo però, ero veramente innamorata di lui e quindi era difficile per me, emotivamente, allontanarmi da un momento all’altro. Non mi ero mai trovata in una dinamica simile e quindi inizialmente avevo deciso di non voler lasciare andare la persona che amavo. Poi però, ho imparato a scegliermi, ho capito come io avessi messo in secondo piano il mio bene per rimanere attaccata al sentimento che provavo. Con questa decisione in realtà, all’inizio non ci si sente meglio, ma poi, quando ci si accorge di aver scelto la propria felicità veramente si rinasce.

Ludovique, a proposito di questo, tu stessa racconti che il brano sia stato per te una vera e propria rinascita artistica. Da cosa deriva l’esigenza di rinascere, e come si può avere il coraggio alcune volte di fare questa scelta?

Ho sempre amato la musica, ma tempo fa mi è capitato di sentirmi persa, di non essere convinta del percorso che stavo intraprendendo. Il momento in cui ho scritto questa canzone ha rappresentato per me una vera e propria rinascita perché il brano è il simbolo del mio sblocco emotivo e artistico. Credo che gli avvenimenti che inizialmente pensiamo come “negativi” o “scoraggianti” possano in realtà essere un arricchimento personale. Ovviamente non avrei mai voluto vivere la sensazione di avvertirmi persa, o il dubbio che non sarei riuscita a trovare la strada giusta, ma proprio questo mi ha poi aiutato a creare quella che adesso è la mia identità stilistica, che è quindi nata grazie ad un momento difficile. Alla fine, spesso, è dalle esperienze tutt’altro che semplici che inizia una nuovo viaggio, quindi ho imparato a vivere questi momenti come una motivazione ed una carica, pensando sempre che magari mi stiano trasmettendo un insegnamento che, con il tempo, capirò essere stato importante per me.

L'articolo LUDOVIQUE racconta il suo singolo “DIMMI”: “Questo brano rappresenta la mia rinascita” proviene da Honiro.it.

Dopo quasi vent’anni dalla pubblicazione di “60HZ”, progetto estremamente importante per la carriera di Dj Shocca, e dopo aver collaborato con delle pietre miliari del genere come Special Teamz, Club Dogo, One Mic, Bassi Maestro, Emis Killa, Inoki, Colle Der Fomento e molti altri, il producer è tornato con un nuovo album unico nel suo genere che segnerà anche il rilancio della storica etichetta underground Unlimited Struggle. 

“Sacrosanto” è arricchito dai featuring con Danno, Egreen, Emis Killa, Ensi, Frank Siciliano, Gemitaiz, Ghemon, Inoki, Kaos, Madbuddy, Mattak, Mistaman, Mostro, Nerone, Nitro, Sissi e Sottotono che con le loro rime autentiche impreziosiscono il disco unendosi perfettamente al sound inconfondibile dell’artista che ha saputo dare un sapore classico e senza tempo a tutti gli otto brani che vanno a comporre l’album.

Un progetto che contiene tutti gli elementi distintivi dell’hip hop underground, composto da beats originali, produzioni ricercate e varie collaborazioni che vanno ad arricchire l’album, capace di accompagnare l’ascoltatore in un viaggio sonoro che trasporta il rap classico nella contemporaneità.

Chi meglio di Dj Shocca poteva raccontare a noi di Honiro Journal questo nuovo progetto?

Sappiamo che questo tuo album arriva a circa 20 anni dalla pubblicazione di un altro progetto molto importante per la tua carriera. C’è una sfumatura di “60 Hz” che possiamo ritrovare anche in questo nuovo disco? O un aspetto particolare di quegli anni che tuttora continua a vivere nei tuoi progetti?

Troverete al 100% un filo conduttore. Il mio desiderio di esprimermi, la mia voglia di trasmettere non sono mai sparite, sono rimaste tali e quali. Il suono lega tutte le tracce all’interno del disco, creando un album omogeneo a livello di sound, nelle lyrics invece, viste le collaborazioni, ovviamente c’è molta eterogeneità. Ciò che secondo me traspare dall’album è la stessa visione di “60Hz”, però con un dettaglio molto importante, ovvero l’assenza di nostalgia. Questo album infatti vuole guardare e muoversi in avanti, riprende l’impianto artistico di “60Hz” ma ci sono delle innovazioni musicali. Questo è ciò che voglio trasmettere.

TRACKLIST

1.    SHAQ & LEBRON feat. ENSI e NERONE
2.    90 feat. KAOS e EMIS KILLA
3.    SEMBRAVA IMPOSSIBILE feat. SOTTOTONO, SISSI e GEMITAIZ
4.    FULL EFFECT feat. EGREEN e DANNO 
5.    VERA STRUGGLE feat. MOSTRO, GHEMON e MATTAK
6.    SENZA DI TE feat. MISTAMAN e FRANK SICILIANO 
7.    IL RESTO È STORIA feat. INOKI e NITRO
8.    NO SURVIVOR – LA LEZIONE feat. MADBUDDY

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Dopo aver pubblicato il suo secondo album “L’amore” (Sugar), uscito il 31 marzo e che ha debuttato alla #1 della Top Album FIMI, e aver annunciato il suo primo live in un palasport il 21 ottobre al Mediolanum Forum di Assago (MI), MADAME aggiunge oggi due nuovi live al già ricco calendario di appuntamenti del tour estivo.

Dal 24 giugno fino a fine agosto l’artista porterà la sua nuova musica e i maggiori successi, che l’hanno resa l’artista più ascoltata degli ultimi dieci anni (fonte Spotify), sui palchi più suggestivi della penisola.

Di seguito il calendario del summer tour di Madame, in continuo aggiornamento:

24 giugno – BUSCA (CN) – Suoni Dal Monviso – Colle di Valmala – NUOVA DATA
8 luglio – NICHELINO (TO) – Sonic Park Stupinigi
12 luglio – LUGANO – Piazza Luini
15 luglio – CHIETI – La Civitella 
17 luglio – ROMA – Cavea – Auditorium Parco Della Musica Ennio Morricone
19 luglio – PARMA – Parco Ducale 
21 luglio – FERRARA – Ferrara Summer Festival
22 luglio – PECCIOLI (PI) – Festival 11 Lune – Anfiteatro Fonte Mazzola – NUOVA DATA
24 luglio – FIRENZE – Piazza SS. Annunziata
26 luglio – BASSANO DEL GRAPPA (VI) – Parco Ragazzi del ’99 
28 luglio – UDINE – Castello

29 luglio – VILLAFRANCA (VR) – Estate al Castello – Castello Scaligero 
19 agosto – FOLLONICA (GR) – Follonica Summer Nights Festival – Parco Centrale
20 agosto – FORTE DEI MARMI (LU) – Villa Bertelli
22 agosto – DIAMANTE (CS) – Teatro dei Ruderi 
24 agosto – PALERMO – Teatro di Verdura
25 agosto – TAORMINA – Teatro Antico
27 agosto – TARANTO – Rotonda del Lungomare 
29 agosto – MACERATA – Sferisterio
30 agosto – TODI (PG) – Piazza del Popolo 

Le prevendite per il Suoni dal Monviso – Colle di Valmala di Busca (CN) sono disponibili da lunedì 17 aprile, a partire dalle ore 16.00, mentre per la data del Festival 11 Lune – Anfiteatro Fonte Mazzola di Peccioli (PI) sarà possibile acquistarle a partire da mercoledì 19 aprile alle ore 9:00.

I biglietti per le date estive e per il concerto al Mediolanum Forum di Assago (MI), prodotte e organizzate da Friends & Partners e Vivo Concerti in collaborazione con Big Picture Management e Sugar Music, sono già su Ticketone e nei circuiti di vendita abituali.

“L’amore” è il suo secondo album in studio. Quattordici tracce in cui racconta dell’amore nelle sue più varie sfaccettature. L’amore per Madame è come una brezza sottile che aleggia tra gli esseri umani, viventi e non, e proprio come l’aria, se non ci fosse, non ci sarebbe modo di esistere.  Nell’album vivono molte donne: una prostituta, una ninfomane, una donna potente, una donna sottomessa, l’amica Matilde, una bambina, Madame stessa. 

“Queste donne che racconto sono solo alcune e come tutte vivono l’amore, il sesso, l’intimità, l’intensità, il dolore, la mancanza, l’ossessione, la privazione, la dipendenza, la gioia, l’energia e le forti emozioni” 
racconta l’artista. 

Il nuovo disco è stato anticipato dal singolo già certificato platino e presentato a Sanremo 2023 “Il bene nel male”, scritto e composto da Madame e composto da Nicolas Biasin (in arte Bias) e Iacopo Sinigaglia (in arte BRAIL), che insieme a Shablo e Luca Faraone hanno prodotto il brano.

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Consapevolezza, maturità artistica e un tuffo nel passato proiettato verso il futuro. Tutto questo è “4 MANI” il primo joint album di INOKI e DJ SHOCCA. 

Un disco con una fortissima impronta hip hop old school che, come affermava lo stesso Inoki durante la presentazione del progetto, “è ciò di cui la gente aveva bisogno”. Un album che sottolinea anche il solido e legame di amicizia e stima reciproca che, da sempre, lega Inoki e Dj Shocca, rendendo questo album ancora più autentico.

“Le canzoni all’interno dell’album sono tutte molto sincere. Ognuna di queste è stata scritta in circa 5 minuti. Quando entro in studio infatti, sento il beat e inizio a scrivere ciò che mi passa per la mente, proprio per questo sono così spontanee. Siamo felici di aver realizzato questo disco, avevo bisogno di lasciarmi alcune bad vibes alle spalle e sono contento di esserci riuscito grazie alla musica.”
Raccontava Inoki al preascolto di “4 Mani”, a cui noi di Honiro Journal eravamo presenti. 

“In questo progetto volevamo combinare l’essere noi stessi, le nostre idee e la nostra creatività al desiderio di realizzare qualcosa di incisivo. Ritengo infatti Inoki un artista multi dimensionale e multi decennale. Quando abbiamo lavorato in studio non nego che abbiamo avvertito la pressione del voler creare qualcosa di inedito, riuscendo comunque a richiamare un passato che guardasse al futuro. In questi anni abbiamo parlato tanto della realizzazione di questo disco, ma credo che i progetti vadano sviluppati solo quando si percepisce che sia il momento giusto.”
Continuava poi Schocca

Ad aggiungere ulteriore valore a “4 MANI ” di Inoki e Dj Shocca ci pensano, senza dubbio, i featuring presenti al suo interno. Quella del disco è infatti una tracklist con grandi ospiti, a partire da Emis Killa e Jake la Furia in “Milano By Night”, passando per Gemitaiz in “Detox”, fino ad arrivare a Nina Zilli nel brano “Sorelle”, pezzo con cui, come racconta lo stesso artista, Inoki ha voluto dedicare un singolo al genere femminile. Oltre queste, all’interno del progetto troviamo brani come “4 Lire” che descrivono perfettamente le vibes attuali dei due artisti, ma anche “A&F”, una metaforica motivazione per farci comprendere come, quando non riusciamo ad uscire dai nostri labirinti di pensieri, impegnarci in qualcosa possa aiutarci ad evadere e spezzare questo loop di monotonia. 

Di seguito la tracklist completa di “4 Mani”:

1. SPUNTA BLU 
2. MILANO BY NIGHT (Feat. Jake La Furia & Emis Killa) 
3. EZÉRCITO 
4. DETOX (Feat. Gemitaiz) 
5. 4 LIRE 
6. SORELLE (Feat. Nina Zilli) 
7. A&F

Di seguito le versioni fisiche in cui è disponibile l’album:

• Formato DOPPIO VINILE NERO E ROSSO – doppio LP in edizione limitata, che comprende il vinile nero di 4 MANI e il vinile rosso contenente tutte le strumentali, e anche il poster di “Milano By Night” autografato;
• VINILE NERO – versione classica
• CD, con anche il poster di “Milano By Night” autografato.

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