C’è un momento preciso in cui un disco smette di essere solo musica e diventa una mappa. SPAZIO, il nuovo progetto di Nix, nasce proprio lì: nel punto in cui il movimento fisico incontra quello interiore, dove il bisogno di partire si scontra con quello di restare.

Interamente prodotto da Jambé e costruito su un impianto boom bap che guarda avanti, il disco si muove tra riflessione, disciplina e immaginario, tenendo sempre al centro una domanda semplice ma enorme: qual è il nostro posto nel mondo?

Abbiamo parlato con Nix per entrare dentro il concept del progetto, tra processo creativo, collaborazioni e visione dell’hip hop oggi.

Il tuo nuovo album si intitola SPAZIO. Da dove nasce questo titolo e in quale momento della tua vita hai sentito il bisogno di raccontare questo concetto?

Il titolo nasce da una riflessione sul rapporto tra me e l’ambiente che ho intorno. Per me lo spazio non è soltanto una dimensione fisica: è fatto anche di relazioni, distanze e limiti che in qualche modo influenzano le nostre scelte e il nostro percorso personale.

All’interno dell’album il viaggio è un elemento centrale. Un viaggio che non è solo fisico, ma anche mentale: il bisogno di partire, di tornare, di arrivare da qualche parte, ma soprattutto di accettare il cammino mentre succede.

Ho sentito l’esigenza di raccontare questo concetto circa due o tre anni fa. Però l’idea ha iniziato davvero a prendere forma circa un anno dopo, quando ho iniziato a svilupparla in maniera più concreta nella musica e nei testi.

Nel disco lo spazio non è solo una dimensione fisica ma anche mentale e personale. Qual è stato il tuo “spazio creativo” mentre lavoravi a questo progetto?

Il mio spazio creativo nasce prima di tutto nella mente. È lì che iniziano a prendere forma le idee, le riflessioni e le emozioni che poi diventano musica e parole. Però spesso queste intuizioni arrivano nei momenti in cui mi fermo davvero: quando viaggio oppure quando cammino tra le montagne di casa.

Sono momenti di silenzio e di distanza dalla routine, in cui riesco a guardare le cose con più lucidità. In un certo senso anche questo diventa uno “spazio”: uno spazio mentale dove tutto si riorganizza.

Poi, quando le idee iniziano a prendere forma, il lavoro vero e proprio succede a casa o in studio, in luoghi dove posso isolarmi e concentrarmi. È lì che quel flusso di pensieri si trasforma concretamente in musica.

Le produzioni di Jambé costruiscono un sound boom bap con una sensibilità contemporanea. Come è nata la vostra collaborazione e come avete lavorato insieme per definire il suono del disco?

Jambé è letteralmente una macchina da beat. Nei mesi mi ha mandato una quantità enorme di strumentali e da lì ho iniziato a selezionare quelle che sentivo più in linea con il suono e con il concept del disco.

Condividiamo lo stesso amore per il boom bap, quindi l’idea era mantenere quell’anima classica ma cercando di sviluppare qualcosa che suonasse comunque attuale. Nei beat convivono campioni soul, frammenti di film e atmosfere che passano da momenti molto intimi ad altri più aperti e quasi “cosmici”, che si collegano anche al tema dello spazio del disco.

La nostra collaborazione è nata grazie a Contagio, che mi ha fatto conoscere Jambé mandandomi alcune sue strumentali. Due di quelle sono finite anche nel nostro progetto Tutto è fermo e da lì abbiamo iniziato a sentirci sempre di più e a lavorare insieme.

La cosa curiosa è che, nonostante tutto questo lavoro, non ci siamo ancora incontrati di persona: lui è italiano ma vive da anni a Londra, quindi tutto il disco è nato completamente a distanza.

All’interno del progetto compare un solo featuring rap, quello con Tusco. Come è nata questa collaborazione e cosa ha portato al disco?

Ho scelto di inserire un solo featuring perché sentivo l’esigenza di esprimermi in modo molto personale. Anche perché il mio ultimo progetto più corposo è stato il joint album Tutto è fermo, uscito l’anno scorso e realizzato insieme a Il Contagio, quindi questa volta volevo prendermi più spazio per raccontarmi.

Tusco è un amico ormai da anni e negli ultimi tempi abbiamo condiviso molti palchi e tante belle esperienze insieme. La pensiamo in modo molto simile su tante cose, sia nella vita che nell’hip hop, quindi collaborare è venuto in maniera molto naturale.

La sua presenza nel disco porta sicuramente una tecnica sensazionale, frutto di quello che per me è uno dei migliori MC in Italia.

Nel disco compaiono anche strumenti come sax e tromba. Quanto è importante per te inserire elementi musicali che arricchiscono il classico impianto hip hop?

Ti ringrazio per la domanda, perché per me è davvero un grande onore poter lavorare con dei musicisti. È una cosa che adoro fare, anche perché da ogni sessione imparo sempre qualcosa di nuovo.

Davide Vinci e Simone Antonioli sono musicisti davvero molto bravi, che spaziano in tutta la musica black, e si sono resi subito super disponibili a collaborare al progetto. Questa cosa per me è una grande soddisfazione, soprattutto arrivando da un genere dove, storicamente, le skill strumentali sono meno centrali.

Negli ultimi anni però ho notato che molti musicisti hanno iniziato ad apprezzare molto di più l’hip hop e ad avvicinarsi con interesse. Rispetto a 15 o 20 anni fa c’è sicuramente molta più apertura e scambio tra mondi diversi.

In più, secondo me avere dei suoni presi direttamente dallo strumento spesso restituisce qualcosa di più pulito e vivo rispetto al campionamento. Ti permette anche di sviluppare meglio un’idea musicale che magari hai già in testa e portarla ancora più avanti.

La copertina disegnata da Menazone richiama il mondo dei ninja e il concetto di disciplina e armonia. In che modo questo immaginario si lega alla tua visione dell’hip hop?

La copertina raffigura due mudra, cioè gestualità sacre e molto antiche: particolari posizioni delle mani che, nella tradizione, si accompagnano a nove suoni specifici. Le due rappresentate sono “To”, che indica l’armonia con se stessi, e “Zen”, che richiama il concetto di illuminazione.

Ognuno di questi gesti richiedono precisione, controllo e consapevolezza. Sono qualità che sento molto vicine anche al modo in cui vivo e pratico l’hip hop.

Per me la disciplina è una parte fondamentale: è il momento in cui mi dichiaro nello spazio, in quello che faccio e in quello che ho intorno. In un certo senso l’hip hop diventa proprio questo, una pratica dove cerchi equilibrio tra tecnica, testa e spirito.

Hai già portato la tua musica su molti palchi in Italia. Quanto conta per te la dimensione live nel percorso di un rapper?

Per me la dimensione live è fondamentale. Amo rappare dal vivo e sentire l’energia che si crea tra me e il pubblico. Il palco è un vero banco di prova: saper tenere le tue strofe live è imprescindibile per ogni rapper, è lì che si vede la vera bravura. Mi dà motivazione e ispirazione, e allo stesso tempo sono grato di poter girare l’Italia, conoscere posti incredibili e persone meravigliose grazie alla mia musica

Se dovessi riassumere SPAZIO con una sola sensazione o immagine, quale sarebbe?

L’immagine che rappresenta SPAZIO è proprio quella creata da Menazone sulla copertina del progetto: racchiude esattamente la sensazione che volevo trasmettere

Sabato 13 giugno 2026, dalle 11:00 alle 02:00, il Parco di Monteoliveto a Pistoia si trasformerà in un punto di convergenza per tutte le anime della cultura urban con la nuova edizione del PUF – Pistoia Urban Festival. Ingresso gratuito e una visione precisa: costruire uno spazio reale dove musica, writing, sport e comunità possano convivere senza compromessi.

Organizzato dall’associazione culturale Art in the Park, realtà attiva sul territorio dal 2020, il festival entra ufficialmente in una nuova fase. A guidarlo è Gianluca Reni, in arte Pinzi, tatuatore e presidente dell’associazione, che negli anni ha sviluppato un progetto capace di crescere in modo organico, mantenendo sempre un legame diretto con la strada e con chi la vive. Il passaggio al nome PUF – Pistoia Urban Festival non è solo un rebranding, ma la definizione chiara di un’identità più ampia, più riconoscibile, più ambiziosa.

Una giornata intera pensata per chi la cultura urban la crea, la pratica e la attraversa ogni giorno.

Onyx (USA) live: energia hardcore e connessione tra generazioni

A segnare questa nuova fase è la presenza degli ONYX, storico gruppo hardcore hip hop statunitense e nome simbolo di un’attitudine che ha attraversato decenni senza perdere impatto. La loro musica, diretta e senza filtri, ha contribuito a definire un immaginario preciso, fatto di energia, identità e appartenenza.

Portare gli Onyx a Pistoia significa creare un collegamento concreto tra la scena internazionale e il contesto locale, mettendo sullo stesso piano radici e presente. Non è solo un live, ma un momento di connessione culturale che parla a più generazioni.

Ad aprire il palco saranno Clickhead + Lvnar due artisti che rappresentano una nuova sensibilità sonora e visiva, capaci di inserirsi in un contesto come PUF mantenendo un linguaggio contemporaneo e personale. Due percorsi diversi, un’unica direzione: portare sul palco qualcosa di autentico, senza filtri. La musica, in questo contesto, diventa uno dei tanti linguaggi attraverso cui il festival prende forma.

Le attività del festival: writing, battle e cultura in movimento

PUF è costruito come un ecosistema urbano a 360 gradi, dove ogni area racconta un pezzo preciso della cultura. Dall’area dedicata al writing, fino alla skate area, passando per il torneo di streetball 1vs1, la breaking battle 1vs1 e il freestyle contest, il festival si muove tra discipline diverse mantenendo un’unica linea: espressione libera e confronto diretto.

Accanto a queste attività, spazio anche allo streetwear & market, pensato come punto di incontro tra creativi, brand e pubblico, in un dialogo continuo tra estetica e identità.

Il programma dettagliato di ogni singola area – dal writing alle battle – verrà svelato progressivamente. Per partecipare alle attività, ricevere informazioni o entrare in contatto con l’organizzazione è possibile scrivere via email ( Info.artintheparkevents@gmail.com ) e seguire la pagina Instagram ufficiale di Art in the Park, dove verranno pubblicati tutti gli aggiornamenti e le call dedicate.

PUF non è solo un festival. È uno spazio vivo, in continua evoluzione. È cultura.

Il Contagio torna con “Un Metro e un Nigiri”, un singolo che segna un momento preciso del suo percorso: meno rincorsa, più identità. Un brano che nasce da un’esigenza personale prima ancora che artistica, e che porta dentro riferimenti concreti, vissuti, radici. Lecco non è solo uno sfondo, ma una presenza attiva, quasi un motore creativo che negli ultimi tempi ha contribuito a rimettere tutto al suo posto.

Dopo oltre vent’anni dentro l’hip hop, il suo approccio è cambiato: via l’ossessione dell’arrivare, dentro la volontà di fare musica per ciò che è, senza adattarsi alle dinamiche del mercato. Una direzione lucida, consapevole, che oggi si traduce in una serie di singoli costruiti con BM Records e destinati a diventare qualcosa di più ampio.

In questa intervista ci racconta cosa c’è dietro “Un Metro e un Nigiri”, il rapporto con la sua città, le disillusioni della scena e la visione che sta costruendo passo dopo passo.

1. Con questo nuovo singolo sembri puntare su immediatezza e identità: è una fase precisa del tuo percorso?

“Un Metro e Un Nigiri” è un pezzo identitario, si, in quanto è pieno di riferimenti al mio contesto di vita. Potete trovare tracce della mia cara LC sia nella canzone che nel video realizzato da S Production. Non è il primo brano in cui emerge la mia appartenenza a Lecco, ma questa componente è in crescita nell’ultimo periodo: la mia città mi ha dato tanto nell’ultimo periodo, aiutandomi a riprendermi da un brutto periodo e a ricentrarmi. Ho trovato le energie dentro di me, certo, ma l’ho fatto con lo sguardo al lago, alle montagne, allo stadio, ai pub, allo studio di registrazione. Quando un essere umano è grato a qualche cosa, è normale che decida di inserirla nella propria arte.

1. Come nasce la collaborazione con Bolas e cosa ha portato al suono di questo pezzo?

Bolas è un giovanissimo produttore e compositore della mia zona. L’ho conosciuto anni fa, quando mi ospitò un paio di volte in un programma radiofonico che conduceva; fu una bellissima esperienza. Da lì abbiamo iniziato a parlare di musica… e noi due parliamo davvero tanto! Mi ha proposto di poter mettere la voce su una delle sue produzioni, e questa è quella che ho preferito. Adoro il groove di quel basso! Inoltre, Bolas è uno dei due membri di S Production, che ha realizzato il video che potete trovare sui social networks.

3. Stai lavorando a una serie di singoli con BM Records: c’è una strategia dietro questa continuità?

Si, decisamente: l’intento mio e di Masta Five è quello di creare in futuro una raccolta di tutte queste canzoni, uno spaccato del periodo che sto vivendo e mettendo in rima. Mi piace l’idea di una raccolta, è una dimensione inedita per me.

Per ora sono uscite: “Lei, Lui, Loro, Noi”, “La Giusta Distanza”, “Dopo Il Sereno”, “Tagliaecucidisinapsi”. Con “Un Metro e Un Nigiri” siamo a 5, e in arrivo ci sono altre chicche firmate Il Contagio!

4. Dopo tanti anni nella scena, cos’è cambiato nel tuo approccio alla musica e al pubblico?

20 anni tondi tondi nell’hip hop… e si, i cambiamenti ci sono stati, eccome! Ad esempio, c’è stato un momento in cui volevo sfondare, emergere. Idea quantomeno bizzarra nell’hip hop underground, tanto che l’ho fatta a piccoli pezzi e l’ho riposta nell’apposito cassonetto. A ciò ho sostitutito la volontà di spaccare, di fare musica bella, per il gusto di farla, senza una finalità ulteriore. “Art for art’s sake”. Un altro esempio è la volontà passata di arrivare a tutti: ora so che la mia musica è destinata a un determinato pubblico, a determinati ascoltatori. Preferisco ricevere il consenso di chi stimo nell’hip hop, piuttosto che “bravo” da chi ha appena finito di ascoltare Sal Da Vinci.

In generale, il cambiamento, l’evoluzione del mio approccio alla musica, al pubblico e all’hip hop è sotto questo segno: ho capito da dove vengo, quindi ho capito chi sono, perciò mi è chiaro dove sto andando. E, soprattutto, mi ricordo sempre che sto facendo il rap… in Italia.

5. Hai mai avuto momenti di disillusione rispetto al mercato o alla scena?

Solo un folle non ne avrebbe. Soprattutto dopo tutto questo tempo. Quando vedo sedicenti paladini dell’hip hop fare un restyling di loro stessi per poter cantare sulla Rai a febbraio… quando mi capitano le storie Instagram di artisti underground che si rivolgono al loro cellulare come se stessero parlando a grandi folle… quando sento gli ex duri e puri fare i props ai peggiori scemi di plastica… si, lo ammetto, vacillo. Se no quando, mi è appena successo, nessuno alza il telefono per mesi per propormi una data… o quando vedo che vengono spinti signori e signore Nessuno, ancora prima che pubblichino una canzone.

Ma poi mi ricordo quanto ti dicevo poco fa rispetto a cosa mi spinge a fare musica. E mi ricordo del ritornello di questo singolo: “lo faccio con la solita passione, anche se il mercato va nell’altra direzione” e via dicendo…!

6. Guardando avanti, stai costruendo un progetto più ampio o preferisci restare su uscite singole?

C’è l’idea della raccolta, come ti dicevo. Ma è anche vero che questa sfornata di singoli mi sta stimolando: per tanto tempo ho solo lavorato stando nel concetto di album, quindi in questo periodo mi ritrovo a potermi concentrare maggiormente sul dettaglio della singola canzone. E NicoFuzz, che pazientemente mi mixa i brani, sa bene quanto io ami i dettagli!

Non escludo, comunque, di tornare a lavorare a progetti unitari, come l’ep realizzato con Nix l’anno scorso e i miei due album solisti. Collaboro con tanti produttori, ho davvero l’imbarazzo della scelta… e nessuna fretta.