Sangiovanni si è esibito a Sanremo 2022 con “Farfalle” (Sugar), il primo singolo dell’album di inediti “Cadere Volare”, in uscita l’8 aprile.

Il progetto è disponibile in pre save e pre order su tutti gli store. Sono inoltre disponibili le prevendite delle due date nei palasport di Roma e Milano, dopo lo straordinario sold out del tour nei superclub che si terrà a maggio.

“Cadere Volare” racconta una insostenibile leggerezza dell’essere. Nei momenti in cui ci si sente condannati alla pesantezza infatti, volare è un modo per ritrovarsi in un altro spazio. Un modo per cambiare approccio, guardano il mondo da un’altra ottica.  

L’album sarà disponibile su tutte le piattaforme in digitale, su Amazon in esclusiva nei formati cd jewel autografato dall’artista, vinile azzurro e vinile bianco autografati dall’artista e in tutti gli altri negozi nei formati jewel e vinile bianco.

Dodici brani inediti che vedono coinvolti più producer dal diverso tocco sonoro, che valorizzano la versatilità di Sangiovanni: da DRD a Kyv, da Scirè a Zef, passando per Mark and Kremont, Takagi e Ketra, Dinu, Sick Luke, Katoo e Bias. 

Nel singolo “Farfalle” in gara a Sanremo 2022, Sangiovanni racconta la libertà nei rapporti quotidiani. Racconta l’essere circondato da persone che ti facciano sentire una certa quantità di ossigeno e ti lascino respirare, attraverso una fotografia narrativa semplice che rileva l’originalità della sua scrittura di autore, mai banale.

“Sei una boccata d’aria” è la metafora che esprime un forte desiderio di normalità. “Farfalle” è un brano dal ritmo uptempo con un testo introspettivo, scritta e composta da Sangiovanni, Alessandro La Cava e Stefano Tognini e prodotta da Zef ed ITACA, team produttivo di Merk & Kremont. 

“Sanremo mi offre una grandissima opportunità: tornare a condividere con le persone un momento di evasione e spensieratezza. Potrò stare sul palco insieme ad una grande Orchestra composta da musicisti di grande talento. Per questo abbiamo lavorato ad una versione orchestrale del brano che valorizzi la loro presenza, in armonia con il sound più contemporaneo del pezzo”.

E’ così che Sangiovanni descrive il suo debutto al Teatro Ariston, a soli diciannove anni, svelando di aver lavorato insieme al Maestro Carmelo Emanuele Patti ad un arrangiamento speciale per le performance a Sanremo 2022. 

“La mia musica ad un primo ascolto può sembrare leggera nel senso più superficiale del termine, ma questa è anche la mia forza. Io ricerco la leggerezza e per farlo spesso devo scavare in profondità per trovare le mie emozioni. Il mio obiettivo in musica è comunicare sensazioni profonde con leggerezza”.

È così che Sangiovanni descrive il modo in cui si approccia alle canzoni. Ed è infatti un modo che nel 2021 ha raggiunto risultati straordinari. Diciassette dischi di platino e due ori per l’EP omonimo “Sangiovanni”, oltre cento milioni di streaming per la sua “Malibu” che è il brano più ascoltato del 2021 sia su Spotify che su Apple Music e il video più visto del 2021 su Vevo. Record anche su Tik Tok: due brani di Sangiovanni -Malibu e Lady– sono nella top5 assoluta di creazioni dell’anno. 

“Sei sempre santo tu! Non fai mai niente di male!”. Così la madre gli ha ispirato inconsapevolmente il nome d’arte. Per tutte quelle volte in cui Sangiovanni ha inseguito le montagne russe delle sue emozioni, tra testa e cuore, sogni, paure ed incertezze del sentirsi diverso in un paese di poco più di tremila abitanti della campagna veneta.  

Scrivere per Sangiovanni è sempre stato lo spazio dove riconoscersi e trovare il modo di esprimersi. Ha iniziato a sedici anni quando ha incontrato Madame, compagna di scuola che frequentava lo stesso piccolo studio di registrazione di Vicenza del producer Bias. L’amicizia con Madame ha inoltre preso forma di una canzone in “Perso nel buio”. Il singolo certificato recentemente oro è una collaborazione in cui i due artisti multiplatino dialogano intensamente sulle fragilità.   

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Fuori ora ovunque “NON PIOVE MAI” (La Clinica Dischi), il nuovo singolo di LOOMY. 

Il brano, che arriva dopo gli ultimi singoli “America” e “Il quinto dei Beatles”, ci trascina sequenza dopo sequenza nel mondo del rapper, nella sua consapevolezza che le prime volte e i primi sbagli ci aiutano a crescere e ci fanno diventare quello che siamo. La pioggia per l’artista è un elemento rassicurante e confortante, che lo aiuta a farsi scivolare di dosso le difficoltà della vita.

“La pioggia – commenta l’artista – è sempre stato un buon modo per ripulirsi, come una doccia per i sensi di colpa, così l’ho sempre vista. Ho sempre avuto un debole per lei, l’ho sempre messa davanti al sole. Quando tutto va come deve andare non lo sopporto. Quando succede non c’è nulla che mi sprona, nessun imprevisto che sia in grado di farmi dare di più di quello che ho. Il brano nasce così. Se non piove mai, a me non piace quasi niente ed è quando piove che diventa tutta un’altra storia”.

Lorenzo Lumia, in arte Loomy, è un artista classe ‘94 del panorama urban italiano. Il suo approccio con la musica nasce in modo molto naturale grazie a sua madre, che aveva una band con cui girava locali e feste, e al padre che era un appassionato di cantautorato italiano e non solo. All’età di 16 anni Loomy inizia a scrivere le prime canzoni senza nemmeno registrarle. Comincia anche a fare i primi concerti da solo e in apertura ad altri rapper. Due anni dopo, nel 2016, il primo contratto con Zero11 (label di Raige). Entra inoltre ad X Factor, dove arriva fino alle fasi finali dei live.

A seguito dell’esperienza talent Loomy torna indipendente e firma con Artist First ed entra nei 60 selezionati di Sanremo Giovani per due anni consecutivi, per poi firmare nel 2018 con Dogozilla, etichetta di Don Joe. Tra i brani usciti durante la partnership spicca “Senza filtro”, diventato virale su Tik Tok oltre ai quasi 3 milioni di streams su Spotify. Con Dogozilla le strade si dividono e Loomy torna nuovamente indipendente prima di approdare, nel 2021, ne La Clinica Dischi, con la quale ha pubblicato due singoli, “America” e “Il quinto dei Beatles”, in attesa del primo disco, in arrivo prossimamente.

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“Farfalle” (Sugar) è il brano di Sangiovanni in gara a Sanremo 2022 già disponibile in pre save.

In “Farfalle” Sangiovanni racconta la libertà nei rapporti quotidiani, circondato da persone che ti fanno sentire una certa quantità di ossigeno e ti lasciano respirare, attraverso una fotografia narrativa semplice che rileva l’originalità della sua scrittura di autore, mai banale.

“Sei una boccata d’aria” è la metafora che esprime un forte desiderio di normalità, di libertà nel vivere le emozioni grazie a relazioni sane e non tossiche. “Farfalle” è un brano dal ritmo uptempo con un testo introspettivo, prodotta da Zef ed ITACA, team produttivo di Merk & Kremont.

Sangiovanni nel 2021 ha raggiunto risultati straordinari. Questi lo hanno portato ad essere la rivelazione dell’anno. Diciassette dischi di platino e tre ori per l’EP omonimo “Sangiovanni”. Oltre cento milioni di streaming per la sua “Malibu”. Questo è il brano più ascoltato del 2021 sia su Spotify che su Apple Music e il video più visto del 2021 su Vevo. Record anche su Tik Tok: due brani di Sangiovanni -Malibu e Lady- sono nella top5 assoluta di creazioni dell’anno.

“Sei sempre santo tu! Non fai mai niente di male!”: così la madre gli ha ispirato inconsapevolmente il nome d’arte, per tutte quelle volte in cui Sangiovanni ha inseguito le montagne russe delle sue emozioni, tra testa e cuore, sogni, paure ed incertezze del sentirsi diverso in un paese di poco più di tremila abitanti della campagna veneta. 

Scrivere per Sangiovanni è sempre stato lo spazio dove riconoscersi e trovare il modo di esprimersi. Ha iniziato a sedici anni quando ha incontrato Madame, compagna di scuola che frequentava lo stesso piccolo studio di registrazione di Vicenza del producer Bias. L’amicizia con Madame ha preso la forma di una canzone in “Perso nel buio”. Il singolo è stato certificato recentemente oro. In questa collaborazione i due artisti multiplatino dialogano intensamente sulle fragilità.  

Classe 2003, faccia da santo e anima ribelle ed inquieta, Sangiovanni è la nuova popstar della musica italiana e ora, con il suo brano “Farfalle” si prepara a partecipare a Sanremo 2022.

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La musica di DANTI riparte dal video di MANDALA, il nuovo singolo feat. BORO BORO, ALBOROSIE, CHESCA in radio e in digitale dal 23 luglio (Elektra Records/Warner Music Italy).

Disponibile sul canale YouTube di DANTI e punteggiato dalla coinvolgente coreografia di Elisa Menegardo, che strizza l’occhio all’universo TikTokiano e si sposa perfettamente alle sonorità trascinanti e cosmopolite del brano, il video gioca con un approccio minimal e una narrazione semplice e leggera per veicolare un potente messaggio di consapevolezza e speranza.

La spensieratezza dei piccoli ballerini in crew, ravvivata dalle divertenti animazioni scribble, fa qui da insegna al neon ad una riflessione più ampia e profonda sulla situazione attuale dello spettacolo dal vivo in Italia. Dal bilancio delle attività del terzo settore chiuse definitivamente alla mancata riapertura delle discoteche, DANTI traccia un quadro completo e dettagliato, non mancando sul finale di lanciare un segnale di speranza per tornare a fare festa in libertà e in piena sicurezza:

“È il momento di ripartire. Ma questa volta la destinazione deve essere la vita. Quella vera.“

E chissà che il viaggio non abbia proprio come soundtrack MANDALA di DANTI! Hit dal sound globale in grado di riunire, sotto il comune denominatore della musica, quattro artisti geograficamente lontani (Milano, Torino, Giamaica, Portorico), MANDALA è il foglio bianco che ognuno di noi può disegnare e riempire con i colori belli della ripartenza.

Danti

Daniele Lazzarin, in arte Danti, è un hitmaker italiano classe 1981. Il successo arriva già nel 2005 quando fonda il progetto TwoFingerz. Comincia così a collaborare con grandi artisti del calibro di Caparezza, Fabri Fibra, Max Pezzali, Fedez e Gue Pequeno. Oltre che produttore, Danti mette la firma come autore su diverse hit di Fabio Rovazzi, J-Ax, Fedez. Arrivando a totalizzare più di 20 dischi di Platino solo nel biennio 2016-2018.

Oltre ad aver partecipato a diversi featuring, tra le sue altre attività meritano menzione le sue collaborazioni con Fiorello nel programma di Radio Deejay “il Rosario della sera” e in “Edicola Fiore” in onda su Sky. Dal 2017 scrive hit per Annalisa, Benji & Fede, J-Ax, Fedez e molti altri artisti. Per poi riprendere il progetto da solista e mixare l’esperienza come autore e l’esperienza da frontman in un nuovo genere pop 2.0, collaborando con Nina Zilli, Raf, Fiorello, Luca Carboni e J-Ax.

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Fuori ora su tutte le piattaforme digitali “Questa Notte” il nuovo singolo di Dandy Turner.

“Non ho piu problemi addosso adesso no e ti giuro questa notte è ancora nostra, baciami come non facevi da un pò, mi sembravi di stare sopra una giostra“

“Questa notte” parla di una storia d’amore, delle problematiche e delle delusioni che nascono nei legami amorosi, il nostro nasconderci dietro i difetti degli altri, riempire le nostre emozioni con scuse e dipendenze fini solo a se stesse.

Dandy Turner con “Questa Notte” ci trasmette emozioni profonde facendoci cadere in un amore che sembra più forte di tutto, nascondendo le nostre nevrosi in una a Roma che nei testi dell’artista diviene sempre più onirica, come nelle “Città invisibili” di Calvino.

Turner rappresentante della Generazione Z, propone una canzone molto radiofonica, spudoratamente pop che ci trascina in uno stato dei luoghi della fragilità dell’essere.

Le canzoni di Dandy Turner nascono dalla sensibilità e dalla volontà di vivere a contatto con le emozioni, anche quelle che lo hanno fatto star male. I suoi brani sono figli delle strade di Roma, canzoni che sanno d’amore e che hanno il sapore di un mondo di ricordi. Il suo percorso conta un grande successo sulle piattaforme digitali, sia audio che video, contando milioni di streams e views sui principali stores.

Tra le hit passate spicca “Sei bella come Roma” ma sono diversi i singoli rilasciati da Dandy, con numerose collaborazioni.
Anche sui social riscuote molto successo, sia su Instagram che su Tiktok,
dove i suoi fan hanno prodotto centinaia di migliaia di video con i suoni delle sua musica. “Ancora tu ” sarà il secondo singolo dopo “Due cuori a metà” che porteranno l’artista a pubblicare il suo primo album ufficiale.

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Esce oggi su tutti i digital stores 16 Luglio “Baby Fashion” il secondo progetto discografico di Zame, il rapper che nell’inverno del 2020 ha spopolato su Tik Tok grazie all’alone di mistero che si cela intorno alla sua vera identità. Questo progetto segna una svolta improvvisa nella carriera di Zame che sembrava ormai virare verso un mood più legato all’entertainment di Tik Tok, quando inaspettatamente Zame dichiara:

“Sono un rapper, non amo etichettarmi ma visto che alla gente piace dare sempre una definizione alle cose preferisco definirmi così. Faccio questo da sempre, e sono deciso ad entrare nella Serie A italiana. Quello che il pubblico però non capisce, è che ciò non preclude che io possa trovare stimolante esprimere la mia personalità anche grazie ad una piattaforma come Tik Tok. In fin dei conti è arte anche quella.”

Anticipato dal singolo “COOL”, con Korbe, che negli ultimi mesi si è fatto conoscere con il successo di “Non tornerò” e “Dio Perdonami”, che hanno accumulato più di due milioni di stream, i due rapper si lanciano in un esercizio di stile e tecnica su una produzione dalle atmosfere drill

L’album contiene 7 brani inediti, prodotti da Siccome e Zazzi e vede la supervisione artistica di Siccome per l’intero progetto.

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E’ “Neverland” il nuovo EP di Ludwig disponibile da oggi, 25 giugno. Grazie a questo progetto, Ludwig ci fa partire verso un viaggio nell’isola che non c’è, alla ricerca di quel divertimento e della spensieratezza che ultimamente ci sono tanto mancati.

Nell’EP tanti brani che abbiamo già ballato ma anche inedite sorprese e speciali collaborazioni con Cecilia Cantarano e DJ Matrix.

Quale miglior guida per avventurarsi nell’isola che non c’è se non proprio Ludwig? Noi di Honiro Journal lo abbiamo intervistato!

Ciao Ludwig! Molto bello il richiamo nella copertina a Peter Pan, come mai questa scelta? Cosa ti colpisce particolarmente e cosa ti lega alla storia di Peter Pan?
Mi colpisce particolarmente il fatto che Peter Pan sia un ragazzo che non vuole mai crescere. Ti porta sempre in questa isola dove tutto è permesso, dove i bambini sono come i grandi: hanno possibilità di decidere, vivono nel mondo loro, si divertono, giocano. Per questo ho pensato proprio a “Neverland” come titolo, l’immagine e l’idea dell’isola che non c’è penso racchiuda tutto il concetto dell’album in una sola parola.

“Ho scritto un pezzo che fa partire” In questi ultimi tempi siamo partiti tanto con la fantasia come insegna Peter Pan, questo brano fa davvero venire molta allegria, fa “Partire”, a chi lo ascolta vuoi far fare un viaggio verso dove? Se tu invece potessi prendere e partire adesso in questo momento, prenderesti un biglietto per dove? E come mai?
Ho scelto di fare questa canzone proprio per questo motivo. “Partire”, proprio perché ultimamente c’è stata molta difficoltà nel farlo e io volevo far viaggiare chi mi ascolta attraverso la mia musica. Il viaggio è sempre lo stesso, è sull’isola che non c’è.

Io sono tornato poco fa ma ho già prenotato nuovamente per la stessa meta! Quando parlo dell’isola che non c’è intendo Mykonos, questo posto è la mia “Neverland” infatti la nomino sempre nelle mie canzoni, “Mykonos Tropicana” la mia discoteca preferita dove andavo come cliente e poi mi sono ritrovato in questi ultimi anni ad essere lì in un altra veste.

Ludwig, partendo dal titolo di questo EP “Neverland”, cosa c’è nella tua isola che non c’è? O cosa/chi porteresti nella tua isola che non c’è?
Se dovessi fare un dipinto della mia isola che non c’è, me la immaginerei esattamente come quella di Peter Pan però nel 2021, modernizzata. Dove ci sono discoteche, musica, amici, feste, divertimento, viaggi, mare.

Come mai la scelta di avvicinarsi allo spagnolo e di adattare “Domani ci passa” a questa lingua? Cosa ti affascina particolarmente di questo universo musicale?
Mi ha sempre affascinato la lingua spagnola, mi piace proprio come cade l’accento. Anche sulla canzone domani ci passa, quando l’ho provata in spagnolo mi è sempre piaciuta questa cadenza. E’ nato tutto da una ragazza spagnola che cantava questo pezzo, ovviamente in italiano perché allora era l’unica versione esistente. Questa persona mi disse che anche in Spagna cantavano “Domani ci Passa” e che piaceva particolarmente quella canzone. Perciò da qui nasce l’idea della versione spagnola.

Poi, dopo la traduzione del testo, ho notato che stesse proprio bene anche in quest’altra lingua e quindi sono voluto andare fino in fondo. Nonostante sia una canzone che ho fatto uscire due anni fa, ha raggiunto proprio quest’anno il platino e quindi mi sembrava doveroso farne un’altra versione.

“A noi domani ci passa” cosa vorresti che non passasse ma che invece rimanesse di questo tuo ep a chiunque lo ascolta? Cosa speri susciti in chi indossa le cuffiette e preme play su “Neverland?”
La situazione legata a questo virus sembra stia andando verso il meglio, ma siamo ancora lontani dalla normalità. Il mio obbiettivo è dare un attimo di spensieratezza a chiunque indossi le cuffiette e ascolti i miei brani, ovviamente con la speranza che tutto ciò finisca tutto al più presto.

“e del mio passato giuro non mi pento, me lo tengo stretto” pensi che dal passato si possa sempre imparare qualcosa?
È logico. Si impara sempre, da tutto, molte volte anche sbagliando. Anche dalle cose negative successe in passato si impara tanto, quindi io non mi pento di nulla. A posteriori sicuramente qualcosa del mio passato lo cambierei, però sono contento di come sono diventato adesso e il percorso che ho fatto.

“Ho imparato da solo, guarda come volo”, Ludwig qual è il volo più bello che senti di aver spiccato o che pensi di poter fare con “Neverland”?
Ho detto quella frase, “Ho imparato da solo”, perché queste parole per me vogliono dire “guarda ora dove sono arrivato, guarda questi risultati” metaforicamente, appunto “guarda come volo”. Ce l’ho messa tutta e mi sono impegnato perché volevo raggiungere il mio obiettivo. Il mio sogno era di far sentire la mia musica a tutta Italia e soprattutto ai giovani.

“che male c’è se mi diverto?” questo ep è pieno di positività, in questo momento si tende sempre a sottolineare le cose che non vanno, tu invece sembra quasi tendi a sottolineare le cose che vanno, la felicità, il divertimento, la speranza, quasi un lieto fine, come nelle favole, come in Peter Pan. Come hai trovato l’ottimismo e come, se lo abbiamo un po’ perso possiamo ritrovarlo?
La positività è al centro di questo progetto ma in generale della mia musica. I ricordi a qualcuno, soprattutto i nostalgici fanno bene. Io tramite i ricordi cerco di rivivere alcuni momenti.

Quando ho scritto questo album ho deciso di partire con un po’ di produttori e andare in una villa in mezzo ad una montagna con vista sul mare e ho fatto finta che fosse tutto apposto. Ho fatto la cosa che dovrebbero fare tutti, nei momenti difficili bisogna chiudere gli occhi e partire con la fantasia.

Ludwig, ti va di raccontarci le collaborazioni che troviamo all’interno di “Neverland”?
Entrambe le collaborazioni erano due canzoni edite, che sono “Non spegnere la musica” e “Adesso mi diverto”. In “Adesso mi diverto” c’è Cecilia Cantarano che è una mia amica e ho deciso, siccome le discoteche erano chiuse, di fare una canzone leggermente diversa, con sonorità che non erano da discoteca. Mentre con DJ Matrix c’è un bellissimo rapporto, io canto ma faccio anche, allo stesso tempo, il DJ. Io e lui siamo sempre spalla a spalla, abbiamo delle collaborazioni in comune, “Courmayeur” con Gabri Ponte ma anche altre. Abbiamo un ottimo rapporto.

“Nel mio cielo all’orizzonte è sempre tempo buono” una frase che porta molto ottimismo, soprattutto dopo il periodo che abbiamo vissuto. Ludwig, all’orizzonte tu cosa vedi e quali sono i progetti che ti aspettano o i sogni che vorresti realizzare dopo “Neverland”?
Quando faccio una canzone dico quello che penso e che faccio. Quindi per me è sempre tempo buono, anche alla fine di tutto c’è sempre un lato positivo. Un obiettivo sarebbe fare un album vero e proprio, spero nel 2022 quando mi auguro sarà finito tutto. Se in un EP con la pandemia sono riuscito a tirar fuori emozioni felici, figuriamoci in un album dopo che questa situazione sarà finita!

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“PERDERE TUTTO” (Abr Records “Label & Management”), è il nuovo brano del cantautore HALE.

Questo singolo è un’intensa ballad caratterizzata da un forte crescendo musicale ed emotivo che racconta la sensazione di quando perdi tutto quello che si ha sempre avuto e al quale, tantissime volte, ci aggrappiamo per sopravvivere.

Noi di Honiro Journal abbiamo incontrato Hale che ci ha raccontato come sia nato questo pezzo, cosa voglia trasmettere e a chi sia rivolto.

Ciao Hale, sappiamo che il tuo nome d’arte è un acronimo, precisamente significa “Ho Ancora Libera Essenza”. Ti va di partire proprio da qui, spiegando ai nostri lettori cos’è per te l’essenza, qual è la tua essenza e quella della tua musica?
L’acronimo HALE, che significa appunto “Ho Ancora Libera Essenza”, è nato dopo un periodo particolare della mia vita, ho scelto questo nome dopo essere uscito da un momento un po’ difficile. Come dico sempre e come dirò anche all’interno del disco che è in lavorazione e vedrà la luce a breve, ho fatto a pezzi il mio nome Pasquale e ci ho messo di mezzo un respiro. Questa H infatti è un po’ un sospiro di sollievo, nella pronuncia non va poi considerata, il nome si legge “Ale” proprio come se non ci fosse.

Ho Ancora Libera Essenza perché credo che sia il senso stesso di fare musica, la libertà di esprimersi senza sottostare troppo alle logiche di un mercato che oggi è diventato sempre più frenetico, quindi avere ancora libera essenza, per me, è proprio il movente di fare musica. Io faccio musica spinto dalla purezza e dalla creatività di farla, poi saranno gli altri ad inserirla in un filone, in un genere.

“Perdere Tutto” è indubbiamente un brano molto intenso, Hale vuoi raccontarci cosa significa questo singolo per te?
Questo singolo è sicuramente un’opportunità di rinascita, rappresenta un punto di partenza completamente nuovo. Significa lasciarsi il passato alle spalle, discografico ma anche di vita, ed iniziare un nuovo percorso. Perdere tutto per poter ricominciare, perdere tutto per tagliare i legami sbagliati e soprattutto ripartire, sperando di poter brillare più forte di prima.

Hale, All’inizio di “Perdere Tutto”, canti la parola “Oltre”, un termine con un significato profondo che, però, non è più molto usato perché spesso la gente non osa più andare oltre, tende a conformarsi sempre di più. Perché secondo te, al giorno d’oggi molte persone si limitano al primo impatto, all’apparenza senza andare oltre? Questo oltre che tu citi, che significato ha?
Questo oltre si riferisce ad un disco del 1990 che si chiama “Oltre” di Baglioni. Un album che ha segnato il mio modo di pensare. Penso che la gente, spesso, non vada più oltre perché purtroppo oggi siamo appiattiti, ci stanno abituando al dolore.

Le persone prendono le cose un po’ come vengono, sono pochi quelli che poi si preoccupano di vedere cosa c’è al di là. Si va poco oltre perché forse fa anche un po’ paura. Nel mio singolo racconto di voler andare oltre il limite ma poi purtroppo il limite esiste perché qualcuno lo ha messo.

Andare oltre, scoprire il mondo, non sempre fa piacere ma è anche vero che può portare ad una consapevolezza maggiore di noi stessi. Alla fine andare oltre è una scelta personale, che a volte comporta anche rischi, ma che poi magari può condurci a raggiungere i nostri obiettivi.

“Per tutte le volte che piangere Sarebbe stato il rimedio più onesto” Hale, in “Perdere Tutto” citi le lacrime, il pianto, secondo te ormai ci si sente fuori contesto nel mostrare il proprio dolore, la propria sofferenza? La musica è un modo per comunicarlo?
Penso che la musica sia piangere senza piangere, un pianto senza le lacrime. Penso sia ciò che permette di tirar fuori il dolore e farlo nel modo più intenso ma anche naturale e spontaneo possibile. Quando ci si lascia andare ad un pianto solo una parte del dolore va via, il restante si rifugia dentro la musica perché lei ha la capacità di portar via la sofferenza alla quale le lacrime non arrivano.

Nel tuo singolo, spicca questa frase “Per chi ogni mattina si guarda allo specchio E ogni volta si sente morire” Con queste parole lo specchio vuole cercare qualcosa di interiore mentre oggi, spesso, lo specchio viene usato per rispecchiare l’apparenza, l’esteriorità. In questa canzone, lo specchio è un viaggio introspettivo?
Lo specchio è il viaggio del pensiero, lo specchio comunque, ogni mattina, si vede un po’ più vecchio e speriamo anche più saggio. Chiaramente poi, è quasi sempre un arma a doppio taglio, perché c’è anche chi dello specchio fa il suo mostro. Io ho scritto questa canzone per chi si sente diverso, non accettato, escluso e soprattutto incompreso.

L’incomprensione è molto probabilmente un sentimento a cui voglio dare spazio, un aspetto fondamentale del messaggio che voglio portare avanti con la mia musica. Questo singolo è stato scritto proprio per chi ogni mattina si guarda allo specchio e si sente morire finché non capisce che lo specchio deve essere un amico, un alleato, per farci guardare indietro con nostalgia ma anche con gioia.

Hale, il voler nascere altrove, in un altro universo, è sicuramente un aspetto che emerge in “Perdere Tutto”. Ti senti appartenere ad un altro mondo? E’ un tuo modo di comunicarci che ti senti distante dalla tua generazione?
Assolutamente, io scrivo le mie sensazioni. Le mie emozioni vengono messe su carta e io voglio essere per qualcun altro la persona che avrei voluto io avere accanto in molti momenti. Spesso nella musica si trova un confidente, qualcuno che ti capisce senza conoscerti. Questa è la magia della musica, lei ha il dono di curare i mali dell’anima se fatta in modo autentico.

“Volevo cogliere un fiore senza Sentirmi diverso” Il sentirsi diverso, può essere visto come una forza?
Assolutamente, il cogliere un fiore nella mia metafora è un atto quasi rivoluzionario. Cogliere un fiore può anche essere visto come un atto di fragilità, di debolezza, ma alla fine è il senso di questa canzone. Io, questo singolo, l’ho scritto per me stesso in primis. Ed è un avvenimento abbastanza raro, perché io solitamente scrivo per gli altri. Questo brano invece, l’ho posato su carta per me, perché erano le parole che io stesso sentivo il bisogno di gridare, di cantare. E’ stata un’esigenza catartica di fare un piccolo bilancio di me stesso.

Agli autori, accade spesso di rivedersi nelle parole degli altri, quando però viene a mancare il fatto di rivedersi nei testi altrui, la cosa bella che abbiamo noi che scriviamo le canzoni è che possiamo scrivercele da soli. E quindi chiudiamo lì le nostre sensazioni. Le emozioni che, quando vagano nella stanza in cerca di una forma e di un nome, diventano fastidiose. Nel momento in cui riusciamo ad inchiodarle su carta, dando loro un nome e una forma, queste emozioni smettono di tormentarci. Poi la cosa bella è che siamo esseri umani, condividiamo quanto meno le stesse intuizioni. Battisti cantava “capire tu non puoi, chiamale se vuoi emozioni” questa è una frase che penso nessuno possa contraddire. Io posso provare un particolare sentimento, ma non è detto che qualcun altro possa capire esattamente ciò che sto provando in quel preciso momento. Però, credo almeno le intuizioni siano le stesse.

Essendo esseri umani, abbiamo delle intuizioni pure con cui vediamo il mondo quindi non è così raro che, in parole che scrivo io, possa rivedersi qualsiasi altra persona, questo è il bello della musica e di condividere la musica.

“Tra tutti i tuoi sogni distrutti, Se non c’è speranza di verità” In un momento come questo dove ci sono tanti sogni distrutti, tu la speranza dove la trovi? Attraverso la musica? Questa canzone vuole dare speranza?
Soprattutto in questo periodo ci sono molti sogni distrutti, ma dobbiamo sempre ricordarci che proprio dopo la peste c’è stato il rinascimento, quindi mi auspico che dopo questo momento, dopo ciò che stiamo vivendo, ci sia una rinascita. Spero si possa tornare il prima possibile ad una normalità che, fino a poco tempo fa, consideravamo scontata. Ma, ora che non c’è più, desideriamo quella quotidianità più di ogni altra cosa. Abbiamo imparato a dare importanza alle piccole cose, all’abbraccio di un amico.

Il mio singolo vuole assolutamente trasmettere speranza. Questo brano, al contrario di quanto di possa pensare leggendo il titolo, racchiude un messaggio positivo. Perché, come dico sempre, prepararsi a perdere tutto poi non vuol dire effettivamente dover perdere tutto. La forza la si trova portando avanti il sogno e spingendo avanti il cuore, contro tutte le difficoltà che incontriamo. Perdere tutto, sì. Ma farlo a testa alta. Come diceva uno dei miei miti, la persona grazie alla quale mi sono avvicinato alla musica, ovvero Baglioni, “Spingi sempre avanti il cuore ed il lavoro duro” Questo è un po’ il mio mantra di vita, “La vita è Adesso” quindi fallo subito.

“E ritorna a brillare più forte di prima”. “Perdere tutto” ma, Hale, come ritorna la voglia di riprendersi tutto?
Perdere tutto proprio per ripartire, un altro messaggio cardine di questo singolo è tagliare i legami sbagliati. Tagliare i legami sbagliati è la cosa che più ci può avvicinare ad un nuovo percorso, con nuove speranze.

Hale, nel videoclip di “Perdere Tutto” vediamo un pianoforte in fiamme, ovviamente un forte significato simbolico. Ti va di raccontarci da dove nasce l’idea di questo videoclip?
Lo spazio desolato e abbandonato che si può vedere nel video l’ho sognato poco prima del lockdown dello scorso anno e lo abbiamo cinematograficamente riportato in una fabbrica abbandonata. La metafora del pianoforte che brucia, invece, vuole rappresentare il mio percorso musicale fino a qui. Un cammino che, proprio come la vita stessa, è fatto di alti e bassi, di momenti in cui ti domandi se e dove ti porterà davvero da qualche parte.

L’idea di questa immagine è nata in studio con Marco Zangirolami, che ha prodotto la canzone. Lui ha iniziato a raccontarmi degli aneddoti e mi ha spiegato come sia nata “La Fine” di Nesli che ha prodotto lui stesso. Questo brano, a mio parere oggi è uno dei capolavori della musica contemporanea. Mi ha detto che tutto era partito da una voce a cappella solitaria. Praticamente Marco si ritrovò con un suo vecchio pianoforte verticale piuttosto scordato e che mostrava i segni del tempo. E, mentre le parole di Nesli scorrevano solitarie, lui le ha accompagnate con questo vecchio pianoforte.

Così, ho pensato che forse non fosse il caso di perseguire forzatamente un senso di perfezione a tutti i costi, essere sempre impeccabili in tutto. Da qui è nata l’idea di un pianoforte in fiamme. Non solo nel videoclip, ma anche nella traccia audio stessa un po’ si sente, volutamente, lo scricchiolio del legno di questo pianoforte avvolto dal fuoco.

Sappiamo che molti video su Tik Tok utilizzano “Perdere Tutto”, il videoclip su YouTube ha raggiunto mezzo milione di views e su Spotify ha totalizzato 100 mila stream, Hale, ti aspettavi questi numeri?
A parer mio, è sempre giusto avere delle aspettative. Al contrario, non è giusto buttare via un brano senza che ci sia un piano per fare in modo che possa arrivare a più persone possibili. Perché penso che, probabilmente, sia proprio la condivisione il senso dell’arte e della musica stessa. Altrimenti i brani, possiamo tenerli per noi, possiamo fare musica nella nostra cameretta. Il fine della musica è proprio poterla far arrivare a più persone possibili, anche dal vivo quando si potrà, sperando di ripartire presto.

Delle aspettative le nutrivo, ma un po’ come tutti, sarebbe ipocrita dire il contrario. Poi è chiaro, si può sempre migliorare. La strada è sempre in salita però un percorso è fatto anche di questo, di lavoro duro, impegno affinché la musica possa arrivare ai cuori delle persone.

Hale, noi di Honiro Journal ti ringraziamo per averci accompagnato in questo viaggio all’interno dei tuoi pensieri e della tua musica!
Grazie a voi, un saluto a tutti i lettori di Honiro Journal!

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È online da oggi il video di “METEORITI”, il brano di Mr Rain che conta oltre 2,8 milioni di stream totali, protagonista di uno dei trend più condivisi su TikTok. “METEORITI” è contenuto nel suo ultimo album “Petrichor”, uscito lo scorso 12 febbraio. Per la regia di Enea Colombi e da un’idea di Mr. Rain, il videoclip è stato girato in una location suggestiva e costruito sul dualismo cromatico tra Bianco e Nero, un viaggio tra paesaggi in forte contrasto fra loro, tra architetture naturali e artificiali in cui l’artista si ritrova solo ed intrappolato.

“METEORITI” di Mr Rain è una canzone d’amore, un amore che non finisce. È dedicata alla persona che si considera la più importante per la propria vita. Può essere un fidanzato, una compagna, un fratello, chiunque a cui diresti: 
«A prescindere da quel che succederà, non basterà una sola vita insieme. Rimarremo legati per sempre come due satelliti che in traiettorie parallele non si incontrano mai e stanno lì nello stesso universo e in ogni universo possibile». Un verso per tutti: «Tu sai chi siamo chi sono e com’ero l’unica persona che mi guarda e mi legge il pensiero».

Con “Petrichor”, Mr. Rain si dimostra l’artista fuori dal coro, sempre capace di descrivere all’interno delle sue canzoni la parte più sensibile di sé stesso, con particolare attenzione alle parole, che riescono a raggiungere la parte più sensibile del pubblico.

La parola “Petrichor” significa letteralmente “profumo della pioggia”.  La scelta non è casuale per l’Artista, in quanto Mr. Rain scrive, compone, ed è ispirato solo quando piove e riesce a sentire il profumo della pioggia. È anche un fil rouge dell’album, che ricama ed accompagna tutte le canzoni, come fossero la colonna sonora di un suo film. 

“Petrichor” nelle sue 10 tracce contiene, oltre alla hit “Fiori di Chernobyl” (certificata Doppio Platino) e a “9.3” (certificata Oro), anche il singolo “Non c’è più musica” con BIRDY, lacantautrice inglese di fama internazionale, e un’altra importante collaborazione internazionale: quella in “Nemico di me stesso” con il rapper Hopsin, il giovane talento americano conosciuto soprattutto per le liriche, i tecnicismi e per l’ottima capacità di auto-produzione di beat.

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Il successo di “Famoso” non ha fermato l’estro di Sfera Ebbasta, da sempre molto attento a sfruttare al massimo il potenziale della sua musica. Per l’occasione sono stati chiamati due che ormai non sono più una sorpresa e che di emergenti, c’è da dire, hanno ben poco o nulla: Paky e Geolier. “Tik Tok RMX”, in collaborazione con Marracash, Guè Pequeno e, appunto, Paky e Geolier, è un prodotto tipico dei nostri tempi, dove serve aggiungere sempre più roba a qualcosa che ha già funzionato. I nomi sono di tutto rispetto, chiaro però che un remix con tre strofe non inedite è sicuramente meno appetibile di uno completamente rivisitato. È una formula che funziona e che abbiamo già visto riproporsi con altri lavori di molti artisti, e il pubblico stesso non disdegna per niente.

Il pezzo, di per sé, è confezionato alla grande: Paky, la cupezza fatta a timbro, si incastra alla perfezione con Geolier, che è un contenitore di flow pronti all’uso per qualsiasi traccia gli venga proposta. Sfera ha fatto centro ancora una volta, rimane e rimarrà il numero uno della scena per idee e mentalità. Stiamo parlando di uno che ha dato vita a un movimento musicale in voga da almeno quattro anni e che ha saputo esportare la propria musica oltre confini.

“Tik Tok RMX” è un brano potente, ma dal quale ci si aspettava qualche tipo di rivisitazione. Così non è stato e pace, sarà per la prossima volta. Ciò non toglie l’enorme caratura del progetto del rapper di Cinisello e, anche per questo, resta difficile fargli le pulci.

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È online il video ufficiale di “DUE CUORI A METÀ” (Visory Records), il nuovo singolo di DANDY TURNER. Il brano sta riscuotendo un notevole successo, entrando nella playlist di Spotify Generazione Z e registrando diversi video su TikTok realizzati sulle sue note.

Il video, girato da Arianna Petricca, vede la partecipazione di due guest star d’eccezione…Barbie e Ken!

«Appena mi hanno comunicato l’idea del video ho detto “facciamolo”. Già dall’inizio ero molto entusiasta all’idea di un progetto del genere, ma ora che lo vedo terminato posso dire con orgoglio che spacca. Mi ha sorpreso come grazie a due bambole, una tv e un vecchio giradischi si possano tirare fuori tante emozioni – ha dichiarato Dandy Turner – Alla fine è stata messa in scena una vera e propria storia d’amore, poche ed iconiche immagini sono bastate per esprimere quello che sentivo nell’ideare il pezzo. Magari la storia di questi Barbie e Ken non è come uno se la immagina, anzi, non è affatto ideale, ma mi rappresenta».

“Due cuori a metà” è il primo singolo di Dandy Turner per Visory Records, con la quale sta iniziando un percorso che lo porterà alla pubblicazione del suo primo album ufficiale. Il brano, prodotto da Mark Twain, è caratterizzato dalle tonalità sad pop tipiche di Dandy Turner e racconta di una vecchia storia d’amore finita male. Tutte le strofe giocano su ricordi agrodolci, rimorsi e speranze vane, accompagnate da melodia che crea un mix perfetto di suoni ed emozioni.

Dandy Turner è un artista romano che ha superato più volte il milione di streaming con i suoi brani, raggiungendo il Disco d’oro per il singolo “Sei bella come Roma”. Altri suoi brani che lo hanno portato alla ribalta discografica e social sono “Troppi Sguardi”, “#Amor”, “Neverland” e “Polaroid”. Grazie a questi successi, Dandy Turner ha collaborato anche con artisti di fama nazionale come Biondo e Gionny Scandal.

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“Ok boomer” è il nuovo singolo di Zame, l’artista che negli ultimi tempi ha conquistato la piattaforma di Tik Tok con “Anime”, il suo scorso singolo, che ha generato ad oggi oltre 15.000 video Tik Tok e più di 240 mila follower sul profilo dell’artista. 

“Ok boomer”, prodotta da siccomepioveva, racconta di come l’artista a volte si senta incompreso, sia dalle generazioni precedenti, sia da quelle coetanee e successive, il messaggio che Zame cerca di mandare da sempre è quello di essere se stessi, senza regole e senza remore. 

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Sfera Ebbasta ospite d’eccezione nella nuova hit mondiale del dj e producer due volte candidato ai Grammy Steve Aoki, MAMBO, disponibile da oggi – 1 febbraio – su tutte le piattaforme digitali per l’etichetta latin Dim Mak En Fuego di Aoki.

Per lanciare MAMBO, Steve Aoki ha riunito i migliori hitmaker provenienti da tutto il mondo. Oltre a Sfera, icone della musica mondiale come il dj e producer franco–mauriziano Willy William, la superstar Sean Paul, il rapper dominicano El Alfa e il duo di produttori texani Play-N- Skillz. Il risultato è un melting pot di sonorità latin dance in tre lingue. Con Sfera a portare valore aggiunto con le sue barre in italiano (una scelta precisa e non casuale), in una hit pensata per il mondo.

Così Steve Aoki parlando del brano: 
“Realizzare Mambo è stato uno spasso. Come sempre, trovo che il sound latino sia il parco giochi più divertente in cui giocare! La collaborazione con Willy William, Sean Paul, El Alfa, Play-N-Skillz e Sfera Ebbasta ha davvero dato alla canzone un aspetto internazionale. In un momento in cui stanno accadendo così tante cose, una canzone come questa è perfetta per dimostrare ai fan che siamo tutti uniti”.

“Questo brano è l’ennesima dimostrazione che la musica italiana possa arrivare in tutto il mondo. Sono molto felice di far parte di questo movimento.” 
Ha aggiunto Sfera Ebbasta parlando di “Mambo”.

Per MAMBO, Aoki ha campionato la voce del leggendario musicista jazz, cantante e attore Cab Calloway, il celebre Hi-De-Ho Man, e ha dato ulteriore prova della sua capacità di riunire i migliori talenti di quattro angoli del mondo, mescolando in modo magistrale differenti culture. La mitica American Coast, le isole tropicali dei Caraibi, l’afrobeat e il rap europeo.

Il video di MAMBO è diretto da Helen Ratner, motion artist con base a Brooklyn che ha già lavorato con artisti del calibro di Kanye West e FKA Twigs. Ratner ha messo il suo talento al servizio della hit. Fondendo colori strabilianti e una grafica all’avanguardia. Tutto questo per meglio mettere in luce le diverse culture rappresentate da Steve Aoki, Willy William, Sean Paul, El Alfa, Play-N-Skillz e Sfera Ebbasta. Dalle radici nippo-americane di Aoki al sapore dominicano di El Alfa, il video incarna il vero spirito di MAMBO. Uno spirito che celebra attraverso la musica la diversità come valore aggiunto.

Ma non è tutto. Il mese di febbraio si apre con un’altra ottima notizia per Sfera e il suo FAMOSO. L’album dei record uscito worldwide per Island Records e già doppio disco di platino.
Con i nuovi Fimi Awards, anche TIK TOK feat. Marracash e Gué Pequeno ha conquistato la certificazione Disco di Platino, aggiungendosi alla già nutrita collezione di successi delle scorse settimane. In soli due mesi Sfera è stato per sei volte al numero 1 della classifica settimanale Fimi/GfK degli album più venduti e ha ricevuto nove dischi d’oro e tre dischi di platino (per Baby, Bottiglie Privè e ora Tik Tok), oltre che il doppio platino per l’album.

Nella sua settimana di uscita FAMOSO è stato il quarto album più ascoltato del mondo su Spotify, stazionando per tre settimane nella TOP 50, classifica esclusiva e riservata ai big della musica internazionale. Il video di Baby con J Balvin è stato in tendenza in 14 paesi su Youtube oltre ad essere entrato stabilmente in classifiche nazionali straniere. Questi dati, e non da ultimo la collaborazione con Steve Aoki in MAMBO, danno un chiaro segnale di come Sfera stia spostando sempre più in alto le possibilità della musica in italiano nel mondo.

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IL TRE (nome d’arte di Guido Senia) ha annunciato il suo album d’esordio “ALI” in uscita il 19 febbraio. E la notizia non solo ha creato grande interesse sui social con tantissimi like e commenti ma ha portato l’album in preorder al n.1 dei principali store (Amazon, Ibs e iTuns) creando un forte interesse per questo atteso debutto.

Dopo il successo del singolo “Te lo Prometto”, certificato Platino per le vendite e tra i brani più popolari di Tik Tok, l’album è stato anticipato brano “Pioggia”, il cui video è online da oggi. Il video è prodotto da Borotalco.tv per la regia di Simone Mastronardi e Mattia Riccio.

“Pioggia” è l’ultimo brano inserito nell’album. È estremamente personale. E’ un insieme tra i problemi adolescenziali, la necessità della ricerca di sé stesso, la paura di crescere. I problemi sentimentali, gli errori e la sensazione di essere come una bomba pronta a scoppiare.

Con temi quali l’importanza per le piccole cose, l’attaccamento alla famiglia e agli amici di sempre, il rimanere sempre fedeli a sé stessi nonostante i cambiamenti, la fragilità, la consapevolezza di sé e il credere nei propri sogni ha dimostrato di portare un suo proprio modo di farsi strada nella musica.

Tutto questo è racchiuso nel suo primo album “ALI – Per chi non ha un posto in questo mondo”. Il disco è in uscita il 19 febbraio e in preorder da oggi.

L’album è disponibile in vari formati, oltre alla versione standard fisica e digitale, verrà venduto anche autografato, in una speciale edizione per Amazon con cd e T-shirt, un’altra con cd e un evento “Italian Graffiti” su LiveNow e Q&A e in formato vinile numerato con poster e dedica.

“Ali” è un guardarsi indietro e in avanti prima del grande salto. È una presa di coscienza di cosa si è guadagnato e di cosa si è perso. L’onestà con cui Guido racconta le sue fragilità, è uno schiaffo per tutti coloro che non vogliono fare i conti con sé stessi. È la voce per quei ragazzi che non hanno la forza di urlare. È un abbraccio, per chi non ha un posto in questo mondo. Sono le ali per accettarsi, credere nelle proprie qualità, sognare in grande e riuscire a spiccare il volo.

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E’ disponibile in tutti digital store “Manchi” il brano d’esordio dei Favola, duo futurepop composto da Riccardo Riccio e Diego Mora. Ventenni che hanno deciso di mettere in comune le rispettive esperienze in ambito musicale per consacrarsi allo scopo di lanciare un genere già affermato nelle scene underground estere, ma ancora sconosciuto in Italia.

Il futurepop nasce a fine anni ’90 e si caratterizza per la forte influenza del synth pop e le sonorità electro industrial, unite per creare brano estremamente ballabili.

È questo il caso di “Manchi” che, nel suo essere stato registrato e sviluppato tra Inghilterra e Italia, riassume in sé il suo sapore internazionale e il proposito dei due musicisti e produttori di introdurre queste nuove sonorità a casa nostra.

Tra drop e campionature personalissime, il brano racconta con un sorriso malinconico la nostalgia per amori che, per quanto passati, lasciano sempre una traccia. Un’istantanea che fermi un breve momento di felicità, facendolo rivivere anche quando si sarà concluso.

Riccardo e Diego raccontano un amore fresco, spontaneo, ma con la consapevolezza di chi lo ha visto finire e cerca di trattenerne l’essenza, le sensazioni.

“Questa canzone racchiude il nostro desiderio di vivere emozioni bellissime. Emozioni legate ad amori passati e di immortalarle in una foto per non dimenticare mai quelle sensazioni vissute”.

Scavando nelle storie individuali dei due componenti, vediamo come il loro primo vero amore è quello per la musica. Passione che li ha accomunati fin dall’infanzia facendoli poi incontrare per la prima volta nelle aule della ACM University of London.

Da lì è cambiato tutto. La nascita dei Favola, in cui vanno a confluire gli anni di esperienza di ciascuno dei due. Scatenando così immediatamente la reazione sui social, in particolare Tik Tok e Instagram, e rubando i cuori di migliaia di teenager, che li hanno fin da subito acclamati come loro idoli.

Ma non sono solo i like a parlare. Nonostante la giovane età entrambi possono vantare un’ampia esperienza nel songwriting e nel music producing. Tanto da potersi permettere di autoprodurre i propri lavori.

Il loro incontro ha permesso ad entrambi di far esplodere quel potenziale latente che da tempo cercavano di sviluppare.

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Fuori oggi, venerdì 15 gennaio, “BONITA” (Virgin Records/Universal Music Italia), il nuovo brano di YOUNG SLASH e VILLABANKS, disponibile in streaming e digital download.

Scritto a quattro mani da Young Slash e VillaBanks, con la produzione firmata da Francesco Morabito, in arte Demo, “Bonita” è la vita di strada senza filtri, com’è nella realtà. Lo slang spinto all’estremo, le immagini di trionfo sulle insidie di un mondo che non regala niente. 

“Bonita è una canzone a cui tengo molto. – spiega Young Slash – Il beat è nato in studio passando le notti con Demo. Già sentivamo che c’era qualcosa di diverso in questo brano. L’ho proposto all’artista Villabanks che subito ha capito tutto e ha fatto una strofa potentissima. È venuto in Liguria dove abbiamo realizzato il video. È diventato subito un fratello e sono contento di averlo portato nel mio quartiere, dai miei amici, dalla mia famiglia e sentire che si sentiva a casa e capiva che vita viviamo qua è la cosa che in assoluto mi ha fatto più piacere”.

Qui potete ascoltare “Bonita” il nuovo brano di YOUNG SLASH feat. VILLABANKS

Young Slash, 18 anni, origini mauriziane, all’anagrafe Andrea Coodye, nasce a Sesto San Giovanni ma trascorre tutta l’infanzia nel quartiere genovese di Utri, che cita e descrive molto spesso nei suoi testi, inizia a rappare a 11 anni.

Dopo video come “Illuminati Freestyle” e “Ave Maria“, esce “Africano Freestyle“, per Studio Ostile. Il video di “Emirati“, registrato allo Studio Ostile di Genova, raggiunge le 40mila views e Young Slash ha da poco compiuto solo 16 anni. Nel 2017 esce “Black Fury“, un mixtape che racconta il suo percorso di vita. Nell’autunno del 2017 esce “Famous Slash” il nuovo video di Young Slash prodotto da Demo ed estratto da “Black Fury“.

Poco dopo, nel mese di dicembre 2017, collabora con Tommy Kuti e Laioung al singolo “Amen RMX“. Nell’autunno del 2017 esce “Famous Slash“. Nel 2018 esce il primo singolo per Sony, “Ricco e povero” e, sempre per Sony, nel 2019 il singolo “Piatek” con il rapper Polacco Zabson e nel 2020 l’album “Popular“. “Bonita” è il primo singolo di Young Slash che esce per Virgin e Universal.

Vieri, aka VillaBanks, ha 20 anni, vive attualmente a Milano ed è un cantante Urban. Cittadino del mondo, viene influenzato da vari generi musicali che riporterà nelle sue produzioni artistiche. Dopo 3 mixtape prodotti con Linch, con il quale fa squadra fissa ancora oggi, nel 2018 esce il suo primo singolo “9 mesi” e nel giro di pochi mesi riesce a farsi notare e creare attorno a lui una fanbase di fedeli “organica” senza utilizzare nessun tipo di promozione. Nel 2019 esce con una serie di nuovi singoli: “Guadalajara”, “M”, “Pikachu”, “Claque”, “Mentirosa”, “18 anni”, “DEL”, “Chupa Chupa”, “Voglia di te”, “Pego”. I suoi temi sensuali, passionali e carnali passano dall’italiano all’inglese per poi arrivare allo spagnolo e finire al francese.

A settembre 2019 pubblica il suo primo album “NON LO SO”, prodotto interamente da Linch. Il brano “Candy” ft. Vale Pain diventa virale ottenendo 20,5 milioni di stream su Spotify, oltre 8 milioni di visualizzazioni su YouTube e quasi 200mila video creati su TikTok. Nel 2020 pubblica ben due album: a gennaio  “Quanto Manca”, di dieci tracce tra cui un feat. con Bello Figo, e a ottobre “El Puto Mundo”, che contiene il singolo di successo “Pasticche” feat. Capo Plaza, che ha superato i 10 milioni di ascolti su Spotify ed è stabile in top 20 dei brani più ascoltati in Italia da più di due settimane, e il feat. con Rosa Chemical nel brano “Succo di bimbi”.

Ad oggi Villabanks è riuscito a conquistare quasi 1 milione di ascoltatori mensili su Spotify e circa 150mila followers su Instagram e, grazie ai suoi “switch” nei brani tra diverse lingue, ha suscitato interesse anche nei mercati internazionali. 

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Esce “Due Cuori a Metà” il nuovo singolo di Dandy Turner.

Nicolas Lucarini è il nome reale dell’artista Romano, Dandy Turner. Classe 1999 attivo nell’ambito musicale dal 2018. Si definisce un Emo Trapper, un genere musicale metà e metà, molto particolare e unico. Come lo è, il suo nome. Ispiratosi al genere letterario inglese del Dandismo e del Fantafilm Timmy Turner.

“Ho fuso questi due nomi perché è come se dovessi essere due metà. Per gestire la situazione familiare, vivevo tra casa mia e casa dei miei nonni. La passione per la musica l’ho sempre vissuta sin da piccolo sui piccoli palchi insieme a mia Madre. Ho sempre sognato di raccontare ciò che avevo dentro, tutte le mie frustrazioni, ognuno utilizza il suo mezzo. Il mio ho capito che era la musica.” Dichiara il giovane talento a Visory Records. 

Il suo sogno continua a crescere. Oggi conta più di 12 Milioni di visualizzazioni su Spotify per i suoi singoli. Registrando come Disco Oro, il pezzo “Sei Bella come Roma”. Chissà se anche “Due cuori a metà” di Dandy Turner avrà lo stesso destino. Una canzone emozionante, profonda e metaforica di un amore fatto a metà per l’orgoglio di reprimere. La distanza che innalza muri. Una frase del testo che esprime, la sua vera natura. “L’orgoglio a noi non ci lascia vedere, ricordi sono pozzanghere su cui cadere”.
A volte la paura prende il sopravvento sulle emozioni, quelle si possono nascondere, ma l’anima musicale non ci riesce e le fa esplodere.

“Due cuori a metà” è il primo singolo di Dandy Turner per Visory Records, con la quale ha iniziato un nuovo percorso che lo porterà alla pubblicazione del suo primo album ufficiale. Le precedenti uscite dell’artista lo hanno portato a collaborare con artisti di fama nazionale come Biondo e Gionny Scandal. 
Di particolare impatto i brani Sei Bella come Roma e Troppi Sguardi, seguiti da #Amor Neverland, Polaroid, i quali oltre ad un successo negli stores digital hanno accumulato migliaia di video sui social in cui comparivano i brani e hanno attirato l’attenzione di radio, magazine e addetti ai lavori sull’artista.

Il singolo come già annunciato dal titolo, ha una tematica amorosa (dal brano “Due cuori a metà ma comunque insieme), dalle tonalità sad pop tipiche dell’artista. Per la produzione è stato coinvolto il producer Mark Twain, che con la melodia (in particolare della chitarra) lo accompagna in un mix perfetto di suoni ed emozioni. 
L’artista è già stato oggetto dell’attenzione degli stores, ripagandola puntualmente con l’apprezzamento del pubblico. In particolare Spotify lo ha collocato con ottimi risultati nella playlist Generazione Z (in precedenza Pop Virale), la quale sia per genere che per pubblico risulta perfettamente in linea con l’artista, vista e considerata la sua crescente popolarità nei social network (soprattutto Tiktok).

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Dopo la partecipazione all’ultima edizione di X-Factor e la pubblicazione di “Se Non Mi Trovi Pt.2”, torna Kaima grazie a “Mai” il suo nuovo singolo che racconta una relazione a distanza vissuta ai tempi del lockdown.

Gabriel Covino, in arte Kaima, ha deciso di raccontare a noi di Honiro Journal qualcosa di sé, della sua storia e del suo vissuto, svelandoci il significato di questo suo nuovo brano, uscito l’11 dicembre. Ci ha raccontato il suo rapporto con la musica, la sua esperienza ad X-Factor e come sia nata, cosa voglia trasmettere e delle curiosità riguardo “Mai”.

Ciao Kaima, il tuo nome d’arte è davvero particolare, ti va di raccontarci qual è il pensiero che ti ha portato a sceglierlo e il suo significato?
Il mio nome d’arte non è studiato. E’ nato tutto per caso, da una persona con cui avevo un amico in comune. Questo ragazzo, di nome Youssef, invece di dirmi semplicemente “Ciao”, mi diceva “Ciao Kaimano”. Così, dopo un paio di volte, è diventata un’abitudine vera e propria. Ormai questo soprannome è diventato universale tra noi, i miei amici li chiamo “Kaima” perché è diventata una cosa di gruppo.

Come ti sei avvicinato alla musica? C’è stato un evento che ti ha portato ad appassionarti?
Credo di non essere stato io a scegliere la musica, ma lei a scegliere me. Faccio questo genere, orientato verso il rap/pop perché è ciò che penso mi si addica maggiormente però io ascolto da sempre ogni tipologia di musica. Mi sono appassionato perché c’erano un paio di miei amici che facevano freestyle, io all’inizio non sapevo nemmeno cosa fosse. Hanno cominciato a coinvolgermi in questo mondo ed è nata così. Il primo disco che ho ascoltato è stato di Fifty Cent e quello è stato anche l’unico album che io abbia mai comprato in vita mia. Da quando ho ascoltato quell’artista, nel 2003, mi sono detto di voler intraprendere questa strada anche io. Non sapevo che tipo di musica ma percepivo ci fosse il desiderio di farlo. Ero proprio affascinato.

Pochi giorni fa, precisamente l’11 dicembre, è uscito “MAI” il tuo nuovo singolo. Ci racconti qualcosa di questo brano? Come è nato? Cosa vuole trasmettere?
Questa canzone è nata come tutte le altre. Io ho un metodo ben preciso, mi metto davanti al pc, ascolto il beat, prendo un foglio di carta e inizio a scrivere tutto ciò che sento. Così, tutto ciò che il beat mi fa provare si trasforma in una canzone, la mano spesso si muove da sola seguendo i pensieri e le idee, è davvero tutto naturale e spontaneo. Anche lo stesso titolo “MAI” è nato da solo, non c’è stata una vera e propria spiegazione. Non ho nemmeno mai modificato una sola parola del testo. Solitamente scrivo e poi cambio qualcosa, invece in questo brano no, non ho toccato nulla.

Quando si indossano le cuffiette e si preme play su “MAI” si percepisce una velata nostalgia. Cos’è la nostalgia per te? Solitamente vivi questo sentimento in modo positivo o negativo?
La nostalgia per me rappresenta un sentimento positivo perché io sono una persona particolarmente legata ai ricordi. Amo ricordare anche attraverso la musica tutto ciò che è successo, ciò che fa parte della mia storia.

Una strofa che colpisce particolarmente di questo tuo nuovo singolo è sicuramente “E vedo solo il male se mi guardo dentro, ma non ne parlo mai, tu dimmi come fai se senti quel che sento”. Quanto è importante per un artista guardarsi dentro per poi riuscire a dar voce a ciò che sente? Per te, oltre che una passione, la musica è una forma di comunicazione per esprimere i tuoi sentimenti?
Tutte le canzoni che scrivo mi vengono spontanee, questo proprio perché mi guardo dentro. Ogni tanto scrivo perché ispirato da qualcosa in particolare, come la scena di un film ad esempio, ma la maggior parte delle volte nella mia musica parlo di me, della mia storia, di ciò che io ho da raccontare, di quello che ho vissuto.

Quindi parte tutto sempre dal cuore, non scriverò mai una canzone solo perché la devo scrivere o perché le persone la devono ascoltare, devo sentire io la necessità di farlo. La musica mi fa stare davvero bene. Grazie a lei mi esprimo, io non sono uno che parla tanto, con la musica invece riesco veramente a dire tutto ciò che non riesco a dire a parole.

Un’altra frase che rimane impressa è senza subbio “Darmi speranza quando non ci credo” quanto bisogna credere in ciò che si fa soprattutto quando si è un artista?
Bisogna crederci davvero tantissimo. Il ruolo dell’artista non è facile. Io sono così, io ci credo sempre, so quanto valgo e alla fine scrivo musica da un po’. Scrivo canzoni da tempo, non sono ancora arrivato dove voglio arrivare, questo è solo l’inizio, però io ci credo molto. A volte ci sono dei giorni in cui mi chiedo se sia la strada giusta, se sia la cosa per me. Ogni tanto mi faccio qualche domanda, pensa che “Se non mi trovi”, che è ora il mio pezzo più forte, non volevo nemmeno farlo uscire. Ora siamo circa ad un milione e 650mila.

Io ero molto titubante, mi chiedevo se potesse piacere. Poi l’ho fatta uscire ed ha avuto un riscontro davvero molto positivo, con “Mai” è successa la stessa identica cosa. Il mio manager mi aveva consigliato di farla uscire, ripetendomi che la gente la doveva ascoltare. A me piaceva molto però prima l’ho mandata alle persone che mi sono vicine e qualche mio amico. I miei amici sono anche loro abbastanza selettivi, per fortuna ho degli amici sinceri. Quando qualcosa gli piace o non gli piace me lo dicono. Anche a me piaceva il pezzo, però “MAI” è un brano che ha un anno quindi lo ascolto da molto. Poi Janax ha reso la canzone davvero molto bella e alla fine è uscita.

Volendo rimanere fedeli a “MAI” il titolo di questo tuo nuovo brano, ti chiedo cosa, in ambito musicale, non hai MAI fatto ma sogni di fare, e cosa invece non faresti MAI.
Una cosa che non ho mai fatto, purtroppo, è suonare dal vivo. L’ho fatto quando ero piccolo ma non ora. Ora sarebbe molto bello perchè anche la gente che mi segue mi chiede se farò meet and greet o se comunque ci sarà la possibilità di vederci faccia a faccia. Vedere le persone che mi seguono dal vivo sarebbe un’emozione, un’emozione proprio vera. Al momento loro mi mandano molti messaggi e c’è il feedback attraverso Instagram o comunque i social. Grazie a Spotify e i numeri capisci che la gente sta ascoltando e apprezzando il tuo pezzo, però non c’è la persona davanti a me.

Il riscontro dal vivo è tutta un’altra cosa. Questo l’ho provato con X-Factor e mi è piaciuto molto, io comunque alla fine uscivo dalla mia cameretta. Ho fatto X-Factor che non avevo mai cantato live, è stato davvero bellissimo.

Una cosa che invece non farei mai è un featuring con un artista che non mi piace. Proprio come nei testi, anche nelle collaborazioni faccio ciò che mi sento di fare, senza essere forzato. Sono un ragazzo molto trasparente, chiaro, quindi se una cosa non mi sento di farla la lascio stare.

Come ben sappiamo, hai partecipato ad X-Factor. Qual è il tuo ricordo più bello legato a questa esperienza? Qual è un istante indimenticabile che porterai con te per molto tempo?
La prima esibizione, senza dubbio. Ricordo che ero molto agitato perché appunto non avevo mai cantanto live e avevo davanti artisti come Mika, Emma, Hell Raton e Manuel Agnelli. Sono passato con quattro si, quindi il massimo dei voti e quella è una cosa che ricorderò sicuramente. Anche sul palco, comunque, è tutto molto naturale. Durante l’esibizione non si pensa più a ciò che si deve fare o come lo si deve fare, ci si lascia andare e lo si fa e basta.

Cosa ti ha lasciato la partecipazione a X-Factor? Come speri che questa esperienza possa esserti d’aiuto nella tua carriera?
Sinceramente mi saranno d’aiuto i no che ho ricevuto. I no sono motivazionali perché senza riceverli non si avrebbe mai nemmeno la voglia di impegnarsi ancor di più. Proprio come un giocatore che appena entra in partita sa che deve fare goal, e io con questi singoli tenterò in tutti i modi e ce la metterò tutta per andare a segno.

Nel 2020 X-Factor, dal 2021 cosa ti aspetti? Vuoi anticipare a noi di Honiro Journal quali sono i tuoi obiettivi e progetti futuri?  
Spero un album per il 2021, un EP sicuramente. Io ho già tutte le canzoni da qui ad Aprile perché mi porto sempre avanti. Ci sono artisti che lavorano traccia per traccia, io preferisco chiudere la traccia e iniziarne subito un’altra. Ho in programma circa un singolo al mese. Sono molto contento, ho il mio team alle spalle che mi motiva tutti i giorni.

Kaima, noi di Honiro Journal ti ringraziamo e ricordiamo inoltre che ieri è uscito il videoclip di “MAI”. Questo, come protagonisti ha decine di Tik Tokers da centinaia di migliaia di followers che hanno accettato di partecipare all’iniziativa e alcuni dei tuoi fan più stretti che hanno avuto il privilegio di ascoltare il brano anteprima. 

Se prima c’era l’sms per sentirsi con la propria dolce metà nel 2020 la tecnologia ci viene incontro con le videochiamate che soprattutto in questo periodo danno la possibilità di restare uniti, per questo nasce la scelta di girare il video come se fosse una “Video chiamata” tra Kaima e tutti i protagonisti del video.

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