Dopo aver aperto concerti di artisti come Diodato e Max Gazzè e dopo un intenso percorso di performance live, è disponibile dal 14 dicembre su tutti i digital stores “LOGICO”(Macro Beats/distribuito da Artist First) il singolo d’esordio di PAOLA PIZZINO.

Disponibile anche in versione unplugged, “LOGICO” è un brano che si disegna tra la consapevolezza di voler abbandonare ciò che non è più razionale e la speranza di trovare riparo nel futuro.

Chi meglio di PAOLA PIZZINO poteva raccontarci questo brano? Noi di Honiro Journal l’abbiamo intervistata!

Essendo il tuo primo brano, non posso non chiederti da dove abbia preso vita l’ispirazione per questo titolo

La canzone si chiama “Logico” ma, in realtà, nel ritornello io dico “non c’è niente di logico” e forse è proprio in questo che risiede l’intero senso del brano. Infatti, se da sempre, nella vita, cerco di mantenermi più logica possibile, estremamente razionale nelle mie relazioni interpersonali, poi nella realtà esiste anche una mia parte irrazionale, illogica. Questo ossimoro nel titolo quindi, ripensandoci, è nato proprio spontaneamente.

Questo singolo rappresenta il tuo esordio ma sappiamo che, in realtà, tu hai alle spalle già molte performance dal vivo. Essendo reduci da un periodo in cui, purtroppo, durante la pandemia gli artisti emergenti hanno potuto esordire solo in digitale, cosa differenzia invece l’esordio di chi ha potuto prima esibirsi live? Che bagaglio di emozioni ha chi esordisce direttamente dal vivo?

È una domanda importante. Spesso mi è stato chiesto “come ti senti ora che è uscito il singolo?” e la mia risposta a questa domanda è che sono veramente felice, soprattutto perché finalmente tutte le persone che durante i live mi chiedevano dove potessero ascoltare i pezzi ora li potranno trovare anche in digitale. Il mio esordio quindi, per me, ha significato rispondere a questa domanda del mio pubblico. Onestamente però, allo stesso tempo, quando si parla di stream, di digital stores, avverto quanto mi manchi un po’ quella concretezza, quell’aspetto a cui i live mi avevano abituata maggiormente. Spero quindi vivamente che questi numeri si trasformino in un’esperienza dal vivo sempre più importante e sempre più bella.

Mi è piaciuto molto “LOGICO” versione unplugged perché, metaforicamente, oltre che un brano in acustico, mi è proprio sembrata la ricerca di un’autenticità particolare. Quanto è importante per te, nella musica ma anche nella vita in generale, avere il coraggio di mostrare la propria vera essenza?

Sono una persona a cui, da sempre, è piaciuto impegnarsi in tantissime cose, allo stesso tempo cerco sempre di essere credibile in tutto ciò che faccio. Credo che il segreto per essere autentici, paradossalmente, sia proprio non pensarci, non costruire nulla. Anche nel mondo musicale, ho sempre detto che per me tutto ciò che ruota attorno ai singoli ha un’importanza minore, è la concretezza che mi importa, esattamente come credo che, nella vita di tutti i giorni, sia la personalità ad essere il fulcro. Credo sia inutile costruire qualcosa che nella realtà non esiste, piuttosto conviene essere sinceri fin dall’inizio, imparando anche a spogliarsi dei filtri per essere credibili.

“Dopodiché’ riprendo la vita che dico di volere, di meritare, così mi lascio andare, così ti lascio andare”. In che modo credi si possa comprendere, come racconti tu in questo brano, che amare una persona, a volte significhi proprio lasciarla andare?

Penso che logico racconti una storia che non era destinata a sopravvivere al tempo. Ancora oggi voglio bene a questa persona, siamo ancora in contatto e credo che sia stata proprio la nostra sincerità a portarci a compiere la scelta di lasciarci, la nostra decisione di guardarci negli occhi e raccontarci cosa, secondo noi, non funzionasse più. Lui ha dato le sue ragioni, io le mie, e credo che logico sia esattamente la narrazione della mia versione: io con lui ho avuto difficoltà a sentirmi me stessa, e quindi anche a lasciarmi andare. In questo singolo credo si possa anche scorgere una sfumatura di rabbia, ma anche il desiderio di essere felici e di andare avanti. Rispetto e fiducia credo siano stati gli elementi chiave per comprendere che lasciarsi andare fosse la soluzione migliore per dimostrare di volersi bene davvero.

“Riempie un album di foto che mi dice chi sono io”. Quanto secondo te è difficile al giorno d’oggi trovare la propria identità, sia nel mondo musicale sia nella vita di tutti i giorni?

L’album che cito all’interno del singolo, effettivamente esisteva davvero. Avevo iniziato a raccogliere le fotografie di tutto ciò che consideravo un mio difetto e avevo intitolato questo album “accettati”. A distanza di anni, sempre come racconto nel brano, l’ho eliminato. Solo però dopo questo processo, solo dopo l’aver accettato i miei difetti, ho iniziato a trovare una mia identità, ad essere semplicemente me stessa, ho quindi iniziato a pensare che in qualsiasi occasione, sia nel mondo musicale, sia nella vita di tutti i giorni, non avrei mai voluto costruirmi un personaggio.

Nella cover del brano possiamo notare questa bruciatura, la carta quasi mangiata dal fuoco. Ti va di raccontarci come è nata l’idea dell’artwork?

Ci siamo mantenuti il più possibile minimal, sia io sia Macro Marco sia Alberto DeSeta che è il creatore dell’artwork. Siamo persone con questa determinata impronta anche nella vita, siamo fan della semplicità, “less is more”, come si dice. Quando mi hanno proposto questa cover ho detto subito di sì, con questa particolarità della sigaretta spenta sul titolo del brano che io ho interpretato come quel dettaglio che forse rende meno perfetto il tutto ma sicuramente più autentico.

Essendo questo singolo solo il primo passo di un viaggio appena cominciato, ti va di anticiparci qualcosa sui tuoi progetti futuri, sui tuoi obiettivi?

Non vedo l’ora di quello che sarà, siamo in fase di trasformazione, abbiamo già altri progetti pronti e sicuramente farò uscire alcuni degli altri brani che ho sempre suonato live. Spero di arrivare a tanti!

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Gianni Bismark torna sulla scena con il suo quarto album, “ANDATA E RITORNO”, disponibile da oggi su tutte le piattaforme digitali.

L’album è suddiviso in due parti: “ANDATA” e “RITORNO“. La sezione “ANDATA” presenta tracce come “Vita Mignotta” e “Parliamo delle stesse cose” con BRESH, mentre la sezione “RITORNO” include brani come “Te famo scuola” con NOYZ NARCOS e “Er Magico”. Il percorso musicale di Gianni Bismark si completa con la title track “Andata e Ritorno”. Una partecipazione straordinaria ha arricchito il progetto, quella di Alex Britti alla chitarra nel brano “Panni di un altro”.

“ANDATA E RITORNO” è il suo modo di trasportare i fan verso qualcosa di inedito, senza dimenticare le radici e abbracciando nuovi orizzonti. Abbiamo scambiato quattro chiacchiere sulle tracce, lo stile ed i feat presenti nel nuovo progetto.

Il titolo “ANDATA E RITORNO” suggerisce un viaggio musicale attraverso due mondi, un ritorno in grande stile. L’album rappresenta il tuo presente, come ti senti ora come artista?
Non è mai facile auto-definirsi, sicuramente i miei fan e chi mi ascolta riescono a farlo meglio di me! In ogni caso avevo delle tracce pronte, tante. Il modo migliore per valorizzarle era dedicarmi ad un progetto in più parti. Volevo creare un mix tra la mia vena rap e quella del genere cantautoriale, senza cadere nel banale. Mi ero prefissato degli obiettivi un po’ più ambiziosi.

Hai scelto featuring molto interessanti per questo album, tra cui NOYZ NARCOS, BRESH, TIROMANCINO e NOEMI. Tutti artisti che hanno un vissuto musicale diverso tra loro. In cosa hanno arricchito te come artista?
Il bello di questi feat è che hanno lasciato tanto a me e al disco, spero che ascoltando le tracce passi questo messaggio. Da sempre la scelta dei miei featuring non è né casuale ne figlia di logiche di mercato. Dietro c’è stato un lavoro immenso, tanti momenti di confronto tra me e tutti gli artisti presenti. Un’empatia pazzesca, che ha raggiunto poi un bel livello di stima reciproca. Questo credo arricchisca pienamente un artista in generale.

Parlando del nuovo album hai dichiarato: “Non mi piace essere etichettato. A me piace fare musica e se un giorno mi esce una canzone diversa da quello che faccio la metto ugualmente nel disco.“
Assolutamente e le confermo. Le etichette sono la cosa che meno sopporto. Sperimentare, cambiare, confrontarsi sono alla base della mia idea di fare musica. A maggior ragione, faccio fatica ad auto-definirmi.

“VITA MIGNOTTA” è il primo brano dell’album, perchè la scelta di uscire con questo singolo per dare il via al progetto?
Non capivo perchè, ma alcuni si aspettavano che tornassi con un album più pop e dalla vena esclusivamente cantautoriale. Questo singolo rappresenta in pieno il cantautorato-rap che dicevamo prima in tema di suono, perchè c’è sia quel richiamo al rap sia il mood cantautoriale. Volevo far capire da subito che sarebbe stato diverso dalle aspettative, che ero pronto a sorprendere con qualcosa di inedito, ma che nello stesso momento ricalcava tutte le sfaccettature del mio percorso come artista. Quindi si, “VITA MIGNOTTA” era il biglietto da visita perfetto.

Il brano “Panni di un altro” vede la partecipazione di ALEX BRITTI alla chitarra. Come è nata questa collaborazione e qual è stata l’esperienza di lavorare con un musicista del calibro di Britti?
Per me Alex è il miglior chitarrista di tutto il panorama musicale, sicuro al 100% di quello italiano. Non lo so, ha un modo di suonare che ti strega, qualcosa che secondo me non puoi definire del tutto. L’ho conosciuto per caso una sera insieme a Federico Zampaglione, mentre guardavamo Sanremo. Pare una cosa un po’ comica lo so [ride], però da li si è sviluppata una bella amicizia sfociata in una stima artistica. Quando ci sono tutti questi spunti, viene quasi naturale dare vita ad un pezzo insieme.

La tua musica ha spesso una forte connessione con Roma, tra l’altro con me giochi giochi in casa. Come la tua città natale continua a influenzare la tua musica?
Roma è tutto, ma questo lo sapete già e a quanto pare tu riesci a capirmi bene Fede [ride]. Roma mi accompagna passo passo, è la mia città, la mia compagna, la mia amica e sono fiero di averle dedicato una canzone in “ANDATA E RITORNO”. Perchè in questo album? Adesso era il momento giusto, la maturità giusta, le corse giuste per raccontare un amore diverso dal comune. Diciamo che il singolo per Roma, intitolato “La mia città”, è una punta di felicità che segna i due mondi presenti in tutto l’album.

E Noyz Narcos?
Un feat che credo sognavo da una vita. Un obiettivo ambizioso e una traccia che dovevo anche ai miei fan. Sono soddisfatto, ma anche felice di aver potuto lavorare con uno dei miei idoli. Per me è tra in singoli più significativi sia per una questione di affetto verso i miei ascolti, sia per la mia crescita come artista.

Questo è il tuo quarto album in carriera. Come descriveresti l’evoluzione del tuo stile e della tua musica da quando hai iniziato nel 2015 fino a oggi?
Sono sempre io, ma sono maturato e con me anche i temi, i suoni. Sono dell’idea che quando fai musica è giusto anche adeguarsi alle novità che si vivono. Le ispirazioni di oggi non possono essere quelle di ieri, ma obiettivamente pure per un fattore anche anagrafico [ride]. Diciamo che è un’evoluzione molto naturale. Questo album è più “suonato”, c’è qualche cura in più nei dettagli. Ho mixato tutto con il mio stile classico in chiave rap-urban. Ti dirò, credo che l’evoluzione sia stata proprio questa: non cancellare niente, ma unire più aspetti inediti con le mie caratteristiche di artista rap.

L'articolo Gianni Bismark racconta il nuovo album “ANDATA E RITORNO”. Tra i feat Noyz Narcos. proviene da Honiro.it.

Tutti noi abbiamo un passato che spesso ci torna in mente, quei ricordi che non siamo disposti a dimenticare, quella persona che ora vive nel nostro “ieri” ma che speriamo, prima o poi, di rincontrare, magari anche per caso, attraversando la strada o camminando su un marciapiede in un pomeriggio apparentemente come gli altri. 

Allo stesso tempo, tutti noi siamo quotidianamente accompagnati dai sogni, dall’immagine di quello che sarà il nostro futuro, e tutti siamo impegnati, ogni giorno, nel vivere il nostro presente. Arricchito da una sfumatura più sentimentale, e raccontato tramite la metafora di una storia d’amore, potremmo dire che sia questo il concept da cui prende vita “Ieri, Oggi, Domani” il nuovo singolo di Francesco Kairòs disponibile su tutti i ditigal stores per Similax Records e Believe Italia.

Francesco Kairòs, già co-autore di brani di Annalisa, Arisa, Ludwig, Anna Tatangelo e altri, torna con un brano avvolto di speranza e consapevolezza che ci trascina alla scoperta della cifra stilistica del suo universo musicale.

Chi meglio di lui poteva raccontarci “ieri, oggi, domani”? Noi di Honiro Journal lo abbiamo intervistato!

Spesso ci ritroviamo immersi nei ricordi o negli obiettivi che vogliamo raggiungere nel futuro, a volte, paradossalmente, dimenticandoci di vivere il presente. Come pensi potremmo imparare a capire quanto sia prezioso l’oggi?

Sicuramente ciò che è stato ieri, quindi metaforicamente il passato, delinea una traccia. Sapere da dove veniamo e dove vogliamo arrivare, quindi il futuro, è un concetto che ho sviscerato non solo in questo singolo, ma anche nei miei progetti precedenti. Personalmente rifletto spesso sul passato per riuscire a captare dalle esperienze trascorse degli strumenti o degli insegnamenti da poter utilizzare per migliorare il presente e il futuro, credo infatti che quest’ultimo non sempre si possa prevedere, ma di sicuro si possa costruire. Il brano è caratterizzato proprio dal concetto appena citato, raccontato con un taglio molto più relazionale e sentimentale.

All’interno del brano si possono scorgere molte sfumature di vita quotidiana, come il rivolgere un semplice “ciao” a qualcuno a cui vogliamo bene. Quanto la quotidianità, il tuo vissuto e in generale le esperienze che hai sperimentato in prima persona influenzano la tua musica?

La quota autobiografica è sempre molto presente nei miei brani, la quotidianità e il mio vissuto sono senza dubbio tra le principali fonti d’ispirazione per i miei progetti artistici. Credo che la musica non debba avere l’arroganza di voler spiegare agli altri cosa sia la vita o come dovrebbero viverla. Preferisco possieda quella sensibilità che permetta, tramite quest’arte, di raccontare esperienze vissute in prima persona. I piccoli gesti quotidiani, che possono essere un semplice saluto o il percorrere un tratto di strada insieme, nascondono un significato molto più ampio, molto spesso infatti utilizzo queste immagini nei miei brani in modo metaforico, per suscitare emozioni specifiche.

Tra le strofe di “Ieri, Oggi, Domani” si può anche ascoltare un “come stai?”. Anche questo probabilmente rappresenta un piccolo gesto che però, in periodi frenetici come il giorno d’oggi in cui si è un po’ persa l’abitudine di interessarsi agli altri, risulta un’accortezza preziosa. Come stai in questo momento della tua carriera?

Sto bene, grazie. Questo mio progetto arriva dopo tanti anni di dietro le quinte, di autorato e di scrittura per terzi. Il desiderio che mi ha portato a dar vita ad una dimensione musicale completamente mia deriva dalla necessità di stare bene, di essere felice ed emotivamente coinvolto nei messaggi che voglio trasmettere. Questo singolo è quindi a tutti gli effetti un ritorno all’essenza della musica, volevo metaforicamente tornare a quella passione, spontaneità e urgenza espressiva di quando ho cominciato a scrivere. Credo che le canzoni siano come delle fotografie, magari sono un perfetto ritratto di un periodo della propria vita ma dopo anni ci si accorge che attualmente quel racconto non ci non ci rappresenti più, nonostante questo però, rimane pur sempre un tassello fondamentale di quel rullino che è la propria vita.

Questo singolo trasmette proprio l’idea del tempo che passa, del susseguirsi di giorni e forse anche dell’imprevedibilità e le sorprese della vita. In tutto questo mutamento e in tutti questi cambiamenti, c’è una caratteristica, un fondamentale o un aspetto della tua musica che sai che, nonostante trascorrano gli anni, rimarrà per sempre simbolo della tua identità artistica?

Bella domanda, credo di riuscire a distinguere perfettamente le varie fasi che hanno attraversato la mia carriera musicale e i miei relativi cambiamenti personali o periodi di vita. Onestamente però, non mi sono mai soffermato sul pensare se, tutti questi passaggi emotivi e artistici, potessero essere legati da un fil rouge. Sicuramente tra il Francesco che anni fa ha iniziato rappando e muovendo i primi passi nel panorama musicale e il Francesco di ora, possiamo identificare come comune denominatore l’impronta riflessiva. Penso di non aver mai scritto testi particolarmente leggeri quindi, nonostante il mio approccio alla scrittura sia cambiato nel corso degli anni, credo che la quota conscious rimarrà sempre parte della mia personalità musicale.

Ti va di anticiparci qualcosa riguardo il tuo domani? Cosa dobbiamo aspettarci dal futuro?

Sto già lavorando al nuovo brano, che vedrà la sua pubblicazione con l’inizio del nuovo anno. Sicuramente c’è anche la volontà di dedicarmi ed iniziare a lavorare anche ad un progetto artistico più grande. Per ora sono felicissimo di comunicare tramite la musica, credo sia questo l’aspetto più importante.

Solitamente prima di concludere le interviste domando sempre se c’è qualcosa che non ti ho chiesto che ci tieni particolarmente che i nostri lettori sappiamo su di te, sulla tua musica, sui tuoi progetti… 

Anticipo che da Roma arriveranno presto molti nuovi progetti, sia da parte mia sia da parte degli artisti, producer e team con cui collaboro e con cui condivido la stessa visione stilistica.

L'articolo FRANCESCO KAIRÒS CI RACCONTA “IERI, OGGI, DOMANI”: “Questo singolo vuole essere un ritorno all’essenza della mia musica” proviene da Honiro.it.

Dal 22 settembre, è disponibile su tutti i digital stores “SI M’ANNAMMOR’” (Asino Dischi distribuito da The Orchard) il nuovo singolo di Gabriele Esposito. Il pezzo rappresenta senza dubbio un brano leggero e spensierato con cui l’artista ha voluto raccontare la sua visione dell’amore.

Chi meglio di Gabriele Esposito poteva raccontarci la genesi di questo singolo? Noi di Honiro Journal lo abbiamo intervistato!

Volendo partire proprio dal titolo di questo brano “SI M’ANNAMMOR’”, quali credi siano gli aspetti che ci fanno capire che ci siamo veramente innamorati?

Penso che la cosa principale sia non riconoscersi nelle sensazioni che si provano quando si è innamorati. Sembra un paradosso, ma da innamorati si avvertono delle emozioni che non fanno parte della quotidianità alla quale eravamo abituati. L’amore scuote corde di noi che nient’altro è in grado di muovere, proprio per questo, un’altra tematica importante di questo brano è la difficoltà di uscire dalla propria comfort zone, il non riuscire ad abbracciare un cambiamento positivo perché ci spaventa.

A proposito di questo, secondo te come mai oggigiorno sembra faccia tanta paura vivere emozioni che lasciano sensazioni positive?

Credo che abbiamo perso contatto con il vivere i nostri sentimenti genuinamente. Spesso siamo sommersi, tramite i media o anche chi ci circonda, da negatività. Soprattutto sui social, se c’è una persona che esprime un parere o un sentimento negativo, trova almeno altre dieci, venti persone che condividono quella stessa negatività, in questo modo viene normalizzato lo stare male. Non so da dove si possa iniziare per tentare di sradicare tutto ciò, so solo che credo che la musica possa essere un buon punto di partenza, sotto tutti i lati ci deve essere una rieducazione a vivere i nostri sentimenti genuinamente.

Questo singolo si presenta senza dubbio come un brano leggero e spensierato. In un mondo molto frenetico come quello di oggi dove siamo quotidianamente sommersi da mille pensieri, come possiamo ritrovare dei momenti di spensieratezza?

Questo pezzo potrebbe essere rappresentato, metaforicamente, dall’immagine di un sorriso misto a nostalgia. In questo periodo succedono talmente tante cose attorno a noi, siamo talmente tanto circondati da una pesantezza generale, che automaticamente cerchiamo uno spiraglio, la nostalgia, per evadere.

“Forse è questo il momento, non devo aspettare domani per raccontare quello che sento” Molte volte non si riesce ad esprimere i propri sentimenti, non si riesce a dire ad una persona quanto la amiamo o quanto le vogliamo bene. Come facciamo a convincerci che questo sia veramente il momento giusto? Come facciamo a vivere nell’oggi e non nel futuro?

Serve una forte presa di coscienza, alla fine la verità risiede proprio in ciò che sentiamo dentro. Capire quando sia il momento giusto per esprimerci deriva da un presentimento, non esiste istante più giusto di quello in cui avvertiamo di dover dare voce a ciò che pensiamo. Quest’anno, a livello musicale, ho avuto tante soddisfazioni e il fatto di essermi espresso tramite le canzoni è una grande fortuna, ma mi ci è voluto molto tempo e molta pratica per capire che non avrei dovuto aspettare il giorno dopo. Questa consapevolezza deve partire in primo luogo da noi, credo che esprimersi sia l’unico modo per sentirsi veramente vivi.

Il tuo tour estivo ha toccato oltre venti città italiane. I live, molto probabilmente, sono forse il maggior punto di contatto con il proprio pubblico. Cosa pensi ti leghi a coloro che ti seguono, in cosa pensi che loro si ritrovino in te?

Penso sia fondamentale il mio provare a non allontanarmi mai da quello che è il sentire generale delle persone. Mi sento privilegiato ad avere la possibilità di vivere di musica, in un mondo dove ormai non ci sono molte certezze. Ciò che mi lega particolarmente al mio pubblico credo sia senza dubbio la mia volontà di raccontarmi sempre senza filtri, come se parlassi con un amico. Durante un live il palco c’è, ma per me è esattamente come se non ci fosse, io mi sento sempre molto vicino al mio pubblico, mi sento sempre in Via Scarlatti.

Gabriele Esposito, solitamente, prima di concludere l’intervista, chiedo sempre se c’è qualcosa che non ti ho chiesto ma che vorresti dire ai nostri lettori

Vorrei dirgli di venire a visitare Napoli per vedere tutto ciò che questa città ha da offrire, e vorrei anche dirgli di non chiudere gli occhi e innamorarsi di tutto ciò che di bello ci circonda ogni giorno!

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Luna, artista simbolo della Generazione Z, è tornata il 21 luglio con “Farfalla”, il suo nuovo singolo. Una combinazione di energia e determinazione caratterizzata da un mood estivo e frizzante, un trascinante inno alla vitalità, al buon umore e a quella spensieratezza che forse, nella vita di tutti i giorni, troppo spesso tendiamo a dimenticare.

Il singolo rappresenta il terzo tassello della sua rinascita artistica con Island Records, iniziata con la pubblicazione dei brani “K.O” e  “ABC”.

Chi meglio di Luna poteva raccontarci “Farfalla” e, più in generale, il suo percorso? Noi di Honiro Journal l’abbiamo intervistata!

Luna, in occasione della pubblicazione di questo brano, su Instagram scrivi “farfalla, il mio nuovo singolo, la nuova me dopo la metamorfosi”. Inizialmente molte volte il cambiamento spaventa, soprattutto quando si è giovani, ma spesso proprio questo passo porta poi a percorrere proprio la strada che si voleva intraprendere. Finora quali sono state le soddisfazioni che ti ha portato questa metamorfosi?

La soddisfazione più grande che mi ha portato questa metamorfosi è sicuramente aver capito chi io sia veramente a livello artistico, è un momento in cui mi sento molto a mio agio musicalmente, penso che questo singolo descriva benissimo il mio mood, sia per quanto riguarda il testo sia per quanto riguarda, più in generale, proprio le vibes. Allo stesso tempo, c’è stata anche una metamorfosi personale perché sicuramente ho scoperto nuovi aspetti di me stessa. Onestamente è vero, il cambiamento spaventa, soprattutto quando è un grande cambiamento. Penso che la cosa più difficile sia stato proprio il percorso che ha portato a questa metamorfosi ma sono felice di esserne uscita avendo compreso molte sfumature di me, credo sia un risultato importante.

Il brano è un inno a vivere la vita con leggerezza e a lasciarsi andare senza avere rimorsi di alcun tipo.  Cos’è per te la leggerezza, cosa la caratterizza?

Se dovessi trovare un aspetto della mia vita per identificarla, sarebbe sicuramente la musica. L’essere produttiva mi fa sentire leggera. Questo brano vuole essere un inno alla spensieratezza e, contemporaneamente, un racconto della mia persona, del mio essere così determinata. Nel singolo sono presenti due frasi in particolare che descrivono proprio questo, “se non sbaglio da sola non sbaglio quasi mai” e “se mi dici di non farlo di sicuro lo farò”, vogliono essere un racconto di come io segua la mia strada, a volte anche andando controcorrente. Penso che anche questo aspetto si leghi alla leggerezza: la libertà di scegliere ciò che si ritiene essere giusto.

Hai citato la frase “se non sbaglio da sola non mi sbaglio quasi mai”, in questo mondo che spesso si focalizza molto sulla ricerca della perfezione, quanto invece è importante vivere in modo libero il poter sbagliare?

Se non sbagliassimo mai non impareremmo mai nulla. Per quanto riguarda me stessa, sicuramente penso di aver imparato proprio dagli errori. Non si può negare che ci sia un velo di dispiacere quando si sbaglia, ma è proprio in quel momento che scatta quel qualcosa che ti induce a cambiare.

“non sono più una bambina, non prendermi in giro, non è tutto rosa e fiori” c’è un aspetto della spensieratezza di quando eri piccola che cerchi di mantenere ancora vivo, nella tua musica o anche più in generale?

Assolutamente si, sono veramente legata a molti aspetti che hanno caratterizzato la mia infanzia o la mia prima adolescenza. Penso che il timore di crescere si superi rendendosi conto che diventare grandi non significhi doversi lasciarsi tutto alle spalle. Ora ho 21 anni, ma sono felice di mantenere ancora vivi i sogni caratteristici di quel fanciullino che ognuno di noi possiede.

Luna, in “Farfalla” affermi anche “Che la normalità mi ammazza”. Quale pensi possa essere un aspetto della normalità che sta stretto alla tua generazione, alla Generazione Z?

Probabilmente la visione che hanno gli adulti di noi ragazzi, credo sia un aspetto che stia stretto a molti.

“Farfalla” è prodotto da Big Fish, quali sono gli aspetti che vi hanno portato ad avere una collaborazione così duratura nel tempo?

Io e Big Fish siamo veramente due persone molto diverse, ma penso che un punto d’incontro importante sia senza dubbio condividere le stesse idee a livello artistico. Per quanto riguarda i singoli abbiamo sempre voluto sperimentare e ci troviamo d’accordo su molti aspetti nel campo musicale, credo sia questo il segreto!

“Ho un mare di domande, troppi vuoti da colmare” racconti in “K.O.”, ultimamente si è spesso alla ricerca di colmare subito tutto ciò che rimane vuoto, pensi che, invece, esista un lato positivo dei vuoti che non abbiamo ancora colmato?

Assolutamente si, molte volte sono proprio le incognite a spingerci a conoscere di più noi stessi, ognuno ha i propri vuoti da colmare. Personalmente, avere dei punti interrogativi è proprio ciò che mi fa mettere in dubbio e ricalcolare tutto, mi porta a guardare con occhio più oggettivo e critico la situazione. Per quanto, a volte, possa apparentemente sembrare qualcosa di confusionario, di negativo, credo sia importante invece cogliere anche sempre gli aspetti positivi, vedere il bicchiere mezzo pieno.

In “ABC” parli di fondamentali, di basi, dell’ABC, appunto. Quali sono i fondamentali di questo tuo nuovo percorso? Gli aspetti che legheranno tutti i progetti di questa tua rinascita artistica?

Sicuramente la costanza. Mi impegnerò per pubblicare il più possibile e, allo stesso tempo, voglio mettere del vero, tutta la mia autenticità in ogni singolo pezzo. Con questo singolo credo di aver trovato me stessa ed essere pronta ad intraprendere un percorso mirato proprio a questo: trasportare in musica le mie idee al 100%, a livello di testo, pensieri, realizzazione.

Volendo nuovamente citare i tuoi brani, “brindiamo alla vita alziamo i calici”, se ti dovessi fare un augurio per il futuro, una cosa in particolare per cui brindare?

La cosa più vera che mi possa augurare, oltre al raggiungere gli obiettivi che desidero realizzare, è sicuramente la speranza di raggiungerli assieme a ciò che reputo l’aspetto più importante della mia vita, ovvero le persone giuste. Ho capito come questo cambi e migliori completamente tutto.

L'articolo LUNA ci racconta il suo nuovo singolo “FARFALLA”: “Con questo brano ho trovato me stessa” proviene da Honiro.it.

Un sound travolgente, un forte richiamo alla musica mediterranea, un’alchimia di generi, dal flamenco alla taranta al pop. E’ proprio con questo ventaglio di contaminazioni stilistiche che NAHAZE, nel suo nuovo singolo “KIDDO” disponibile dal 19 luglio su tutti i digital stores (MilanoK3/Believe Music), sceglie di descrivere una tematica importante come quella delle relazioni tossiche.

All’interno delle strofe si percepisce come si intreccino tra loro diversi stati d’animo, dalla rabbia alla forza, dal desiderio di libertà alla speranza intrinseca di, prima o poi, essere amati davvero.

Chi meglio di NAHAZE poteva raccontarci “KIDDO”? Noi di Honiro Journal l’abbiamo intervistata!

Il singolo rappresenta un inno alla libertà, in particolare quella emotiva. Cos’è per te la libertà? Che valori ha e quali dovrebbero essere secondo te i suoi punti fermi?

Per me la libertà emotiva è intesa come il poter essere felici, indipendentemente da chiunque altro. Credo fermamente che il proprio benessere e la propria forza si manifesti anche nella possibilità di scegliere: scegliere di uscire, scegliere cosa indossare e molto altro. Purtroppo questo però non è sempre così scontato.

Il brano è un richiamo al celebre film di Tarantino “Kill Bill”, storia che racconta come Beatrix decida di cercare giustizia dopo che il suo ex marito aveva tentato di ucciderla perché non accettava di essere abbandonato. Secondo te, come si può accettare l’abbandono? Come si può comprendere che, molte volte, amare una persona significa anche lasciarla andare?

Secondo me accettare l’abbandono è chiaramente un processo molto difficile, allo stesso tempo però, chi amiamo, e in generale le persone, semplicemente non ci appartengono, non sono nostre, non sono “di proprietà”. Credo inoltre che, se si ama veramente qualcuno, l’unico e autentico desiderio che si possa augurare a quella persona sia il suo bene. Accettare l’abbandono quindi, penso sia proprio parte dell’amore. Le dinamiche tossiche secondo me sono un riflesso di come si ami più se stessi, di come ci sia una tendenza a non accettare la distanza dall’altra persona più per un proprio benessere che non per lo stare bene di chi si ha accanto.

Quanto è importante per te veicolare con la musica messaggi sociali importanti, come in questo caso? Qual è stata la scintilla che ti ha portato a parlare di questa tematica?

Ovviamente non è un obbligo, ma penso che sia importante trasmettere anche messaggi sociali tramite la musica. Credo inoltre che la musica sia un vero e proprio specchio di ciò che viviamo nella società, una conseguenza diretta. Non ho scritto questo brano pensando appositamente di voler trattare questa tematica, direi che sia stata più una necessità. Io, come tante altre persone, ho vissuto una relazione spiacevole. La forza e la rabbia che mi hanno portata a scrivere questo testo sono scaturite dall’aver riconosciuto le stesse dinamiche tossiche in altre coppie, ma anche nel vedere che il numero di femminicidi, nel 2023, sia aumentato in modo esponenziale.

NAHAZE, proprio a proposito di rabbia, in “KIDDO” affermi “la mia rabbia non ha paura”. Sappiamo che questo sentimento può essere distruttivo, ma anche estremamente costruttivo se veicolato nel modo giusto. Quale pensi possa essere, metaforicamente, l’arma vincente per uscire da una relazione tossica?

Un tassello fondamentale penso sia, senza dubbio, la consapevolezza. Essere consapevoli del circolo tossico in cui si è entrati è veramente difficile. La famiglia, gli amici, o più in generale le persone vicine possono aiutare, ma siamo noi stessi i primi a doverci volere bene, a doverci amare. Il primo passo quindi, potrei dire sia proprio rendersi conto della situazione che si sta vivendo. Anche superare la paura è un processo importantissimo, proprio per questo affermo “la mia rabbia non ha paura”, perché quando ti ritrovi in un loop simile nasce in te una tale rabbia che ti porta a pensare in primis all’amore per te stesso, smettendo di credere ai ricatti psicologici dell’altro. Ovviamente poi è prezioso l’aiuto di persone che ti vogliono bene, amici, cari, parenti che ti sostengono.

“il mio alterego è una donna amata”, qual è secondo te la dimostrazione d’amore più grande, la forma di rispetto che non dovrebbe mai mancare in una relazione?

In “Kiddo” ho provato a far percepire proprio questa richiesta, il desiderio di una donna di essere amata, perché credo che Beatrix non sia un personaggio del tutto negativo, penso presenti anche delle sfumature fragili e dolci. Reputo che la forma più alta dell’amore sia proprio il rispetto, il dare credito alla volontà, alle idee e ai pensieri dell’altro senza svalutarlo mai.

NAHAZE, i film di Trantino, tra i tanti aspetti, sono sicuramente caratterizzati da colonne sonore molto particolari, sono state proprio queste a influenzare la scelta dell’alchimia tra il genere flamenco, taranta e pop che troviamo in “KIDDO”?

Assolutamente si, ho riguardato il film proprio il giorno prima di andare in studio e ci sono state delle parti della colonna sonora che mi hanno proprio catturata. Ho pensato subito di ispirarmi a quel mood come reference per il brano, quindi sicuramente c’è una forte influenza, ma è anche una scelta pensata, allo stesso tempo infatti, questo sound rispecchia molto anche le mie origini.

Quale pensi potrebbe essere una sfumatura, un punto d’incontro tra la cinematografia di Tarantino e la tua musica? Ci sono altre tematiche di altri suoi film che potrebbero ispirare tuoi prossimi progetti?

Mi piace molto il fatto che lui divida tutto in capitoli, ognuno di questi con personaggi, immaginari e ambientazioni diversi, spontaneamente io faccio lo stesso all’interno dei miei progetti. Un altro punto d’incontro credo possa essere l’immediatezza, sono solita raccontare episodi o idee in modo diretto, uso sempre parole forti, proprio per veicolare in maniera efficace il messaggio che voglio trasmettere. Un’altra tematica di tarantino che potrebbe ispirarmi sarebbe sicuramente il concept de Le Iene, sarebbe molto interessante approfondire questa metafora adattandola al mondo musicale, l’essere tutti insieme, tutti uniti, l’uno per l’altro.

L'articolo NAHAZE ci trascina nel suo nuovo singolo “KIDDO”: “Ho voluto raccontare il desiderio di essere amati” proviene da Honiro.it.

E’ disponibile dal 2 giugno “Disco Sentimento” l’EP d’esordio di Kid Gamma. Composto da cinque tracce, “Paura”, “Come quando Piove”, “Senza Voce”, “Kelly” e “Farci Male”, questo progetto dell’artista classe 2002 vuole raccontare le insicurezze, i dubbi, ma anche la spensieratezza e la felicità caratteristiche della Generazione Zeta. Un EP che desidera portare il focus stilistico e narrativo su ciò che, forse più di ogni altra cosa, caratterizza la musica e non solo, ovvero il sentimento.

Chi meglio di Kid Gamma poteva raccontarci questo progetto? Noi di Honiro Journal lo abbiamo intervistato!

Ancor prima di parlare di questo EP, volendo partire dalle origini del tuo nome d’arte, come mai proprio Kid Gamma?

Inizialmente, quando producevo, come nome d’arte avevo scelto semplicemente “Gamma” che, foneticamente, è proprio la pronuncia della lettera “G” in greco, iniziale del mio vero nome Gabriele. Poi, quando ho intrapreso il mio percorso da solista, mi sono accorto di come avvertissi la necessità di raccontare vicende, episodi, tematiche e stati d’animo che appartenessero alla mia generazione, alla Generazione Zeta. Proprio da questo prende vita l’idea di aggiungere il termine “Kid” che, appunto, significa “Ragazzo/Adolescente”.

Questo tuo nuovo EP si intitola “Disco Sentimento”, quanto è importante per te il sentimento e come possiamo trovare il coraggio di esprimere i nostri sentimenti in un periodo in cui, spesso, tanti aspetti vengono omologati?

Penso che il sentimento sia un aspetto fondamentale della vita di una persona, indipendentemente dalla sua età. Credo che riuscire ad esprimerlo in tutte le sue sfaccettature sia davvero complicato. Ho voluto che il sentimento fosse la tematica principale del mio disco proprio perché desideravo raccontare quelle che, per me, sono le sue forme: la spensieratezza, la paura… penso inoltre che, un meccanismo forse inconsapevole ma che accade molto frequentemente nella mia generazione, sia accettare di perdere qualcuno con cui eravamo particolarmente legati piuttosto di confrontarci con quella persona per aggiustare le cose. Spesso quindi si preferisce non esprimere i propri sentimenti, ma così facendo non si arriva ad un punto di incontro con chi abbiamo davanti.

“Ed ho cambiato mille facce perché non chiedono più come sei stato negli ultimi mesi”, tu come stai? Come ti senti dopo la pubblicazione di questo tuo progetto?

Ti ringrazio tantissimo per questa domanda perché ormai è difficile che qualcuno chieda veramente ad una persona come stia. Io sto bene, se dovessi descrivere questo momento direi che mi sento molto più libero, sento di aver condiviso con il mio pubblico delle tracce e in generale dei pensieri e progetti che tenevo per me da molto tempo. È bello vedere che l’ep sia stato apprezzato e che alcuni si rivedano nei brani. Avendo 21 anni, credo che quella attuale sia per me una fase di crescita, un periodo di transizione in cui si hanno molte cose a cui pensare.

A proposito di sentirsi liberi, la cover di questo progetto, a primo impatto, trasmette molto l’idea di libertà. Cosa rappresenta per te la libertà in ambito musicale?

Mi piaceva l’idea che il concetto di “sentimento”, oltre che tramite le tracce, venisse raccontato anche visivamente, grazie all’artwork. Credo di interpretare la libertà come la possibilità di poter dare vita alla mia musica sapendo ciò che sto esprimendo, quindi libertà intesa come vera e propria libertà di espressione.

“Dalla selva oscura del mondo mi rifugerò” è una frase che colpisce particolarmente di questo progetto. Ti andrebbe di raccontarci come la musica sia diventata il tuo rifugio?

Pensandoci bene, lo è sempre stata. Ho iniziato a studiare pianoforte a soli 4 anni, inizialmente ammetto che probabilmente avessi, forse inconsapevolmente, un concetto molto diverso da quello attuale per quanto riguarda la musica. All’inizio mi sentivo di vivere questa passione in modo quasi meccanico, volendo dimostrare agli altri che fossi capace. Nel momento in cui ho lasciato gli studi di pianoforte e ho iniziato il mio percorso da solista ho capito veramente quanto la musica fosse sempre stata un mio punto di riferimento, contemporaneamente anche una valvola di sfogo. Era soprattutto un rifugio perché potevo decidere io stesso come dare voce alle mie emozioni, quando faccio musica ho come la sensazione di sentirmi a casa.

“Sei fatta di pagine in cui ti ritrovi” affermi nel brano “Come Quando Piove”. Nella descrizione di uno dei tuoi più recenti post su Instagram inoltre, racconti che questo progetto sia stato creato per “curare le ferite del sentirsi meno soli”. Dici anche che “Disco Sentimento possa essere ciò che serve ai ragazzi in un momento come questo”. In quale sentimento o aspetto di questo progetto speri che la tua generazione si possa rispecchiare?

Sicuramente nella spensieratezza. Ci sono persone che mi seguono da molto tempo che mi scrivono raccontandomi le proprie difficoltà, il soffrire di solitudine o il non riuscire ad essere se stessi. Mi fa particolarmente piacere quando mi dicono che le mie tracce hanno dato loro anche solo un piccolo spunto per sentirsi compresi. Mi auguro veramente che i ragazzi che ascoltano la mia musica siano consapevoli di quanto essere se stessi possa essere una vera e propria vittoria.

Kid Gamma, c’è qualcosa riguardo questo EP che non ti ho chiesto e che vorresti far sapere ai lettori di Honiro Journal?
Mi auguro che ascoltino l’ep e che entrino a pieno nel mondo di “Disco Sentimento”!

L'articolo KID GAMMA ci racconta “DISCO SENTIMENTO”: “ho voluto dare forma alle mie emozioni” proviene da Honiro.it.

Dal 16 giugno è disponibile su tutti i digital stores “DIMMI” il singolo della cantautrice romana LUDOVIQUE. Prodotto ma Mr. Brux e co-scritto da Martina May e Francesco Sponta, il brano rappresenta il simbolo della rinascita artistica di LUDOVIQUE, dipingendo in musica un’esperienza da lei realmente vissuta.

Chi meglio dell’artista poteva raccontarci questo singolo? Noi di Honiro Journal l’abbiamo intervistata!

Volendo iniziare questa intervista parlando proprio del titolo del brano, quando si ascolta il singolo, “DIMMI” sembra un desiderio, una richiesta, dimmi cosa pensi, dimmi le tue idee, parlami. Quanto è importante per te, in una relazione, nella musica o più in generale, la comunicazione?

E’ veramente fondamentale. Mi ritengo una persona particolarmente diretta e mi fa piacere comunicare con chi ho davanti, sapere cosa pensano le persone. Tramite la musica ho voluto quindi raccontare quanto mi faccia soffrire quando chi ho accanto, che sia un parente, un amico o un amore, non comunica. Questo singolo infatti, ha rappresentato per me il posare su carta un mio sfogo personale, l’ho scritto assieme a Martina May e Francesco Sponta, co-autori con cui condivido un forte legame di amicizia oltre che lavorativo. Proprio per questo motivo il testo del singolo ha preso vita come fosse una conversazione molto spontanea con i propri amici, il brano è proprio la ricerca di un confronto, il racconto del desiderio di sapere le cose come stanno.

“Quando stiamo insieme, pensa a farmi stare bene”. Quali sono, secondo te Ludovique, gli aspetti principali che ci fanno comprendere di sentirci veramente bene con una persona?

Nel singolo parlo della storia e del percorso di un amore al capolinea. Con questa frase quindi, volevo raccontare la fase finale della relazione. Ero stanca e mi accorgevo sempre più di come il nostro rapporto non stesse intraprendendo una vera e propria strada. Ciò che mi convinceva a rimanere con questa persona era il fatto che, in alcuni momenti in cui stavamo insieme, stavamo veramente bene. Se dovessi rispondere a questa domanda facendo riferimento alla mia esperienza personale, io mi reputo, proprio per la natura del mio carattere, una persona di indole buona, generosa, sensibile, ciò che mi ha fatto comprendere che ci fosse un legame forte era il fatto che, con lui, condividessi anche la passione per la musica, che è l’aspetto della mia vita che, personalmente, credo più vicino alla mia essenza. È stata la prima volta in cui è successo che io veramente dedicassi la mia anima a qualcuno.

“La ragione per cui noi non ci lasciamo in pace, e che ci spinge a continuare” dove possiamo trovare un motivo per andare avanti, per non lasciare svanire tutto ciò che abbiamo costruito? Che sia nell’ottica di una relazione, di un’amicizia, di una passione, di un obiettivo in generale?

Nella canzone racconto come io mi sia trovata in quello che molti chiamerebbero un “triangolo amoroso”, una situazione sentimentale che non mi piaceva. Allo stesso tempo però, ero veramente innamorata di lui e quindi era difficile per me, emotivamente, allontanarmi da un momento all’altro. Non mi ero mai trovata in una dinamica simile e quindi inizialmente avevo deciso di non voler lasciare andare la persona che amavo. Poi però, ho imparato a scegliermi, ho capito come io avessi messo in secondo piano il mio bene per rimanere attaccata al sentimento che provavo. Con questa decisione in realtà, all’inizio non ci si sente meglio, ma poi, quando ci si accorge di aver scelto la propria felicità veramente si rinasce.

Ludovique, a proposito di questo, tu stessa racconti che il brano sia stato per te una vera e propria rinascita artistica. Da cosa deriva l’esigenza di rinascere, e come si può avere il coraggio alcune volte di fare questa scelta?

Ho sempre amato la musica, ma tempo fa mi è capitato di sentirmi persa, di non essere convinta del percorso che stavo intraprendendo. Il momento in cui ho scritto questa canzone ha rappresentato per me una vera e propria rinascita perché il brano è il simbolo del mio sblocco emotivo e artistico. Credo che gli avvenimenti che inizialmente pensiamo come “negativi” o “scoraggianti” possano in realtà essere un arricchimento personale. Ovviamente non avrei mai voluto vivere la sensazione di avvertirmi persa, o il dubbio che non sarei riuscita a trovare la strada giusta, ma proprio questo mi ha poi aiutato a creare quella che adesso è la mia identità stilistica, che è quindi nata grazie ad un momento difficile. Alla fine, spesso, è dalle esperienze tutt’altro che semplici che inizia una nuovo viaggio, quindi ho imparato a vivere questi momenti come una motivazione ed una carica, pensando sempre che magari mi stiano trasmettendo un insegnamento che, con il tempo, capirò essere stato importante per me.

L'articolo LUDOVIQUE racconta il suo singolo “DIMMI”: “Questo brano rappresenta la mia rinascita” proviene da Honiro.it.

Dopo quasi vent’anni dalla pubblicazione di “60HZ”, progetto estremamente importante per la carriera di Dj Shocca, e dopo aver collaborato con delle pietre miliari del genere come Special Teamz, Club Dogo, One Mic, Bassi Maestro, Emis Killa, Inoki, Colle Der Fomento e molti altri, il producer è tornato con un nuovo album unico nel suo genere che segnerà anche il rilancio della storica etichetta underground Unlimited Struggle. 

“Sacrosanto” è arricchito dai featuring con Danno, Egreen, Emis Killa, Ensi, Frank Siciliano, Gemitaiz, Ghemon, Inoki, Kaos, Madbuddy, Mattak, Mistaman, Mostro, Nerone, Nitro, Sissi e Sottotono che con le loro rime autentiche impreziosiscono il disco unendosi perfettamente al sound inconfondibile dell’artista che ha saputo dare un sapore classico e senza tempo a tutti gli otto brani che vanno a comporre l’album.

Un progetto che contiene tutti gli elementi distintivi dell’hip hop underground, composto da beats originali, produzioni ricercate e varie collaborazioni che vanno ad arricchire l’album, capace di accompagnare l’ascoltatore in un viaggio sonoro che trasporta il rap classico nella contemporaneità.

Chi meglio di Dj Shocca poteva raccontare a noi di Honiro Journal questo nuovo progetto?

Sappiamo che questo tuo album arriva a circa 20 anni dalla pubblicazione di un altro progetto molto importante per la tua carriera. C’è una sfumatura di “60 Hz” che possiamo ritrovare anche in questo nuovo disco? O un aspetto particolare di quegli anni che tuttora continua a vivere nei tuoi progetti?

Troverete al 100% un filo conduttore. Il mio desiderio di esprimermi, la mia voglia di trasmettere non sono mai sparite, sono rimaste tali e quali. Il suono lega tutte le tracce all’interno del disco, creando un album omogeneo a livello di sound, nelle lyrics invece, viste le collaborazioni, ovviamente c’è molta eterogeneità. Ciò che secondo me traspare dall’album è la stessa visione di “60Hz”, però con un dettaglio molto importante, ovvero l’assenza di nostalgia. Questo album infatti vuole guardare e muoversi in avanti, riprende l’impianto artistico di “60Hz” ma ci sono delle innovazioni musicali. Questo è ciò che voglio trasmettere.

TRACKLIST

1.    SHAQ & LEBRON feat. ENSI e NERONE
2.    90 feat. KAOS e EMIS KILLA
3.    SEMBRAVA IMPOSSIBILE feat. SOTTOTONO, SISSI e GEMITAIZ
4.    FULL EFFECT feat. EGREEN e DANNO 
5.    VERA STRUGGLE feat. MOSTRO, GHEMON e MATTAK
6.    SENZA DI TE feat. MISTAMAN e FRANK SICILIANO 
7.    IL RESTO È STORIA feat. INOKI e NITRO
8.    NO SURVIVOR – LA LEZIONE feat. MADBUDDY

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“Ammore Malamente”, il nuovo album di Peppe Soks disponibile da oggi in versione fisica e su tutti i digital stores, rappresenta l’evoluzione musicale dell’artista campano attraverso i suoi dieci anni di passione per la musica.

Il disco è caratterizzato da un sound che spazia dalla trap all’hip hop con produzioni incisive e distintive curate da Nathys, Janax, Darry Bryan, Raimo, Vtr, Nardi, Finesse e okgiorgio che trasportano l’ascoltatore all’interno di un viaggio sonoro fatto di rime, suoni e voci che si uniscono tra loro perfettamente. 

Nel disco l’artista racconta sé stesso, la sua crescita musicale e artistica ma anche l’amore per il sud Italia, elemento che caratterizza da sempre la musica di Peppe Soks.  Un album introspettivo e versatile, dalla scrittura intensa e autentica in cui descrive spaccati di vita quotidiana raccontando i luoghi da cui proviene e storie vissute in prima persona, definendo un proprio universo musicale inconfondibile. 

Chi meglio di Peppe Soks poteva raccontarci questo progetto? Noi di Honiro Journal lo abbiamo intervistato!

Il titolo di un progetto rappresenta spesso proprio il biglietto da visita di quest’ultimo. Ti andrebbe di raccontarci come mai proprio “AMMORE MALAMENTE”?

Il pubblico mi conosce per i miei brani d’amore, allo stesso tempo però, anche per i miei pezzi street. Questo titolo quindi, per prima cosa, ho pensato potesse essere il giusto nesso per far incontrare queste due mie sfumature artistiche. Solitamente inoltre, lascio libero il pubblico di interpretare molti aspetti dei miei progetti nel modo che più preferisce, “AMMORE MALAMENTE” quindi, può essere interpretato in più modi, come una relazione che finisce, un vizio che ci affascina ma che, allo stesso tempo, ci fa anche male, oppure può essere legato alle proprie origini. Penso che chi, come me, è particolarmente legato al sud Italia sappia che questo senso di appartenenza presenti diverse sfumature, si ha la fortuna di vivere in un posto veramente bellissimo ma, alcune volte, offre meno opportunità rispetto ad altre realtà.

“è iniziato un po’ per gioco, e a momenti anche adesso è così” racconti nel reel che hai postato su Instagram in occasione dell’annuncio dell’album. Quanto è importante per te mantenere nella tua musica quella parte di gioco, di spontaneità e anche di autenticità di quando hai iniziato?

Lo ritengo un aspetto molto importante, soprattutto perché credo che per costruire un percorso sia importante avere solide fondamenta. Fortunatamente quella che era la mia passione, essendo ora una carriera, si è trasformata nel mio lavoro, ma nonostante questo credo che se si perdesse la spontaneità, l’amore e la spensieratezza di fare musica non ci sarebbe più il sentimento che la caratterizza. Penso sia fondamentale ricordarsi di quei momenti, che sono appunto anche raffigurati e raccontati nel video, in cui da piccoli prendevamo un treno per andare a Roma o a Milano senza meta, solamente per incontrare persone che amavano il rap, che condividevano la nostra stessa passione.

Quando avevo circa quindici anni mi ricordo inoltre che, assieme ai miei amici, partecipavamo proprio ai contest di Honiro, al One Shot Game, partivamo da Salerno per prendere parte a queste opportunità, ho un ricordo davvero molto bello del primo approccio con il rap, e penso che proprio questo trascorso mi abbia aiutato tanto.

“abbiamo scelto di scrivere la storia, la storia nostra, e non di farcela raccontare da qualcun altro. Non siamo mai stati spettatori ma gli attori principali del nostro destino” aggiungi poi, proprio in quel reel. Alcune volte, soprattutto ultimamente, è difficile trovare quella passione che porta ad essere i protagonisti del proprio destino. Qual è stata la spinta che ti ha portato a diventare un attore, piuttosto che rimanere uno spettatore?

Io e il mio manager siamo in questo ambiente da diversi anni. Una cosa che spesso abbiamo notato, è il fatto che la musica sia quasi diventata intrinseca ai meccanismi dei social. Penso che alcune volte, magari anche involontariamente, ma ci si leghi troppo all’apparenza. A noi, onestamente, tutto ciò non ha mai affascinato. Proprio per questo dico che abbiamo sempre cercato di essere gli attori principali del nostro destino, per descrivere che noi siamo così, siamo noi, questa è la nostra musica e il nostro modo di comunicare. Vogliamo che sia la musica protagonista e che sia proprio lei a raccontare tutto ciò che voglio comunicare al pubblico.

“queste fotografie non le consuma il tempo” affermi all’interno di una strofa del disco. Questa frase mi ha dato come l’impressione di qualcosa che rimane sempre anche se i giorni passano. Cosa vorresti che rimanesse al tuo pubblico di questo album? Quale vorresti che fosse in questo progetto, metaforicamente, una fotografia che non venisse consumata dal tempo?

Volendoti citare una foto vera e propria, all’interno della copia fisica dell’album c’è un booklet, con una serie di immagini, che rappresentano l’intero progetto. In una di queste, è raffigurata una cena, un tavolo a cui siamo seduti io e una donna. Lei, nel piatto, al posto del cibo, ha degli oggetti di valore, un Rolex, una collana, un bracciale. Si può anche notare un bicchiere di champagne sul tavolo, con il suo rossetto. Anche qui, ognuno può interpretare questa scena liberamente, ma un’immagine che mi farebbe piacere rimanesse a chi ascolta questo album è proprio il valore delle persone che ti scelgono indipendentemente dalle cose che hai o che puoi avere, ma per quello che sei.

“No pain, no game”, nessun dolore nessuna vittoria, nessuna tristezza nessuna felicità, nessun sacrificio nessuna conquista. Spesso, al giorno d’oggi, basta un click per avere tutto e subito. Non si è più abituati a compiere dei sacrifici. Che consiglio daresti ai ragazzi per ritrovare il senso del sacrificio e comprendere il valore del sacrificio?

Penso che i sacrifici più importanti siano proprio quelli che all’inizio non ti accorgi di compiere. Per me non è mai stato un sacrificio andare in studio per creare musica, quindi molte volte, non si sta sacrificando tempo, lo si sta impegnando. Quello che ripeto sempre a mio fratello, che ha quindici anni, è che già alla sua età bisogna incominciare a pensare al futuro, anche perché spesso, nessuno ti regala nulla. Che sia nello sport, nel lavoro, nella musica o in generale in una passione, dobbiamo noi stessi darci da fare per emergere, perché se non scendiamo in campo, nessuno lo farà per noi, appunto, nessun sacrificio, nessuna vittoria.

Quale credi sia la caratteristica della tua città più viva nei tuoi progetti, in particolare in “AMMORE MALAMENTE”?

La mia città mi aiuta tantissimo, quando passeggio per i quartieri incontro persone che mi conoscono, che mi vogliono bene. Per me è un piacere che i ragazzi mi fermino, anche per qualche foto, ma soprattutto, vedendomi quotidianamente, i ragazzi mi vedono come un punto di riferimento e spesso chiacchieriamo, sono uno di loro. Tutto questo è molto stimolante per la mia musica, credo che, se si è un artista, frequentare solo alcuni ambienti faccia perdere molti stimoli.

Sappiamo che all’interno del progetto ci sono diverse collaborazioni, Clementino, Ensi, Dani Faiv, LDA, MAMBOLOSCO, Mv Killa, Svm e Yung Snapp. Ti va di raccontarci cosa vi ha legato particolarmente durante la creazione di queste tracce?

Ci sono diversi feat nell’album, appunto Svm per “TAGG’ PURTAT’ A VERE ‘E STELLE”, Dani Faiv, Yung Snapp e Mv Killa in “BLOW REMIX”, Mambolosco per un bel pezzo trap, LDA per “BASTA”, e un’altra collaborazione, a cui a livello affettivo sono davvero molto legato, ovvero quella con Ensi e Clementino in “N.W.A”, un pezzo rap. Da bambino ero appassionatissimo di freestyle, ed Ensi e Clementino erano i miei preferiti. Infatti, conosco i video delle loro battle di freestyle a memoria! Aver fatto una canzone con loro era il mio sogno di quando ero bambino, penso valga più di ogni altra cosa.

L'articolo PEPPE SOKS ci racconta “AMMORE MALAMENTE”: “In questo progetto si sono incontrate tutte le mie sfumature artistiche” proviene da Honiro.it.

Musica e moda sono da sempre lo specchio della società di cui sono figli, ma anche i mezzi più potenti per comunicare al mondo il proprio sentire, connettendoci e collegandoci a chi è disposto ad ascoltare ed osservare oltre le apparenze. É da questo presupposto che Cilla, al secolo Priscilla Cattaneo ha scelto di dar vita a “Richard Mille” (Cosmophonix Artist Development/Altafonte Italia), avvalendosi della preziosa collaborazione di una delle firme più apprezzate della nuova scena italiana, Biondo.

Scritto in una prima fase dalla penna iconografica e sensibile dell’artista ticinese dopo una frenetica notte in discoteca e avvalorato dagli incastri incisivi e vibranti del rapper capitolino, “Richard Mille” di Cilla feat Biondo è una dichiarazione d’intenti contro la strumentalizzazione della figura femminile.

Chi meglio di Cilla poteva raccontarci questo brano? Noi di Honiro Journal l’abbiamo intervistata!

Cilla, questo nuovo singolo si intitola “Richard Mille”, come mai la scelta proprio di questo nome?
Il titolo fa ovviamente riferimento al noto brand di orologi. Questo è quindi un simbolo per rappresentare l’anima della società di oggi. È una metafora per raccontare le sfumature di un mondo che, molte volte ormai, affonda le sue radici nelle apparenze. Proprio questa è una dinamica che viviamo tutti i giorni all’interno dei social ad esempio, la maggior parte delle persone sfoggia la propria vita impeccabile, racconta la propria giornata perfetta o mette in primo piano l’estetica. In realtà, oltre la telecamera dello smartphone, si cela la vera vita di tutti noi, si nascondono tutti i retroscena. “Richard Mille” mi è sembrato quindi il titolo più adatto, ma soprattutto più fresco e originale per parlare di questo argomento così attuale.

A proposito di apparenza, di estetica, che consiglio daresti, anche grazie la tua esperienza, per andare oltre l’apparenza?
Quando conosciamo una persona, la prima cosa che notiamo di lei è inevitabilmente l’apparenza, quindi penso che saper andare oltre sia processo difficile. Personalmente, nella vita mi è capitato di immaginare o di convincermi a priori che qualcuno avesse un determinato carattere, una determinata personalità. Ma spesso, ragionando in questo modo, mi sono fatta un’idea di quella persona che, una volta conosciuta, mi sono resa conto non corrispondesse alla realtà.

Proprio per errore mio ho quindi imparato a non dare ascolto alla primissima impressione che la nostra mente si crea di qualcuno, ma piuttosto a voler conoscere le persone per quello che sono veramente e non per quello che, involontariamente, ci siamo convinti che siano. E soprattutto questo mi ha insegnato a dare una seconda possibilità a tutti, esattamente come spesso desideriamo che possa essere data a noi stessi. Credo anche che molte volte bisognerebbe saper andare oltre alle mode, oltre al modo prestabilito con cui siamo portati a pensare o agire.

Cilla, a proposito di “Richard Mille”, tu stessa racconti “ho voluto parlare di una tematica molto importante con assoluta leggerezza”. La leggerezza è qualcosa di cui abbiamo particolarmente bisogno in questo momento, una parola molto bella che però non va confusa con la superficialità. Cos’è per te la leggerezza e come possiamo nei periodi difficili riuscire a trovarla o a ritrovarla?
Per me leggerezza è sinonimo di prendere la vita con filosofia. Spesso accadono cose che non ci saremmo mai aspettati, avvenimenti imprevedibili. Purtroppo la nostra mente, spesso, ci porta a focalizzarci solo sul lato negativo delle situazioni, solo su ciò che non va come avevamo sperato andasse, solo sui problemi, proprio come se ormai fosse abituata alla sopravvivenza e fosse quindi spontaneo per lei sottolineare quotidianamente pericoli e aspetti negativi.

Bisogna combattere questo meccanismo perché, se guardiamo solo tutto ciò che non va, non riusciremo mai ad essere felici ma anche non usciremo più da quel vortice dettato dall’abitudine di notare solo gli aspetti negativi. Anche io, come tutti, ho e ho avuto i miei momenti no, metaforicamente le mie cadute, ma cerco grazie alle persone di cui ci si contorna, che sono preziose e fondamentali nella ricerca della leggerezza, di trovare sempre il lato positivo delle situazioni, perché in fondo, osservando bene, si può sempre scorgere.

Sappiamo che questo brano si ispira particolarmente alle sonorità degli anni ’80 e anche la cover richiama fortemente questo periodo, c’è un motivo particolare? Cosa ti affascina di quegli anni?
È un po’ di tempo ormai che sto seguendo questa strada, che ho intrapreso il viaggio in queste sonorità. Devo dire che avverto di sentirmi molto bene in questo particolare universo, poi, personalmente, sono molto legata agli anni ’70 e ’80 per vari motivi ma soprattutto perché sono l’annata dei miei genitori. Ho quindi sempre amato quegli anni, sempre avuto un valore affettivo verso questo periodo, la combinazione perfetta è stata accorgermi che mi ci trovo molto bene anche a livello musicale quindi mi ispirano molto. La passione per questo periodo infatti è innata, ha sempre caratterizzato la mia musica ma l’ho sviluppata in particolare negli ultimi 3 anni.

Sempre tu stessa racconti “Sono dell’idea che oltre l’aspetto fisico, in una donna ci sia molto di più, ma siamo ancora troppo sottovalutate”. Come mai secondo te c’è ancora questa resistenza nel considerare le donne qualcosa di più della sola estetica?
Soprattutto nell’ultimo periodo si fa molto riferimento ai diritti delle donne. Si parla molto di femminismo eppure, nel corso degli anni, si è fatto tanto e allo stesso tempo, paradossalmente, si è fatto ancora troppo poco. A parer mio si dovrebbero compiere ancora molti, moltissimi passi avanti. Soprattutto in contesti dove l’estetica viene ritenuta fondamentale, quindi dove l’apparenza della donna viene ancora ritenuta come imprescindibile.

Da sempre, ma soprattutto ultimamente, sembra esserci un ragionamento che porta ad approvare soprattutto le ragazze caratterizzate da una particolare bellezza ma anche voler trasformare chi non fa della propria estetica il proprio punto fondamentale, senza comprendere che c’è molto altro in una persona oltre l’apparenza, c’è anche una sostanza. Spesso sui social, in televisione, si vedono molte personalità che però sono una la copia dell’altra, perché ormai si cerca di cambiare le persone, per farle rientrare dentro uno stesso “standard”.

E come si trova il coraggio di non omologarsi o di non farsi omologare? Bisogna essere pronti a combattere molto. Più volte hanno tentato di cambiarmi ma ho sempre lottato perché questo non accadesse. Questo però, inevitabilmente, porta la strada a farsi più difficile e tortuosa. In ogni momento della vita, in ogni situazione, in ogni contesto, purtroppo essere noi stessi avrà un prezzo da pagare ma solo così poi arriveranno le soddisfazioni. Bisogna essere consapevoli di ciò che siamo ma soprattutto di chi siamo e di chi vogliamo essere e andare avanti con la nostra personalità. Penso infatti che ognuno di noi abbia una particolarità, un talento e anche un potere per svilupparlo e realizzarlo. Non è la persona che vuole cambiarci a rivoluzionarci veramente la vita, anzi, siamo noi stessi ad essere artefici della nostra rivoluzione.

“Richard Mille” è in collaborazione con una delle firme più apprezzate della nuova scena italiana. Cosa ha legato particolarmente te e Biondo nella realizzazione di questo singolo?
La collaborazione con Biondo è stata veramente molto spontanea. Avevo creato questo brano pensandolo proprio come un featuring e mi affascinava l’idea di avere al mio fianco una figura maschile che sapesse dare il giusto significato alla tematica ma che, allo stesso tempo, l’affrontasse con la leggerezza di cui parlavamo prima. Da subito Biondo mi è sembrata proprio la persona che stavo cercando per questo brano. La prima strofa che ha scritto è stata infatti poi la definitiva, mi sono subito entrate in testa quelle parole!

Cilla, affermi inoltre “Richard Mille per me rappresenta una liberazione dai pensieri e una notevole evoluzione come artista”. Cosa ti ha lasciato questo brano? In che aspetto di te avverti che ci sia stata maggiormente questa evoluzione? 
Prima di tutto, grazie a questo singolo, ho riscoperto me stessa perché mi ha liberato da tanti pensieri. Mi ha reso anche consapevole di chi voglio essere nella vita. Credo infatti che il processo di stesura e realizzazione di un brano nasconda molte sfumature impagabili e sia, probabilmente, anche più prezioso del brano stesso.

Questo singolo mi ha veramente lasciato molto. Ho conosciuto tante persone e ho imparato a conoscere aspetti di me stessa che prima non avevo mai notato. La creazione di questo pezzo ha dato vita non solo a questo progetto ma anche ad una vera e propria rinascita verso altri brani molto autentici, in cui la verità è la parola chiave.

A proposito di altri brani, Cilla dopo “Richard Mille”, cosa dobbiamo aspettarci dal futuro? Vuoi anticipare ai lettori di Honiro Journal i tuoi prossimi progetti o obiettivi musicali?
Sicuramente il futuro riserva molte novità! Ho dei brani già pronti per la pubblicazione che ritengo essere ancora più incisivi, ancora più sinceri ma soprattutto ancora più autentici. Sono una persona spontanea, a cui non piace avvalersi di particolari filtri quando si parla di un argomento. Ovviamente dipende dalla tipologia del singolo, ma mi piace affrontare il tema senza girarci troppo attorno.

L'articolo CILLA ci racconta “Richard Mille” il suo nuovo singolo feat BIONDO: “Gli artefici della nostra rivoluzione siamo noi” proviene da Honiro.it.

“CAPODANNO” è il nuovo singolo del rapper LUCHITOS, disponibile da venerdì 15 luglio su tutte le principali piattaforme digitali.

“Capodanno” è un brano dalla vena profondamente autentica, caratterizzato da una forte impronta elettronica che accompagna le rime dirette e intense di Luchitos. 

L’artista porta nei suoi testi spaccati di vita quotidiana raccontando con sincerità storie vissute in prima persona in un contesto sociale complesso. Le produzioni e il beat in cassa dritta, curati da Draw Ice, immergono l’ascoltatore in “Capodanno”, precisamente nell’immaginario di Luchitos, amalgamado perfettamente parole, suoni e ritmi.

Luchitos ha raccontato a noi di Honiro Journal il significato di questo suo nuovo brano e altre curiosità su “Capodanno”!

Luchitos, come mai la scelta del titolo è ricaduta proprio sulla parola “Capodanno”?
Generalmente la scelta del titolo è l’ultimo passo del processo creativo delle mie canzoni. Alcuni artisti partono prima dal concept del brano, dal nome del singolo e poi sviluppano tutto il resto, io invece faccio l’opposto. Scrivo il testo e poi, una volta che tutto è stato completato e rivisto, valuto assieme al mio produttore quale sarebbe il titolo che potrebbe rappresentare al meglio la veste della canzone. In questo caso è stato “Capodanno”.

“perché è dal niente che vengo, non me lo scordo” 
Quanto sono importanti le proprie origini? Che valore ha per te e nella tua musica il passato e come possiamo imparare dal nostro passato?Credo che le proprie origini siano fondamentali e siano anche ciò che, in un certo senso, sotto certi aspetti un po’ ci caratterizza. Nell’ultimo anno e mezzo mi è capitato di fare molte conoscenze, sia nel mondo musicale sia in generale. Proprio in questo periodo mi sono accorto che spesso, con qualcuno che ha vissuto un passato simile, ci si riconosce. Perché penso che, tra persone che provengono da realtà simili, ci siano delle esperienze e dei sentimenti che le accomunano. Questo però, non significa che chiunque provenga da un determinato quartiere o zona ne venga per forza influenzato, tante persone infatti fanno del loro passato la motivazione per diventare persone migliori, per realizzarsi.

“avevo niente ora c’è tutto” 
Quanto valore hanno i sacrifici che portano a realizzare i propri obiettivi, che portano a conquistare il “tutto”? 
Non penso di poter rispondere a pieno a questa domanda per il semplice fatto che credo mi attendano tanti altri sacrifici da dover compiere in questo percorso. Credo anche però, che magari da occhi esterni non si riescano a scorgere o a valorizzare tutti i sacrifici che ho già fatto, o le rinunce che qualsiasi artista compie per vivere della propria passione. Quelli che molte persone considerano sacrifici, a me non sono mai pesati. Non le ho mai etichettate come mancanze, perché erano rinunce che mi servivano per raggiungere ciò che amo fare. Rinunciare quindi a qualche occasione perché devo andare in studio o registrare un videoclip per me non è mai stato un sacrificio.

“forse questi soldi non fanno felice” 
Quali sono le piccole cose nelle quali quotidianamente potremmo trovare la nostra felicità?
Spesso si pensa che i soldi facciano la felicità, che il denaro risolva tutti i problemi del mondo. In realtà poi, quando si raggiunge una stabilità economica ci si accorge che quel tipo di pensiero era un’illusione, un qualcosa che non rispecchia a pieno la realtà.

Prima dell’uscita di questi ultimi tre singoli, molti miei brani erano incentrati sulla tematica dei soldi. Poi però ci si rende conto che esistono dei vuoti che i soldi non potranno mai colmare. Magari ci si può comprare ciò che si desidera, si può andare a cena fuori, acquistare la macchina dei propri sogni, ma ci sono delle situazioni, diverse ovviamente per ognuno di noi, che possono essere familiari, sentimentali o amicizie, che sono ferite che i soldi non possono e non potranno mai ricucire. Trovare la felicità quindi penso sia un processo molto più profondo.

Tu stesso racconti “È un periodo della mia vita in cui stanno cambiando tante. Situazioni, nonostante io abiti ancora nella stessa via e frequenti gli stessi posti”. Ti andrebbe di raccontarci qual è stato uno dei cambiamenti più significativi ultimamente riguardo il tuo percorso artistico?
Sicuramente il contratto di distribuzione che ho firmato a gennaio. Lo considero ovviamente un bel traguardo. Quando si è piccoli, ma anche quando si cresce in realtà, si aspira a poter vivere grazie a quella che è la propria passione.

Come molti altri ragazzini io ero partito con l’idea di voler fare il calciatore perché quel mestiere è l’emblema di come, realizzandosi nella vita, si possa passare i giorni facendo ciò che piace. Automaticamente però, firmando un contratto, ci si rende conto di quanto, sacrificio dopo sacrificio, quella che era una passione diventa sempre più reale, si inizia ad interiorizzarlo come un lavoro. Penso che questo periodo sia caratterizzato da una situazione di staticità dalla quale, apparentemente, non ci si riesce a liberare. Osservo i ragazzi più piccoli e noto come non abbiano un progetto per il futuro, un obiettivo, una passione.

Che consiglio daresti a questi ragazzi per ritrovare o trovare la propria passione?
Questa è una gran bella domanda e, ad essere sincero, quasi non saprei. Però credo di non saperlo proprio perché, alla fine, le passioni più grandi sono quelle che nascono in modo spontaneo, senza essere strutturate o senza particolari decisioni alle spalle. Quando si è piccoli, ad esempio, si inizia a praticare uno sport perché lo scelgono i nostri genitori, poi, molto probabilmente, seguiamo spontaneamente quella loro passione e ci appassioniamo anche noi.

Ultimamente però, verso i 14 anni, molti ragazzi diventano ultra social. Su queste piattaforme tante delle persone che seguono, a cui si ispirano, sono artisti, calciatori, o più in generale figure che sfoggiano una vita lussuosa. Il rischio del giorno d’oggi è infatti voler intraprendere una strada o una carriera non perché ne si sia veramente appassionati, ma perché questa potrebbe portare a quel genere di vita. Credo che la propria passione vera infatti, sia ciò che noi, anche senza accorgercene, siamo naturalmente portati a fare.

Se dovessi raccontare di come mi sia legato io con la musica partirebbe tutto da tanti anni fa. Precisamente da quando nel 2011, ai tempi delle scuole medie, facevo freestyle. Poi verso il 2017 mi sono accorto che dei ragazzi che conoscevo pubblicavano la loro musica su YouTube, così ho iniziato a registrare anche io e inconsapevolmente questo è stato uno dei primi passi per portare avanti quella che all’epoca non sapevo ancora sarebbe stata la mia passione più grande. Credo infatti che ognuno abbia, o comunque troverà prima o poi, il proprio hobby. Quando lo si trova bisogna iniziare a credere che si possa trasformare questa attività in un lavoro, portare quindi la tua passione ad essere la tua radice di vita.

Se penso a quando scrivevo i miei testi sulle note del telefono o registravo le prime barre sul cellulare, mi rendo conto che era iniziato tutto in modo così spontaneo che poi si è evoluto in modo altrettanto spontaneo negli anni dopo, nel futuro.

A proposito di futuro, “sarò felice un giorno, l’ho promesso”. Qual è la promessa per il futuro che vorresti fare a te stesso? Vuoi anticiparci quali saranno i tuoi obiettivi musicali prossimamente? 
Penso che sicuramente una soddisfazione e anche una realizzazione personale, come ho già detto, sia quella di poter vivere e far vivere bene le persone che mi circondano grazie alla mia passione. Io ho questa ambizione.

L'articolo LUCHITOS ci racconta il suo nuovo singolo “CAPODANNO” proviene da Honiro.it.

Il nuovo progetto di Guido Cagiva “MITO” (Asian Fake/Sony Music Italy) è un album generazionale, fuori ovunque da venerdì 10 giugno.

Un racconto, di sogni possibili e altri impossibili, di ingiustizie sociali e rivalsa collettiva, con riferimenti specifici e fotografie della realtà che lo circonda. L’artista ha infatti la capacità di fare sue le immagini che ha ben salde nella mente e raccontarle legandole in maniera indissolubile alla sua musica. Creando così un intreccio di melodie e armonie che abbracciano l’ascoltatore.

All’interno di “MITO” di Guido Cagiva troviamo le collaborazioni con INOKI e NERONE. Entrambi i rapper infatti, sin da subito hanno manifestato la loro stima nei confronti di Guido credendo e supportando il suo progetto.

Guido Cagiva ha raccontato a noi di Honiro Journal questo suo nuovo album “MITO”!

Questo progetto si intitola “MITO”, come mai la scelta proprio di questo nome? Cos’è un mito per te?
La scelta del nome, come spesso accade nella realizzazione dei miei progetti, è stata cronologicamente l’ultima decisione presa. “Mito” è un album in cui parlo della mia generazione e della mia adolescenza, questo titolo vuole quindi essere una rappresentazione, una metafora, per raccontare i miti che avevamo da piccoli, dal mito dei calciatori a quello di qualsiasi altro personaggio che ci ha particolarmente ispirato nella nostra infanzia.

Importante all’interno del disco è anche, ad esempio, il mito del nostro amico più grande, il racconto di quella persona che ci ha lasciato tanto, che ci ha insegnato a vivere, che ci ha fatto compiere i primi sbagli e ci ha mostrato come non commetterli più. Con la parola “Mito” quindi, si intende qualcuno che ci ha fatto crescere, qualcuno che è stato, fisicamente o non, parte integrante della nostra vita, la figura alla quale ci siamo ispirati per diventare ciò che siamo adesso.

Guido Cagiva, all’interno di “MITO” troviamo le collaborazioni con Inoki e Nerone, cosa vi ha legato particolarmente nella realizzazione di questi brani?
Senza dubbio, ci ha unito molto il rap. Entrambe infatti sono tracce molto rap e molto hip hop, e considero loro due veri e propri re della scena. Con Inoki ci siamo incontrati più volte, sia in studio sia a vari eventi, e con il tempo si è instaurata tra noi una stima artistica reciproca. Ci eravamo quindi ripromessi di lavorare assieme ad una traccia e per me è stata una felicità indescrivibile, oltre all’aver legato con lui come persona, anche aver avuto una sua strofa all’interno di questo mio progetto.

Nella serata in cui ho aperto il live di Inoki inoltre, Nerone era nel backstage. Così ci siamo presentati, ci siamo rincontrati casualmente tempo dopo, quando io stavo per chiudere il disco e ho pensato che lui potesse essere la persona perfetta per una strofa all’interno dell’album.

“la zona di casa è casa per me”
Questo progetto è un album generazionale che vuole parlare proprio a chi lotta ogni giorno per rendere i propri desideri realtà, cosa significa per te sentirti a casa e quanto è importante casa per realizzare i propri sogni?
Questa tematica è per me è un concetto molto importante e soprattutto piuttosto ampio. Credo che tutti dovrebbero avere la speranza di poter fare quello che vogliono fare nella vita anche a casa loro, anche nel posto dove sono nati, cresciuti e al quale, inevitabilmente, si è affezionati. Molti ragazzi invece, al giorno d’oggi, sono costretti a trasferirsi e realizzare i propri sogni in altre parti del mondo, dove le possibilità sono maggiori.

Questo pezzo infatti racconta una “giornata tipo” a casa mia. Un giorno d’agosto nel quale ci si diverte come ci si divertiva quando eravamo piccoli, spensierati, con il sorriso sempre in volto, un sorriso che sarebbe ancora più acceso se ci fosse la possibilità di realizzare i propri sogni nel posto in cui si è nati.

“e ci siamo accontentati solo di avere un cuore”
Quanto è importante oggi giorno avere passione? Al giorno d’oggi avere un cuore significa aver raggiunto un traguardo?
Credo che il segreto sia nella ricerca di se stessi, che è importante quanto cercare costantemente le persone giuste da avere al nostro fianco nella vita. Nel brano racconto di tutta quella gente a cui, nonostante ciò che ha dovuto passare e superare nella vita, un cuore è rimasto. Con l’immagine del cuore voglio intendere anche, moralmente, un obbiettivo raggiunto o da raggiungere.

Spesso infatti, anche se non hai attualmente nulla in mano o non si ha ancora concretizzato quello che vorremmo diventasse realtà, si continuare a sperare di, un giorno, raggiungere quell’obiettivo. In un mondo che spesso, ormai, pensa solo e soltanto in modo razionale è difficile riuscire a trovare persone che hanno il coraggio di vivere un po’ di più con il cuore.

“ma poi eravamo già grandi
se si cresce solo con gli sbagli”
Come possiamo affrontare gli sbagli in modo non del tutto negativo, pensando che proprio questi ci porteranno a crescere? Secondo te ormai ci si approccia in modo sbagliato agli sbagli?
Penso che a livello di società ci si approcci in maniera sbagliata agli sbagli. Spesso infatti non si comprende che molte persone intraprendono quella che per molti può essere “la strada sbagliata” solo perché non si hanno altre possibilità, solo perché quella scelta è dovuta e non si potrebbe fare altrimenti.

Gli sbagli sono qualcosa di comune a tutti, essendo questo un album che racconta la mia adolescenza e si focalizza anche sul racconto dei miei primi errori, volevo puntare il riflettore anche sulla tematica di come, mentre li si sta commettendo, spesso non ci si accorge di star sbagliando. La consapevolezza di aver sbagliato, di essere diventato grande e di essere cresciuto arriva solo dopo l’errore, e spesso grazie all’aver commesso degli sbagli.

“Oggi la gioia è rara ed il dolore di casa
ma sappiamo che chi cade prima o poi si rialza”
Come potremmo invertire questa situazione? Fare in modo che la felicità diventi più di casa rispetto al dolore?
Quando eravamo più piccoli la gioia era di casa, ma era una felicità che comunque, in un certo senso, cresceva in mezzo a delle sofferenze, sofferenze di cui, però, da piccoli ancora non ci rendevamo conto.

Quando si cresce invece, spesso si è immersi nelle problematiche del mondo degli adulti dove è difficile gioire come si gioiva a sedici anni. Considero infatti questa età come il periodo delle prime volte. Come il momento in cui si assapora la felicità pura, quella che deriva dallo scoprire cose nuove, dall’essere affascinati da tutto. Attualmente invece si considerano scontate molte cose e ci si concentra sui problemi reali, le bollette, il lavoro, la casa, non c’è più la spensieratezza di una volta perché abbiamo perso la capacità di essere sorpresi dalle cose belle del mondo.

“ed io ancora che mi chiedo chi sono”
L’importanza di avere una propria identità e di trovare una propria identità, come si fa a capire chi siamo nella vita? Ti va di raccontarci qual è stato il percorso che ti ha portato a scoprire la tua identità?
Ad un certo punto della mia vita ho iniziato a pormi molte domande su me stesso. Sapere e riuscire a capire chi sei non è mai facile. La ritengo una ricerca costante. Questo è uno dei motivi per il quale nelle mie tracce, ad esempio, è spesso presente il tema del dubbio, dell’ignoto, dell’imparare sempre dalle situazioni nuove, del capire come rialzarsi dopo essere inciampati.

Personalmente, per scoprire la mia identità, mi ha aiutato molto la solitudine. Penso che si debba infatti cercare di conoscere se stessi prima di poter imparare a conoscere anche tutte le persone che ci circondano. Capire la vera identità di chi ci sta a fianco è poi un’altra bella sfida!

Guido Cagiva, “MITO”, come abbiamo detto prima, è la storia di un ragazzo e dei suoi sogni. Partendo dai desideri che voleva realizzare da piccolo a poi quelli adolescenziali. Ti andrebbe di anticiparci quali sono i tuoi sogni per il futuro, i tuoi obiettivi in campo musicale?
Sicuramente il primo obiettivo è quello di continuare a fare musica senza fermarmi. Avere tutto il tempo per studiare musica e mi piacerebbe anche compiere dei passi avanti e approfondire quello che è il mondo della produzione.

Ho molti progetti in testa, il primo di questi è appunto riuscire ad assaporare al cento per cento la mia passione. Ho imparato con il tempo che i sogni impossibili non sono impossibili, semplicemente sono realizzabili passo passo. Cerco quindi di non proiettarmi troppo nel futuro, pensando che le aspettative alte vanno bene, ma assieme alla consapevolezza che si raggiungono con il tempo.

L'articolo Guido Cagiva ci racconta il suo album “MITO”: “Grazie alla solitudine ho trovato la mia identità” proviene da Honiro.it.

E’ disponibile dal 6 maggio, in radio e in digitale, “Come la prima volta” il nuovo singolo di Aka 7even prodotto dallo stesso artista insieme a Max Kleinz (Cosmophonix).

Le giornate si allungano, le strade si riempiono di profumi e le serate si fanno più calde. “Come la prima volta” di Aka 7even ci trascina in quel mood leggero tra la fine della primavera e l’inizio dell’estate, fino a vedere finalmente l’alba che sta tornando, come se fosse la prima volta. 

Chi meglio di Max Kleinz poteva raccontarci la produzione di questo nuovo singolo? Noi di Honiro Journal lo abbiamo intervistato!

“Come La Prima Volta” è stato prodotto da te e Aka 7even, colpiscono particolarmente le parole che pochi giorni fa hai scritto sul tuo profilo instagram:

“Siamo in un viaggio senza fermata, verso i nostri sogni. Mi ricordo tutto, brother… Fin dall’inizio, il nostro destino era soltanto uno. Lá musique bro, lá musique! Una voce dentro l’anima mi ha chiamato ancora una volta… tra sogni e realtà , viaggeremo insieme.”

Qual è il punto di forza della vostra collaborazione? Cosa vi lega così tanto?

Per rispondere a questa domanda dobbiamo tornare un po’ indietro nel tempo. Io e Aka abbiamo storie decisamente simili. In Brasile ho avuto una band conosciuta nazionalmente, nel 2010 abbiamo fatto più di 270 shows per tutto il Brasile. Come Aka, abbiamo vinto certificazioni ed eravamo praticamente ogni sabato in onda sui canali TV nazionali. Purtroppo la band nel periodo di maggior successo si è sciolta, il cantante ha deciso di fare la sua carriera da solista (un classico) ed io sono tornato a dedicarmi al 100% al mondo della produzione. Essendo stato quindi anche io artista so cosa vuol dire venire dal nulla.

Ho suonato per 13 anni nell’underground rock punk di San Paolo prima di raggiungere il successo in una scena indipendente che all’epoca sfornava in continuazione nuovi talenti e ogni volta ti ripetevi “il prossimo devo essere io…”. Dunque conosco il sapore agrodolce della gavetta, gli alti e i bassi che una carriera da artista comporta e il grande senso di equilibrio che occorre per rimanere sempre lucido. In questo, con Aka, siamo molto simili, anche lui si è dovuto costruire dal nulla. Abbiamo iniziato a lavorare che aveva 16 anni ed era reduce dalla delusione di X Factor, prima di “Amici” ha dovuto prendere un’infinità di porte chiuse in faccia… Mi rispecchio molto in Aka e cerco di condividere con lui la mia esperienza per aiutarlo a non perdersi e lavorare con il giusto focus… perché con il talento che ha può volare altissimo.

Sono davvero orgoglioso di vedere i passi da giganti che ha fatto e che continua a fare, viaggeremo di sicuro insieme e, al di là di certificazioni, numeri, successi o delusioni, ci divertiremo a produrre e scrivere canzoni per le persone.

“Tra i sogni e la realtà”, ormai si tende a dare spazio più alla realtà, lasciando scomparire un po’ i sogni. Quanto è importante invece la capacità di sognare? Che consiglio daresti ai ragazzi di oggi per inseguire i propri sogni?

Non esiste in realtà una cosa che non possiamo fare. Se dentro abbiamo i nostri valori e le nostre convinzioni, l’unica cosa di cui hai bisogno per partire è soltanto noi stessi. Di sicuro dovremo fare le cose in una determinata maniera: la precisione, la passione, dedizione e un pizzico di pazzia per osare per andare oltre e fare quello che nessuno osa fare e tracciare nuovi percorsi.

I sogni, se non li coltiviamo, purtroppo muoiono sfumati nel tempo. La realtà vuol dire costanza, resilienza, un mattone alla volta. Passi piccoli, ma pesanti. Trovate soluzioni e non scuse e sarete in grado di raggiungere qualsiasi traguardo, ve lo dice uno già vecchio di guerra che, nonostante i suoi 34 anni, ne ha viste davvero di cotte e di crude!

Sempre sul tuo profilo Instagram racconti “Condividere emozioni ci avvicina”. Nella vita frenetica del giorno d’oggi, purtroppo, spesso le emozioni vengono lasciate in secondo piano. Quale emozione vorresti trasmettere al pubblico con questa produzione? “Ci siete anche voi e non esiste cosa più bella al mondo che condividere arte e musica.” E che emozione invece provi a sapere che la tua musica accompagna la vita e la quotidianità di così tante persone?

Penso che tutto parta dall’intenzione che ci metti quando fai le cose. In particolare penso che se l’intenzione parte da un messaggio positivo alla lunga paga sempre. Stiamo vivendo un momento di crisi intergenerazionale, dai più piccoli a quelli più grandi. In questi tempi, tutti viviamo e avvertiamo la pesantezza del mondo… questo grigio perenne a volte stanca e ci sarebbe bisogno di leggerezza, di colori… “Come la prima volta” è questo, sono spaccati di vita che rappresentano un po’ il senso comune delle prime volte. E’ uscire un po’ dalle “Pa Pa Pare” paranoie quotidiane e ricordare il sapore della magie delle nostre prime volte.

Parlare della musica è, e sarà sempre, il mio punto debole. Se potessi, in solo due minuti di canzone, regalare alle persone le emozioni che la musica mi regala ogni giorno avrei compiuto la mia missione. Entrare nella vita delle persone, dentro la loro casa, è un onore ma anche una responsabilità, è cercare dentro di te le cose più belle che riesci a concepire e regalarle al mondo. Tutto ciò mi fa stare sereno, mi sento capito e in pace.

“Il dono della creazione, che tutti abbiamo, è forse il momento dove mi sento più in sintonia con l’universo e l’energia che mi circonda.” La creatività è uno dei tasselli fondamentali per caratterizzare l’unicità di una persona. In un presente dove molte cose, comportamenti o idee sono diventati ormai standard, la creatività può rappresentare anche una forma di ribellione ad un mondo che prova ad omologarci?

Meravigliosa domanda. Sono pienamente d’accordo con il discorso dello standard ma, in fin dei conti, questo succede da sempre. La creatività è uno dei doni umani più spettacolari (basta vedere le cose magnifiche che l’uomo è riuscito a creare, ad esempio la Cappella Sistina etc). Questa dote però, deve convivere da sempre con meccanismi intrinseci della società, come ad esempio il giudizio altrui, l’acida risposta dell’ego a qualsiasi critica o giudizio, la paura di fare brutta figura e del fallimento. Questi non sono altro che un insieme di blocchi mentali che fin da piccoli la società ci mette in testa, per via della paura della diversità e l’obbligo di soddisfare le aspettative altrui, tralasciando però le proprie.

Queste dinamiche che impiantano nella nostra testa sono degli ordigni pronti ad esplodere e soffocare anche le più piccole espressioni artistiche. Proprio questa cosa porta i giovani a richiudersi nel loro mondo. Un universo dove magari, internamente, sono anche tanto creativi, ma incapaci di aprirsi e condividere l’arte con il mondo. Questa cosa porta a seguire il pensiero del gregge perché se tutti pensano o si vestono in certo modo, allora quel modo è ritenuto quello giusto. Proprio in queste situazioni, se si ha il coraggio di ascoltare e nutrire la propria creatività, questa può diventare un elemento di rottura. Un elemento in cui la gente può rispecchiarsi e connettere i propri sogni e aspirazioni.

Max Kleinz, sappiamo che “Come la prima volta” prodotto da te e Aka 7even, è caratterizzato da un sound d’oltreoceano, ce ne vuoi parlare? Ci vuoi raccontare da dove è partita l’ispirazione?

Aka è partito con il giro del synth e una topline di voce. Questa entrava in testa fin dall’inizio. Nel gergo io le definisco “mind breaker” ovvero melodie che a livello di composizione e di estetica colpiscono subito. Da quello siamo poi passati ad ascoltare un po’ di musica, principalmente new wave e synth wave. Da lì è nata l’idea di dare al pezzo un’estetica modern retro, con influenze degli anni 80 e 00 (come ad esempio la scelta di usare una drum machine come la Yamaha RX 11 del 1984 che ha segnato una generazione nel passato).

Il groove del ritornello proviene dal punk. Chiunque abbia mai ascoltato le band di post hardcore/punk o anche soltanto Blink o Green day, capisce subito le influenze originali. Alla fine ho aggiunto un po’ di elementi dell’urban pop moderno che fanno la differenza, come ad esempio buildups, effetti di eq e filtri automatizzati per svecchiare il sound e dargli appunto quel respiro d’oltreoceano.

C’è qualcosa che vorresti far sapere o raccontare liberamente ai lettori di Honiro Journal?

Ai lettori di Honiro direi di inseguire i propri sogni e vorrei ringraziarli, perché ogni qualvolta si parla di musica e di arte si contribuisce a mantenere viva la scena, gli artisti e tutto il settore. In poche parole, si dà un vero e proprio senso al fare musica. Ogni qualvolta leggete di musica, comprate un biglietto per un live o comprate i dischi dei vostri cantanti preferiti state alimentando sogni e arte.

Mi auguro di tornare il più presto alla normalità, tra guerre e pandemie, poiché, come la storia insegna, proprio dopo questi periodi difficili nascono i concerti più belli di tutti i tempi, quei concerti che ispirano generazioni intere.

L'articolo Max Kleinz ci racconta la produzione di “Come la prima volta” il nuovo singolo di Aka 7even proviene da Honiro.it.

Dopo l’uscita del nuovo singolo “BANDANA”, che ha fatto impazzire tutti i suoi fan già dal primo ascolto, è uscito venerdì 13 maggio, “LDA” (Columbia Records Italy/Sony Music Italy), il primo omonimo album dell’artista, disponibile in fisico e digitale. 

Sin dalle prime esibizioni all’interno della scuola di Amici, LDA ha riscosso un grandissimo successo, collezionando da subito milioni di streaming già con il primo inedito “Quello che fa male” (prod. D Whale), certificato in breve tempo oro e poi platino, ed entrato nella Top 50 Italia di Spotify. 

LDA ha raccontato a noi di Honiro Journal delle curiosità su questo suo primo progetto discografico e sulla sua esperienza ad “Amici21”!

LDA, uno dei tuoi brani contenuto in questo album si intitola “Scusa”, questa è una parola molto significativa, soprattutto al giorno d’oggi quando sono poche le persone che riescono a chiedere scusa. Quanto è importante invece saper chiedere scusa e come ci si può riuscire? 
A parer mio, chiedere scusa non è importante, ma fondamentale. Quando una persona si rende conto di aver sbagliato deve sentirsi in dovere di chiedere scusa, questo significa far capire all’altra persona di aver compreso che si ha commesso un errore e di essere dispiaciuti per questo. Alla fine siamo tutti esseri umani, è normale sbagliare, sbagliamo tutti. Non siamo esseri perfetti, e menomale! Chiedere scusa è più semplice di ciò che pensiamo, non so perché alcune persone non ci riescano, a me, onestamente, viene spontaneo. Sono una persona che spesso chiede scusa e che spesso perdona. Non ci vedo assolutamente niente di male, anzi!

“Che nel buio sai si vedono le stelle”
Ovviamente il percorso di “Amici” è stato caratterizzato da una serie di bellissimi momenti ma, come in tutte le esperienze, immagino non saranno mancati i momenti no, i momenti di buio. Come si può nei momenti di buio riuscire a trovare un lato positivo, riuscire a trovare le stelle?
Mi fa molto piacere che tu abbia citato proprio una frase di “Resta” perché è la prima canzone che ho realizzato come LDA. Penso che questo dipenda molto dalla persona che sei, io sono quel tipo di persona che nella vita vede sempre il bicchiere mezzo pieno. Quindi, inevitabilmente, nel buio riesco sempre a vedere le stelle, perché sono cosi di carattere. Ovviamente possono capitare le giornate negative, dove tutto sembra andare male, ma sono convinto che anche in questi momenti, se osserviamo bene, riusciamo a scorgere qualcosa di positivo.

Anche durante l’esperienza ad “Amici21” ci sono stati degli alti e dei bassi, soprattutto perché in quel contesto le emozioni sono amplificate moltissimo. Io, ad esempio, non ero una persona che piangeva così tanto, ad amici invece è successo spesso. I miei momenti “no” all’interno della scuola erano dati principalmente dalla nostalgia che avvertivo nei confronti dei miei fratelli, i miei genitori, i miei amici, la mia città. Se ti lasci trasportare dalla nostalgia quando sei lì, all’interno del programma, è poi molto difficile riprendersi. Nell’ultimo periodo anche io, ad esempio, ero ormai proiettato a quello che poi sarebbe successo fuori.

Di seguito la tracklist completa del primo album di LDA che vede anche la collaborazione di alcuni importanti producer, come ZEF, Michele Canova e D. Whale:

1. “Quello che fa male” 
2. “Bandana” 
3. “SAI” 
4. “Io volevo solo te” 
5. “Scusa” 
6. “Vivimi”
7. “RESTA” 

Per regalare ai fan un momento speciale in occasione dell’uscita del suo progetto discografico, LDA ha annunciato anche 9 appuntamenti instore, durante i quali firmerà le copie del suo disco per ringraziare chi lo ha sostenuto negli scorsi mesi e continua a farlo:

13 MAGGIO – ROMA – DISCOTECA LAZIALE (ORE 17.00)
14 MAGGIO – VALMONTONE (RM) – VALMONTONE OUTLET (ORE 16.30)
15 MAGGIO – NAPOLI – FELTRINELLI STAZIONE GARIBALDI (ORE 17.00)
16 MAGGIO – PONTECAGNANO FAIANO (SA) – CC MAXIMALL (ORE17.30)
17 MAGGIO – AFRAGOLA (NA) – CC LE PORTE DI NAPOLI (ORE 18.00)
18 MAGGIO – BARI – CC MONGOLFIERA SANTA CATERINA (ORE 17.00)
20 MAGGIO – MELILLI (SR) – PARCO COMMERCIALE BELVEDERE (ORE 17.30)
21 MAGGIO – CATANIA – CC CATANÈ (ORE 17.00)
22 MAGGIO – PALERMO – CC LA TORRE (ORE 17.00)

L'articolo LDA ci racconta il suo primo album e la sua esperienza ad “AMICI21” proviene da Honiro.it.

“Siamo io e te” è il nuovo singolo di mikele, una boccata di aria fresca nella scena! Per l’occasione l’artista si racconta a noi di Honiro.

Ciao mikele! Com’è iniziato il tuo percorso?
Yo Honiro! Il mio percorso artistico è iniziato con un gruppo indie rock nella “bassa padovana”, in un paese in Veneto che si chiama Piove di Sacco. Poi da li mi sono spostato in Inghilterra, e ora a Milano.

Come potremmo definire il tuo genere?
Crossover. È un sound europeo che unisce e mixa diversi generi musicali soltanto in apparenza lontani, amalgamandoli a lingue diverse, frutto dei miei studi e delle mie esperienze.

Cosa ti affascina di più della scena urban?
Mi affascina la varietà di generi che un singolo artista può portare. Ad oggi, ci sono fenomeni come Jaden Smith, Tory Lanez, Post Malone, ma anche in Italia Marracash e Luché che si spingono oltre il compitino. 

Cosa differenzia “Siamo Io e Te” da “Dalla Culla”?
Se “Dalla Culla” è notte, “Siamo io e te” è mattino. “Dalla Culla” è stato il mio primo singolo e in quanto tale colmo di emozioni personali e di riflessioni cupe. “Siamo io e te”, invece, trasmette libertà e motivazione.

Che messaggio vorresti lanciare con la tua musica?
Vorrei trasmettere la mia visione sognante della vita, perché gli ascoltatori si sintonizzino con i propri.

Cosa intendi con “alle volte anche su un beat si può essere profondi con le parole”?
Tendenzialmente su un beat trap si sente parlare di tante donne, di armi, di soldi e di droga. Quello che intendevo dire è che con il mio brano trap ho parlato di una relazione sentimentale, di sogni e di problemi che insorgono dal pensiero affannoso inclinato al denaro e alla consumazione di droghe. Per me, questo significa andare più profondo rispetto a ciò che sento in molti brani hip-hop.

Quali sono i tuoi progetti futuri in vista dell’estate?
Manca ancora molto all’estate. Questa macchina non si fermerà! In estate sono previste novità interessanti, intanto…

L'articolo mikele si racconta nel nuovo singolo “Siamo io e te” proviene da Honiro.it.

Catene è il nuovo singolo dei GianTheo! Il duo artistico bresciano nato nel 2003, composto da Giancarlo Prandelli e Matteo Sainaghi. 

Nel corso degli anni Giancarlo Prandelli realizza produzioni per artisti del calibro di Laura Pausini, Mina, Omar Pedrini e Fausto Leali.  Partecipa al programma “Roxy Bar” di Red Ronnie come musicista e per diversi anni collabora con la casa discografica Sugar e Vanta svariate collaborazioni con Mina, Brignano, Blanco e nel 2021 collabora con GuèPequeno pubblicando il singolo “Permaloso”. 

Matteo Sainaghi, laureato in scienze motorie, inizia a comporre brani Rap dalla fine degli anni ’80. Nel 2014 diventa presidente e creatore della GDM – Ginnastica Dinamica Militare Italiana, società sportiva depositata al Coni, che vanta la formazione di 300 istruttori selezionati. Nel 2019 scrive il libro “Intelligenza Motoria” per la Mondadori. Nel 2003 i GianTheo pubblicano il loro primo disco “Giorno e notte” e nello stesso anno esce il singolo “Tortuga”, prodotto da New Music International, che viene utilizzato come sigla del programma “Pinocchio”, condotto da La Pina su Radio Deejay.

Catene è il nuovo singolo dei GianTheo e per l’occasione si sono raccontati ad Honiro Journal!

Com’è nato il progetto GianTheo?
Nel 2002 ci siamo incontrati per caso e da oltre 20 anni facciamo musica con periodi più intensi ed alcuni con pause.

Avete due percorsi molto artistici, ma quanto la scena rap ha influito sul modo di lasciarvi ispirare?
Già dagli anni 80, quando ancora eravamo adolescenti, abbiamo cavalcato l’onda rap italiana che era all’inizio. I giovani di oggi che fanno Hip Hop – Rap, anche se bravi, hanno perso un po’ l’era… nel senso, è come se nel 1989 avessimo fatto brani del quartetto cetra.

Di cosa parla il singolo Catene e come mai proprio questo titolo?
Catene è abbinato all’intelligenza motoria che esiste in ognuno di noi e le Catene come simbolo di blocchi emozionali che inducono alla sedentarietà, con tutti le problematiche annesse.

Quali sono le differenze e le analogie che vi rendono così ben amalgamati?
Siamo completamente diversi, sia caratterialmente che musicalmente. Theo nasce come vocalist in discoteca negli anni 90 e come rapper, mentre Gian nasce come polistrumentista. Theo scrive i testi e Gian la musica.

Secondo voi, vista la vostra esperienza, come possiamo definire oggi la scena musicale in Italia?
Manca la penna di una volta… peccato! Avendo uno studio di registrazione e avendo molti ragazzini che girano, posso dirti che non conoscono la musica, sia culturalmente che suonare uno strumento… cioè la base! È come se un cuoco non sapesse fare una spaghettata. Negli anni 90 gli
artisti conoscevano la musica anni 80-70-60, nazionale e non, al giorno d’oggi chiedi a un ragazzo chi è Prince non lo sa.

Quali saranno i vostri progetti futuri da solisti e soprattutto il riguardo il progetto GianTheo?
Ci sono tre singoli in uscita: Catene a febbraio 2022, il secondo a maggio 2022 e il terzo a fine agosto 2022. Ovviamente stiamo lavorando anche all’album.

L'articolo I GianTheo ci raccontano il singolo Catene proviene da Honiro.it.

E’ disponibile dal 4 Marzo “OSIRIDE” il nuovo album di NASHLEY con cui l’artista ci accompagna nella sua nuova dimensione musicale.

Amore, invidia, devozione, rinascita. I sentimenti si evolvono, mutano e molto spesso si confondono. In questo viaggio iniziato con i capitoli “SETH” e “ISIDE”, l’unica soluzione per NASHLEY per giungere al cambiamento è stata quella di passarci attraverso proprio come ha fatto “OSIRIDE” lungo il Nilo.

13 le tracce che compongono il disco e che vedono la partecipazione di alcuni ospiti d’eccezione: da Fasma, Jake la Furia, IRBIS 37 a Tancredi e Anna Tatangelo, nomi di spicco della scena urban e pop italiana, a conferma del nuovo percorso di contaminazione di generi che NASHLEY ha deciso di compiere con “OSIRIDE”.

Chi meglio di Nashley poteva raccontarci il suo nuovo album “Osiride”? Noi di Honiro Journal lo abbiamo intervistato!

Nashley, tu stesso racconti “Ho dovuto guardare in faccia l’inferno per imparare a vivere nel paradiso, Sono dovuto morire per rinascere, come Osiride”. Cosa ti ha ispirato particolarmente di Osiride tanto da sceglierlo come titolo del tuo album e cosa aiuta a rinascere?
Mi ha ispirato particolarmente questa leggenda egizia perché Osiride è il simbolo della rinascita. Questo mito ha diversi finali, ognuno sceglie di credere nella conclusione che più gli piace, io sono rimasto affascinato dalla versione in cui Osiride, dopo essere morto, rinasce in un fiore. Per poter rinascere, secondo me, è fondamentale sbagliare tanto, fare esperienza, commettere molti errori ma soprattutto capirli.

“Spezza le catene, non ti fanno volare, non sai cosa ti perdi”
Quali sono, secondo te, le catene di cui oggi giorno dovremmo liberarci per poter poi finalmente volare?
Senza dubbio, una delle catene che dovremmo sciogliere in questo periodo sono i social. Probabilmente avremmo bisogno di staccarci un po’ da questa finzione, da questo mondo virtuale e iniziare a vivere di più la vita reale. Quando parlo di catene però, parlo anche di limiti in generale, limiti che per ognuno di noi sono diversi, perché ognuno ha i propri. Questo brano vuole ricordarci come la vita sia una sola. Se non si rischia adesso quindi, c’è poi il pericolo di non rischiare più o di non mettersi più in gioco perché poi, crescendo, arrivano le responsabilità.

E se non ci si libera delle catene da giovani sono tante le occasioni che si perdono. Questo è un concetto a cui sono molto legato, che infatti è ricorrente nel disco.

“spogliamoci le armature”
Dove si trova il coraggio di togliersi l’armatura? Che consiglio daresti a tutti quei giovani che vorrebbero togliere i filtri, le maschere ma non ci riescono?
Un consiglio che mi sento di dare è quello di provare in tutti i modi ad essere noi stessi, senza avvertire continuamente il bisogno di cambiare per assomigliare agli altri. Ci sono tante persone che, in base a ciò che hanno davanti o in base alla situazione in cui si trovano, cambiano anche loro stessi, le loro idee, i loro pensieri. Secondo me invece, dovremmo conservare e tenere vivi i nostri principi e i nostri valori indipendentemente da ciò che abbiamo attorno.

Sicuramente un consiglio potrebbe essere quello di avere il coraggio di mostrarci per ciò che siamo ma soprattutto di non avere paura di essere noi stessi perché prima o poi incontreremo le persone che ci apprezzeranno per questo motivo. Chiaramente questo è un viaggio difficile e molto lungo, che si deve affrontare ogni giorno, passo dopo passo.

“alla fine che cosa resta”
Quale messaggio vorresti rimanesse a chi ascolta questo album?
Fin dagli inizi ho fatto musica per me stesso ma, allo stesso tempo, mi è sempre piaciuto aiutare anche le altre persone. Vorrei semplicemente che, chi ascolta questo album, riuscisse ad immedesimarsi nei miei concetti, nelle mie frasi, nella mia musica adattandola al suo vissuto, alle sue esperienze e soprattutto che, indossando le cuffiette, si sentisse compreso e meno solo. Vorrei che, ascoltando i miei brani, le persone si sentissero capite. Proprio per questo preferisco raccontare le emozioni con una sfumatura generale, senza entrare troppo nello specifico o nel personale, in questo modo ci si può immedesimare più facilmente.

Tanti ragazzi mi scrivono ogni giorno che la mia musica li ha aiutati, che una particolare frase li ha colpiti o fatti sentire compresi e lo scopo di questo album è proprio questo!

“E potrei perdermi, perdermi per trovarmi di nuovo”
Nel momento in cui ci perdiamo, come facciamo a ritrovarci?
Ci possiamo ritrovare solo ripercorrendo il tragitto che abbiamo fatto finora e capendo dove siamo inciampati, dove abbiamo sbagliato, rivivendo gli errori commessi per cercare di non farli più in futuro.

“È solo che vorrei di più di quel lavoro standard
Di guidare una Panda e avere quattro figli a casa”
I giovani spesso si accontentano, c’è chi invece nella vita punta in alto, che consiglio daresti ai ragazzi per ritrovare una cosa che oggi giorno stiamo un po’ perdendo ovvero il sognare in grande?
Al giorno d’oggi è molto difficile trovare dei momenti per sognare, soprattutto per sognare in grande. L’importante è non perdere la fiamma, la speranza, la voglia di realizzare i nostri sogni e di sognare ancora. Anche in periodi come quello che stiamo vivendo o che abbiamo vissuto non bisogna mai lasciare che quella piccola scintilla che abbiamo dentro di noi si spenga. Banalmente, anche nella quotidianità, bisognerebbe cogliere ogni occasione, vivere tutto ciò che la vita ci offre, rischiare. E soprattutto, se non siamo soddisfatti di ciò che siamo, bisogna avere il coraggio di cambiare.

“noi fiori nati e cresciuti in mezzo all’inverno”
Come si fa a fiorire anche se fuori è inverno, dove si trova il coraggio di fiorire anche in mezzo alla neve, anche in mezzo al freddo?
Questa frase è stata scritta pensando ai ragazzi di quartiere, a tutte quelle vite difficili che, però, riescono a fiorire lo stesso. Questa metafora vuole rappresentare tutte quelle persone, quelle situazioni che, anche in ambienti sfavorevoli, riescono comunque a mantenere la propria bellezza. Non tutti riescono a fiorire anche d’inverno, secondo me bisogna avere quel qualcosa in più, ricordandoci sempre che l’ambiente dove fioriamo non determina chi siamo.

Al giorno d’oggi, spesso, si cerca mostrare solo il proprio aspetto forte, tu invece nella cover dell’album sfoggi delle lacrime d’oro. Quanto sono importanti, quanto valore hanno e soprattutto quanto sono preziose le lacrime?
Il concetto della cover si basa proprio su questo. Nonostante nella grafica ci sia l’oro, che quindi richiama alla forza, alla determinazione, in contrasto con questo colore c’è la lacrima, che invece vuole descrivere l’anima di questo disco, la sofferenza. Penso che le lacrime siano importantissime, credo che sia fondamentale soffrire nella vita, alcune volte anche più dell’essere felici perché più si attraversano momenti di buio, più si impara a vivere a pieno i momenti di luce. È molto importante anche mostrare le proprie lacrime, non sempre, ma alcune volte è giusto e prezioso anche saperle condividere.

Nashley, in “Osiride” troviamo la collaborazione con Fasma, con Tancredi, Anna Tatangelo, Jake La Furia, IRBIS 37 cosa ti ha legato particolarmente a questi artisti? Ti va di raccontarci come sono nate queste collaborazioni?
Le collaborazioni sono tutte nate in modo abbastanza diverso tra loro. Con Tancredi avevo collaborato agli inizi, quindi già ci conoscevamo e crediamo reciprocamente nella nostra musica. Anche con Fasma ci conosciamo da tempo ormai, ci siamo visti a tanti live ed era da molto che desideravo un featuring con lui. IRBIS 37 è un artista che piace particolarmente al mio produttore, in studio ho capito che era davvero molto forte e “Sempre di più” è nata in pochissimo tempo.

Anna Tatangelo e Jake La Furia sono due persone fantastiche e sono molto contento dei brani con loro. In generale sono tutti artisti fenomenali, mi è piaciuto unire in uno stesso disco anche collaborazioni apparentemente imprevedibili, in modo da dare vita ad un ventaglio di generi e di sfumature musicali diverse tra loro.

“Cercavo un modo di salvarmi, e chi l’avrebbe detto
Che bastavano un paio di cuffie e un microfono acceso” 
A proposito di microfono acceso, sappiamo che hai annunciato il tuo tour che partirà il prossimo 17 maggio. Che emozione provi, come ti immagini questi live?
Proprio in questi giorni stiamo lavorando all’organizzazione artistica e scenografica dei live. Mi immagino uno show semplice ma allo stesso tempo originale. Voglio che i miei fan si ricordino di questo tour, che spero sia il primo di tanti. Sono molto fiducioso per questi live, mi sento particolarmente emozionato, nella mia vita ho fatto decine di DJ set, ma questa sarà un’esperienza completamente diversa, sarà la prima volta su un palco tutto mio, la prima volta con la band.

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